Aunque algunos parezcan ser buenos es solo apariencia....

Confieso sentirme rebasada con la maldad y crueldad que existe a mi alrededor desde hace años, aumentada del 2013 para acà. Mi generaciòn se vio alimentada por una apertura a la cultura oriental. Lecturas de Gibran Kahlil Gibran un poeta, pintor,novelista y ensayista libanés nacido en Bisharri, (Bsharri, Becharre) Líbano, el 6 de enero de 1883 y fallecido el 10 de abril de 1931. Gibran Kahlil también es conocido como el poeta del exilio, su obra cumbre fue El Profeta publicado en el año1923.Ocho años antes de su muerte un profeta abandona el pueblo donde ha vivido y antes de irse la gente le pide que hable de ciertos temas, cada uno de los cuales forma un capítulo del libro. Estos temas son: el amor, el matrimonio, los hijos, el dar, el comer y el beber, el trabajo, la alegría y el dolor, las casas, el vestir, el comprar y el vender, el crimen y el castigo, las leyes, la libertad, la razón y la pasión, el dolor, el conocimiento, el enseñar, la amistad, el hablar, el tiempo, lo bueno y lo malo, la oración, el placer, la belleza, la religión, y la muerte.Por ejemplo, respecto a la alegría y el dolor dice: "Cuando estéis tristes, (...) veréis que estáis llorando, en verdad, por lo que fue vuestro deleite".A pesar de que la obra está escrita a modo de diálogo simple entre el profeta y la gente del pueblo, las directivas que Gibrán pone en su boca invitan a reconsiderar los valores, conceptos, hábitos y costumbres de la sociedad, llevando al lector hacia una idea menos individualista y con un gran sentido de empatía con los seres vivientes, así como la mayor relevancia de un estrato espiritual subyacente a todas las acciones humanas.Su inspiración es, probablemente, la sabiduría de grandes maestros (como Jesús o Buda), las religiones orientales y corrientes de espiritualidad marcadas por un gran sentido de lo místico, como el sufismo, sin perder semejanza a su vez con las creencias animistas de muchas sociedades tribales cercanas a la naturaleza.Muchos de los escritos de Gibran tocan el cristianismo, especialmente en cuanto al amor espiritual. Pero su misticismo es una convergencia de varias influencias diferentes: el cristianismo, el islam, el judaísmo y la teosofía. Escribe: “Ustedes son mis hermanos y los amo. Los amo cuando se postran en sus mezquitas, se arrodillan en sus iglesias y oran en sus sinagogas. Ustedes y yo somos hijos de una sola fe: el Espíritu”.Su popularidad aumentó notablemente durante la década de 1960 con la contracultura americana y más tarde con el florecimiento de los movimientos New Age. Desde su primera publicación, en 1923, nunca ha estado fuera de impresión. Habiendo sido traducido a más de cuarenta idiomas, fue uno de los best-sellers del siglo XX en los Estados Unidos. Elvis Presley quedó profundamente impresionado por “El Profeta” después de recibir su

¿Dìganme si con estas ideas en la base de mi formaciòn puedo entender hoy la maldad de mi entorno y la que se destapò en Venezuela?

primer ejemplar en 1956. Según se cuenta, leyó pasajes a su madre y a lo largo de los años regaló copias de “El Profeta” a sus amigos y colegas. Las fotografías de sus notas manuscritas bajo ciertos pasajes a lo largo de su ejemplar están disponibles en varios sitios web de museos. Una de sus frases más destacables está tomada de “Arena y Espuma” (1926): “La mitad de lo que digo no tiene sentido, pero lo digo para que la otra mitad pueda alcanzarlos”. Esta frase fue tomada por John Lennon y empleada, aunque ligeramente modificada, en la canción “Julia” de The Beatles. David Bowie menciona a Gibran en la canción “The Width Of a Circle”, de su álbum The Man Who Sold the World (1970). Bowie utilizó al autor como una “referencia hippie”, porque el libro “Lágrimas y Sonrisas” de Gibran se volvió popular en la contracultura hippie de los ’60. En 2016 la fábula de Gibran “Sobre la Muerte” fue compuesta en hebreo por Gilad Hochman para soprano, turbo y percusión, y estrenada en Francia con el título de “Río del Silencio”.Gibran no era en absoluto un político. Solía decir: “no soy político ni deseo serlo” y “me alejo de los acontecimientos políticos y las luchas de poder, pues toda la tierra es mi patria y todos los hombres son mis compatriotas”.

Fue famosa la serie "Kung Fu"una serie de televisión estadounidense producida entre 1972 y 1975 protagonizada por David Carradine. Fue creada por Ed Spielman, dirigida por Jerry Thorpe y desarrollada por Herman Miller, quien fue además escritor y coproductor de la serie.La serie consta de un capítulo piloto, más 62 capítulos divididos en tres temporadas. Kung Fu con su mezcla original de artes marciales y western, fue una serie que tuvo un enorme éxito en nuestro país y sigue siendo recordada por mucha gente que incluso la veneran como una obra maestra.Utilizando el éxito de las películas de Bruce Lee quien debiò ser su intèrprete pero fue rechazado pòr ser muy oriental en sus rasgos, pues el protagonista era hijo de padre americano y madre china y es criado en un monasterio Shaolin chino, esa historia sirviò como plataforma de base, Ed Spielman era un personaje bastante pintoresco, que había aprendido chino y Kung Fu en el barrio chino de Nueva York y sin ninguna experiencia cinematográfica se propuso hacer algún proyecto basado en su conocimiento del mundo oriental, siguiendo la estela de las películas de Bruce Lee que causaban furor por aquella época.Spielman escribió un guión cinematográfico que fue rechazado por Warner Brothers, pero en cambio la cadena ABC le vio viabilidad como una película de Estrenos TV y le encargó ajustar el guión al formato y presupuesto televisivo.El piloto fue estrenado en otoño de 1972 con un gran éxito de crítica y publico lo que le ganó el encargo de la serie de forma inmediata.Spielman ha continuado haciendo series del Oeste como la brillante Jóvenes Jinetes sobre personajes legendarios del Oeste (Bill Hickox, Billy el niño) en su juventud haciendo de correos del Pony Express o la no estrenada en nuestro país Dead Man’s Gun, un antología sobre una pistola que pasa de mano en mano en cada episodio con la narración de Kris Kristofferson.

Kung Fu consiguió combinar de forma hábil las enseñanzas de las filosofías orientales con la acción propia de un western, creando una amalgama muy diferente a lo habitual de la época, contribuyendo a formar su propia leyenda del pequeño saltamontes que protagonizaba el monje shaolin Kwai Chang Caine.Kung fu relata las aventuras de un solitario monje chino shaolín llamado Kwai Chang Caine (interpretado por David Carradine en su situación de adulto, Keith Carradine como joven y Radames Pera como niño conocido como El pequeño saltamontes), que viajaba a través del Viejo Oestede los Estados Unidos usando como únicas armas su destreza en artes marciales y la fuerza interior de su filosofía de vida, el budismo.Su propósito es encontrar a su medio hermano, Danny Caine, y empezar una nueva vida en familia, ya que el mismo Kwai Chang había huido de China tras poner las autoridades precio a su cabeza por asesinar al sobrino del Emperador, ocurrido para vengar la muerte de su guía espiritual el maestro Po (interpretado por Keye Luke) a manos de dicho familiar imperial.A medida que se interna en la frontera de los Estados Unidos, Kwai Chang Caine va dejando una estela de amigos agradecidos por sus bondades y enseñanzas budistas; pero también es ofrecida una recompensa por su captura, vivo o muerto, por matar al sobrino del Emperador de China. Además, se enfrenta sin armas a personajes racistas y hostiles o pervertidos administradores de la ley desenmascarándolos.Aunque intenta evitar en la medida de lo posible el uso de la violencia, la verdad es que casi siempre se ve obligado a utilizarla, en defensa de algún débil u oprimido o para corregir alguna injusticia que no puede dejar de pasar por alto.El esquema de cada episodio era parecido y empezaba por Caine vagando por el Oeste, con la única compañía de su escueta mochila, llegando a algún lugar donde indefectiblemente hay algún poderoso que domina y controla el lugar. El episodio va construyendo la historia que nos tiene que llevar al clímax final, aderezado por flashbacks de su juventud en el monasterio, que nos muestran diferentes aspectos de sus enseñanzas, que deberán ser aplicados en este caso concreto, como primer ejemplo tienen sus pensamientos sobre la ambición

Kung Fu (Serie TV) - El Respeto

Lo habitual era ver al pobre Caine, aguantar los desplantes y provocaciones del malo de turno y sus sicarios, durante la primera media hora hasta llegar al punto, donde se ve obligado a utilizar sus habilidades de Kung Fu, para desarmar y derrotar a sus enemigos. La pelea final solía ser larga y detallada, con una utilización frecuente de la cámara lenta y primeros planos para mostrar las técnicas de Kung Fu, en el siguiente video tienen un magnifico ejemplo de lo explicado

Para mi generaciòn de "Baby Boomers" venezolanos rodeada de golpes de estado, inicio de la democracia, y luchas ideològicas un tanto ingenuas,e intelectuales que se debatìan en luchar por los excluidos, desposeidos, la mujer, ya sea desde la corriente cristiana, catòlica movida por el Concilio Vaticano II o socialista y comunista, tratàbamos de encontrar respuestas en nuestro interior, ya que todo era muy externo, falto de corazòn y mucha mente, por lo que muchos aspiràbamos encontrar dentro de nosotros un mensaje coherente, que llenara nuestras necesidades por algo màs allà, En aquella época las filosofías orientales eran poco conocidas aún fuera de su espacio natural y por ello las ideas que presentaba la serie eran novedosas y con unos razonamientos originales para lo que estábamos habituados, como en esta digresión entre fuerza y debilidad.

Curiosamente la serie no fue ningún gran éxito en los Estados Unidos, donde su fama se fue desvaneciendo de forma muy rápida, en cambio en países como el nuestro, las historias del pequeño saltamontes se convirtieron en un verdadero fenómeno de masas y fue la causante del inicio del interés de muchas personas por las filosofías orientales y las artes marciales.

Personalmente, nunca fue una serie que me entusiasmó en su momento, a diferencia de la mayoría de mis amigos que la veneraban, no me convencían ni el ritmo excesivamente parsimonioso de la serie, ni muchas de sus enseñanzas orientales que parecían extraídas del interior de una galleta china de la suerte, aclaro que mi bùsqueda espiritual estaba tras los monjes occidentales y las raìces contemplativas del catolicismo, parte importante de mi elementos culturales

No obstante reconozco que era una serie entretenida y muy original por esa mezcolanza de géneros totalmente innovadora en aquellos tiempos y tengo que admirar el gran recuerdo que guarda mucha gente de la misma. Es una de las series mas recordadas de la historia, y además algunos de los pensamientos expresados eran interesantes y se hacían con la intención de hacernos reflexionar y hacernos mejores personas lo que siempre es encomiable en la pantalla tonta como se la llamaba por aquel entonces.

Los actores: David Carradine, después de una carrera irregular en películas de series B, consiguió su espaldarazo a la fama como el hierático Kwai Chang Caine. Miembro de una saga de actores como su padre John y sus hermanos Robert y Keith o su sobrina Martha Plimpton, se ganaba la vida haciendo todo tipo de películas muchas de ellas con el productor Roger Corman.

Carradine era muy buen actor y capaz de hacer todo tipo de papeles, y su interpretación de Caine es el mejor ejemplo de esto, su carrera posterior ha sido mas distinguida, siguiendo con su amigo Roger Corman en ‘Death Race 2000’, una delirante serie B, hasta protagonizar películas de Ingmar Bergman "El huevo de la serpiente" o Quentin Tarantino, pasando por joyas como ‘Forajidos de Leyenda’ de Walter Hill. David no tenía ni idea de artes marciales al iniciarse la serie, pero se aficionó rápidamente, y consiguió un cierto nivel al finalizar la misma, para seguir practicandolas durante toda su vida. Su vida personal fue muy turbulenta, con cinco matrimonios y bastantes arrestos por alcohol y drogas, hasta finalizar sus días en un hotel de Bangkok en 2009 , donde fue encontrado muerto realizando un ejercicio de asfixia autoerotica a la que era muy aficionado. Para las escenas de su juventud se eligieron dos actores para representarlo a sus diferentes edades, para el Caine adolescente, el elegido fue su hermano Keith Carradine quien solo salió en algunos capítulos de la primera temporada, pero le sirvió para iniciar otra prolífica carrera cinematográfica, siendo uno de los actores favoritos de Robert Altman, hasta finalizar apareciendo en otro memorable papel en Deadwood, además era un buen cantante y compositor, ganando el Oscar a la mejor canción con ‘I’m Easy’ de la película Nashville.

En cambio el que salió durante toda la serie como el pequeño saltamontes o Caine joven era Radames Pera, un joven actor que alcanzó su máxima fama en esta serie.Pera, escuchaba las enseñanzas de su maestro con atención y cara embobada y posteriormente a la serie lo único que ha hecho digno de mención fue salir de noviete de una de las hijas de ‘La Casa de la Pradera’ retirándose en 1984 de la escena de la farandula. Guardo un recuerdo muy grato de ese personaje, cuando estudiàbamos Cosmobiologìa y yo salìa y trabajaba con Fantina Iribarren, su hija Dina Lapenta realmente muy chistosa, me llamaba "pequeña saltamontes".Y en mi trabajo en la Biblioteca Pùblica Central de Valencia "Dr. Manuel Feo La Cruz" en su sede antigua en la Av. Soublette, llamè al cabecilla de un grupo de estudiantes que daban clases gratis de Fìsica, Matemàticas y Quìmica a los jòvenes de bachillerato, Kung Fu, por su pelito liso y grandes ideales expresados con fuerza, hasta con rabia... Supe no hace mucho que es un ingeniero muy chavista.

Por ultimo como el maestro ciego Po, tenemos a Keye Luke, que ha aparecido haciendo todo tipo de chinos arquetípicos en cine y televisión.Suyas eran las frases lapidarias que marcaban la adolescencia de Caine y el pozo de sabiduría de la que emanaban.El éxito inicial de la serie se desvaneció rápidamente y fue cancelada al final de su tercera temporada, por sus bajas audiencias y en parte por el interés de David Carradine de relanzar su carrera cinematográfica, pero en sus continuas reemisiones su leyenda fue aumentando.Por ello en 1987 se hizo un primer intento de revivir la serie con un piloto llamado Kung Fu. The Next Generation con el malogrado Brandon Lee, el hijo de Bruce de protagonista, pero la CBS no le dio el visto bueno y no pasó a ser serie.En 1993 se estrenó otra secuela llamada Kung Fu: la Leyenda Continua, por el sistema de sindicación, de venta directa a las emisoras sin pasar por las cadenas. Aquí la serie estaba ambientada en la época actual, con el nieto de Caine interpretado por el propio David Carradine, ayudando a su hijo que es detective de policía, a resolver casos en la época actual, sin ninguna otra relación con el original.

Kung Fu, una serie que me consta sigue siendo la favorita de algún lector, a pesar de todos los años pasados y que fue un planteamiento original que ha tenido mucha influencia en la vida de muchas personas, atraídas tanto por el carisma de las artes marciales como por la introducción a las filosofías orientales de la serie.Por tanto una caracterìstica que identificò la formaciòn de mi generaciòn, la podrìamos definir por los grandes ideales y la esperanza y fe en la bondad del ser humano y un mundo mejor, confieso que creì que todo eso era posible, y la maldad era muy lejana entre nosotros, de ahi que la polìtica no fue mi norte, y si el liderazgo en movimientos espirituales y de crecimiento interior, unidos a la educaciòn en la identidad venezolana y sudamericana, tanto en la Escuela de Letras de la UCAB, Instituto Pedagògico Nacional y en el post grado en la USB, y el trabajo de investigadores de la memoria nacional que ìabmos a rescatar, preservar y difundir, segùn normativa de la Biblioteca Nacional, posteriormente a partir de 1976, Instituto Autònomo Biblioteca Nacional.

Para finalizar esta primera parte de mi estudio sobre lo que vivimos inmrosos en una maldad desbordada que nunca imaginè experimetar, en mi vejez, comparto un artìcuo que representa muy bien el eje de nuestra espiritualidad al menos para mi, buscada en mis raìces occidentales.

Para todos era comùn esta bateria de ideas buscada en todo lo que leìamos:

Lao Tsé, o cómo vivir en perfecta armonía con el universo. Por Filosofía&Co - 24 febrero, 2018 Lao Tsé establece las virtudes que hemos de tener para vivir conforme al Tao: piedad, magnanimidad, abnegación, honestidad, introspección, inactividad y enseñanza.Lao Tsé, Laozí o Laocio son tres maneras de nombrar al que es uno de los filósofos orientales más admirados, junto a Confucio y Buda. Vivió, en los siglos VI y V aC y su influencia es, todavía hoy, inmensa. Fundador del taoísmo y autor del Tao Te Ching, Lao Tsé es el padre de una filosofía eterna, que sigue hoy igual de vigente que cuando él vivía. El pensamiento oriental no puede entenderse sin las enseñanzas de este filósofo, unas guías inestimables para vivir la vida de acuerdo a la naturaleza y alcanzar la serenidad del alma.

1 El Tao. Traducido como “el camino” o “la vía”, el Tao es el orden innombrable, inmanente, del universo. La ley eterna que lo aglutina todo: lo vivo y lo inerte, lo real y lo místico, lo concreto y lo abstracto. La enseñanzas de Lao Tsé nos llevan a comprender el Tao y vivir conforme a él.

2 Causa y efecto. Todo lo que vemos es fruto de la dinámica causa-efecto. El universo y todo lo que en él existe –tanto si lo conocemos como si no– está sometido a la mutación y el cambio perpetuo que establece el Tao. No podemos ignorarlo, y sólo aceptándolo y viviendo conforme a sus reglas podemos vivir plenamente. El Tao es “el camino”, el orden del universo, que está sometido a un cambio continuo que hemos de aceptar

3 El yin y el yang. Son dos conceptos que representan la dualidad y el continuo cambio que gobierna el Tao. Todo concepto, pensamiento u objeto, tiene un complemento opuesto a él que existe, a su vez, en sí mismo y que es condición indispensable para definirlos a ambos: frío/calor, seco/húmedo, femenino/masculino, actividad/pasividad, etc. 4 Taijitu. Es la forma más conocida de representar el yin y el yang. El famoso círculo divido en dos mitades curvilíneas (blanca y negra) con un punto de su opuesto en el interior. Ha pasado de ser un icono meramente descriptivo de la filosofía taoísta a entrar en el pop art y aparecer en todo tipo de merchandising. 5 Tao Te Ching. Uno de los libros más famosos y antiguos de la historia, el Tao te Ching o El libro del Tao, es la obra en la que Lao Tsé explica el funcionamiento del Tao y la manera en que los hombres pueden adaptar su vida al mismo, para así vivir conforme a su naturaleza. Es también el libro más vendido y traducido de Oriente.6 Vida virtuosa. Lao Tsé establece una serie de virtudes que hemos de tener para vivir conforme al Tao, y entre ellas están: la piedad, la magnanimidad, la abnegación, la honestidad, la introspección, la inactividad y la enseñanza. También hay vicios que hemos de evitar, como por ejemplo: la violencia, la codicia, los prejuicios y la aceptación de convencionalismos, tabúes y normas sociales sin averiguar si están en consonancia con el Tao. 7 La no-acción. Un principio taoísta que nos recuerda a los estoicos griegos. Lao Tsé nos invita a aceptar lo que sucede a nuestro alrededor y a no intentar dominar el mundo. Este se rige por el Tao, que es perfecto, y está lejos de nuestro control. Si intentamos dominar el Tao, lo perderemos. El sabio prefiere la no-acción y permanece en silencio. Todo pasa a su alrededor como por sí mismo, no siente apego por nada, ni se apropia de nada (…) La persona sabia existe para el Tao y sirve únicamente al Tao 8 Libertad. Todo lo forzado es erróneo. El ser humano ha de vivir libre, sin ataduras. Sólo de esa manera podemos vivir en armonía con el Tao y alcanzar la plenitud. Aquello que nos cuesta, que no nace de la pasión, es erróneo, según Lao Tsé. El camino del Tao es fluido, fácil, porque está en consonancia con nuestra naturaleza. Si algo nos frena, es probable que debamos replantearnos nuestras premisas, puede que caminemos en la dirección equivocada… 9 Ausencia de dominio. Hemos de confiar en el Tao y dejar que siga su curso libremente. Somos nosotros los que hemos de adaptarnos a él y no al contrario. Quien pretende el dominio del mundo para mejorarlo se encamina al fracaso. El mundo, tan sagrado y vasto, no puede ser dominado. Quien trata de dominarlo lo empeora. Quien lo tiene lo pierde 10 Religión y espiritualidad. Aunque el taoísmo nació como una filosofía, no es de extrañar que su visión cosmológica, cargada de espiritualidad, acabara convirtiéndose en una religión (allá por el siglo III a. C.) A día de hoy, el taoísmo sigue siendo una de las principales religiones en Asia y es una forma de espiritualidad dominante en el mundo. En Occidente, en el siglo XX, ganó cada vez más adeptos, pues es una forma de metafísica que no está sujeta a dogmas o instituciones. Quien cree en la doctrina de Lao Tsé no rinde cuentas a nadie más que al Tao, ni acepta órdenes más allá de él. El taoísmo ofrece, así, una idea de religiosidad propia, individual, más cercana a la naturaleza que a los mesías de las sagradas escrituras. Estas son las principales enseñanzas de Lao Tsé, todas ellas contenidas en el Tao Te Ching, un libro poético, críptico, que lleva de moda más de 2.000 años. Una lectura inestimable que nos conecta con la parte más misteriosa de nuestra existencia. Conoced a Lao Tsé. Merece la pena.

La editorial Herder ha publicado una estupenda versión manga de “El libro del Tao” de Lao Tsé.

Por su parte estos eran los Superhéroes de los años 60 y 70

LAS ANTIGUAS PELICULAS DE SUPERHEROES

Los inicios de Marvel en los 60 fueron tan productivos, tan cargados de imaginación y creatividad que la década siguiente supuso el crecimiento inexorable de la editorial como si de un árbol se tratase, extendiendo y fortaleciendo sus ramas a la vez que crecían nuevas ramificaciones. Marvel había despertado la imaginación de los lectores y éstos demandaban más y más historias para leer. De hecho, el éxito marvelita iniciado en los 60 hizo que aparecieran una serie de autores inspirados por todo lo que la Casa de las Ideas producía: Steve Englehart, Marv Wolfman, Roy Thomas, Doug Moench, Chris Claremont, Jim Starlin, Steve Gerber y Don McGregor, por mencionar a algunos pesos pesados, fueron dignos herederos de lo que Jack Kirby y Stan Lee habían iniciado años antes. Gracias a buena parte de estos autores y muchos otros, Marvel Comics no sólo profundizó en el mundo de los superhéroes, sino que se adentró en otros géneros como el terror, las artes marciales, la ciencia ficción o la espada y la brujería, por mencionar algunos campos. Sin embargo, no todo fueron alegrías en Marvel. A comienzos de década Kirby, tras muchas disputas con la editorial por sus derechos laborales, decidió marcharse a la Distinguida Competencia. El Rey regresaría a Marvel en 1975 cargado de nuevas ideas, pero ya nada volvería a ser igual.

Si hay algo de lo que puede presumir Marvel es que sus cómics reflejan en gran medida el contexto histórico en el que se desarrollan. Un lector americano podía (y aun puede) ver cómo lo que sucedía en su país y en el mundo tenía, en mayor o menor medida y a nivel político, cultural o social, su correspondencia en las páginas de los diversos títulos Marvel.

No hay década en la que al menos se sucedan varios acontecimientos convulsos o de gran trascendencia y los 70 no fueron precisamente años tranquilos. La televisión se había introducido de lleno en los hogares americanos, lo que supuso una mayor y mejor información de la población. Sin embargo, esta innovación jugó en contra del gobierno americano, que por primera vez en su historia el pueblo veía por la televisión cómo regresaban sus hijos en féretros desde Vietnam, cómo se bombardeaba y arrasaba poblados de gente inocente y cómo abandonaban un país en mitad del desconcierto, poniendo en evidencia el poder tecnológico y económico de la primera potencia del mundo. Los ciudadanos no comprendían aquella guerra y menos aún la manera en la que terminaba (desde 1964 hasta 1975). Esto, unido a los escándalos de corrupción política como el caso Watergate (1972) que desembocó con la dimisión del presidente Nixon en el 74 y la crisis energética que afectó a Occidente buena parte de la década (¿a alguien le suena todo esto?) hicieron que la opinión pública norteamericana sobre los políticos se resintiera notablemente. Ante esta situación,la psicodelia, la música disco y las drogas como el LSD sirvieron para evadirse de un mundo que por momentos se compliaba. De este periodo de frustración surgieron superhéroes como Punisher, Nómada, Lobezno o el Caballero Luna, personajes con actitudes y comportamientos totalmente diferentes al que estaba acostumbrado el lector de cómics Marvel. El hecho de que hoy en día sean figuras de referencia en la editorial refleja en parte el éxito que tuvieron en su momento.

Otros acontecimientos importantes de la época fueron, por un lado, los asesinatos en las Olimpiadas de Munich de varios deportistas judíos y el tristemente famoso Bloody Sunday en Irlanda del Norte (1972), el nacimiento del primer niño probeta (1978), el estreno de Star Wars, todo un hito cinematográfico (1977). En España, por otro lado, regresaba la democracia tras la muerte del dictador Francisco Franco (1975). Pero para hacer un repaso de la producción marvelita durante la década de los 70, será mejor que vayamos año por año. Ahí vamos.

1970: El acontecimiento más importante de este año fue la marcha de Jack Kirby de Marvel a DC. El escritor y dibujante llevaba un tiempo luchando por mejoras laborales además de más libertad creativa y de mayores derechos sobre los personajes que había creado para Marvel. Cansado por la situación, no tuvo más remedio que abandonar la que había sido su casa desde sus comienzos como autor. Como despedida, Kirby dibujó el Fantastic Four #100, un colofón de lujo para alguien que había dado todo por la editorial que ahora lo dejaba marchar. En aquella historia los Cuatro Fantásticos se enfrentaban a toda una legión de androides que se hacían pasar por antiguos enemigos del grupo, todo ello ideado y creado por el Pensador Loco y el Amo de las Marionetas.También suspuso el final para una serie que años más tarde renacería como el fénix de entre sus cenizas. A pesar de la incorporación de autores como Roy Thomas y Neal Adams, X-Men echaba el cierre tras 66 números. Las bajas ventas obligaron a la editorial a prescindir de un título que había puesto en liza a superhéroes como Cíclope, el Hombre de Hielo, el Profesor Xavier, Jean Grey o el Ángel, entre otros. No obstante, esto no significó un “hasta siempre”, sino un “hasta pronto”. El género de Espada y Brujería se ponía de moda por aquella época, y Roy Thomas y John Buscema idearon la manera de introducir algunos de los elementos de ese mundo en los cómics Marvel. Así fue como introdujeron a Arkon en abril de este año (Avengers #75), el emperador del planeta Polemacus, que para salvarlo de la destrucción debía acabar con la Tierra y enfrentarse a los Vengadores. Por cierto, meses después, el propio Thomas junto con el artista Barry Windsor Smith se embarcaron en un proyecto relacionado con este género; Conan The Barbarian, una serie que fue todo un éxito y que alcanzó los 275 números. Con este nuevo título, Marvel ampliaba horizontes y reunía a nuevos lectores.En noviembre de este año, un nuevo drama asomaba a las páginas de la serie de The Amazing Spider-Man #90. El capitán George Stacy, el padre de la novia de Peter Parker, moría al intentar salvar a un niño de morir aplastado por los cascotes producidos en un enfretamiento entre Spiderman y el Doctor Octopus. El valeroso acto se cobró la vida de Stacy, que veía en Spiderman lo contrario que la mayoría de la gente, un héroe. Así, Peter Parker pedía una vez más y de forma violenta una figura paternal. El humor del trepamuros en contraposición con sucesos tan dramáticos, su eterna historia.En este año también aparecieron personajes como Agatha Harkness, Fuego Solar,Lobo Rojo y la Valkiria.

1971.

El año comenzaba con la aparición de unos nuevos personajes que no debían resultar muy desconocidos para los lectores de los Vengadores. En Avengers #85 debutaba elEscuadrón Supremo, cuando varios vengadores terminaron por error en la Tierra 712 (oh sí, Tierras alternativas en Marvel) tras un viaje interdimensional. Creados por Roy Thomas, los héroes de aquel planeta eran la copia marvelita de la Liga de la Justicia y la evolución benigna del Escuadrón Siniestro, que ya se había enfrentado a los Vengadores en 1969. A los ya conocidos Hiperión, Zumbador, Halcón Nocturno y Doctor Espectro había que añadir a Lady Alondra, Águila Americana, Ojo de Halcón (aunque con ballesta) y Pulgarcito. La confusión se adueñó de los héroes y ambos bandos se enfrascaron en el combate de rigor, pero poco después descubrieron que todo había sido una confusión y unieron fuerzas contra un enemigo que amenazaba la existencia de la Tierra 712, el Niño Cerebro.En mayo se publicó The Amazing Spider-Man #96, uno de los cómics más famosos de la época por el tema que trataba. Stan Lee había recibido la petición por parte del Departamento de Salud, Educación y Bienestar americano que escribiera una historia con un mensaje en contra de las drogas. Lee aceptó y creó una trama en tres entregas en la que Harry Osborn se volvía adicto al LSD. Sin embargo, el escritor sabía que el Comic Code Authorityno aprobaría un cómic en el que se mencionasen las drogas, pero optó por seguir adelante y finalmente Marvel publicó los tres cómics sin el famoso sello del CCA. La historia fue todo un éxito y a raíz de ello el órgano censor tuvo que revisar sus restricciones sobre los contenidos que podían aparecer en un cómic, permitiendo así una mayor libertad creativa.Los lectores de los Vengadores no podían imaginar que en aquel verano de 1971 daría comienzo una de las mayores epopeyas que jamás se habían contado en un cómic Marvel, la Guerra Kree-Skrull. El guionista Roy Thomas era quien se encargaba de las historias del grupo vengador y creía que era el momento de contar algo grande en su serie. Spiderman había tenido un gran momento con el “Capítulo Final”, mientras que los Cuatro Fantásticos habían conocido a los Inhumanos y se habían enfrentado a Galactus ¿No era la hora de que los Vengadores tuvieran sus páginas de gloria? Thomas ideó una trama que desarrolló durante nueve números en la que enfrentó a los guerreros kree contra los skrull en disputa por la hegemonía galáctica con la Tierra y nuestros héroes Vengadores de por medio. Y para hacerlo más grandilocuente, el escritor incluyó un sinfín de personajes: Ronan el Acusador, la Inteligencia Suprema, losInhumanos, el Capitán Marvel, Nick Furia y sus mandroides, Rick Jones e incluso los superhéroes que se habían popularizado en la Marvel primigenia de los años 40. Además, se incluía la célebre historia del Viaje al Centro del Androide, donde Hank Pym como el Hombre Hormiga se introducía en el cuerpo de La Visión para intentar salvarle la vida, un relato que todo fan vengador seguramente aun guarda en la retina de sus ojos. Todo ello dibujado por dos artistas de lujo como eran Sal Buscema y Neal Adams, que brindaron con su arte la espectacularidad que una saga como la Guerra Kree-Skrull merecía.Para terminar el año, el prolífico Roy Thomas parecía estar en estado gracia porque decidió juntar en un mismo grupo a los héroes más solitarios del Universo Marvel. Presentados originalmente en Marvel Feature, Namor, el Doctor Extraño y Hulkunían fuerzas bajo el nombre de los Defensores para enfrentarse a Yandroth, un enemigo del Hechicero Supremo que amenazaba con la destrucción de la Tierra. Desde aquel momento, los tres superhéroes acordaron reunirse siempre que el planeta necesitara ser defendido. Este año también fue el nacimiento de personajes como Namora, el Halcón, Doc Samson y el villano Morbius.

1972.

El hecho de que Stan Lee decidiera publicar la historia de Spiderman sobre las drogas hizo que se revisase el Comic Code. Creado en los años 50 a raíz de la preocupación por los contenidos de los cómics, el CCA necesitaba de una revisión completa de sus restricciones ahora que habían pasado dos décadas y la histeria de aquella época ya no existía. Esto supuso que las editoriales podían adentrarse de nuevo en el género del terror sin preocuparse por la censura, lo que impulsó a Marvel a publicar diversos títulos llenos de monstruos e historias sobrecogedoras.El primer título en aparecer relacionado con el terror fue Werewolf by Night enMarvel Spotlight #2, donde el joven Jack Russel contaba sus desventuras cada vez que la luna llena asomaba en el cielo. Aunque originalmente fue escrita y dibujada por Gerry Conway y Mike Ploog, poco después fueron sustituidos por Dough Moench y Don Perlin.El siguiente cómic en seguir los pasos del Hombre Lobo fue The Tomb of Dracula. Stan Lee estaba ansioso por publicar un tebeo sobre vampiros y el conde Drácula, así que de nuevo Roy Thomas junto con Gerry Conway lanzaban al mercado las aventuras del joven Frank Drake contra el siniestro conde Drácula. Sin embargo, el equipo creativo que dio fama a la serie fue el formado por Marv Wolfman, Gene Colan y el entintador Tom Palmer, que se incorporaron al título en el #7 y convirtieron Tomb of Dracula en un cómic de terror para adultos con desnudos incluidos. Dibujos, por cierto, que sufrieron la censura de la propia editorial en 2005 cuando la serie fue reeditada en tomos. La anécdota de este título tiene como protagonista a Gene Colan, que en el momento en el que supo que Marvel tenía intención de publicar un cómic sobre Drácula, se puso en contacto con Stan Lee para que le dejara dibujarla. El problema estaba en que Lee ya le había prometido ese trabajo a Bill Everet. Sin embargo, la cabezonería de Colan le llevó a encerrarse en su casa y dibujar un conde Drácula basado en el actor Jack Palance. Cuando se lo envió a Stan Lee, éste lo llamó y le dijo: Es tuyo.Agosto fue el mes elegido para que el tercer título de terror saliese a la venta. Ghost Rider era su nombre y en ella el escritor Gary Friedrich contaba las aventuras del acróbata motorista Johnny Blaze, que para salvar la vida de su enfermizo padrastro hacía un trato con Mefisto. Éste le salvó de la enfermedad, pero lo mató en un accidente de moto. Además, unió el alma de Blaze a la del demonio Zarathos, lo que le permitía convertirse en un motorista esquelético y demoníaco que podía lanzar fuego infernal. Desde entonces, Johnny Blaze utilizó su maldición para luchar contra aquellos que hacían el mal. Curiosamente el título de Ghost Rider no era original, su origen se remonta a 1949 y daba nombre a un personaje vaquero de Magazine Enterprises, creado por Ray Krank y Dick Ayers. La censura de la época acabó con el cómic, pero años más tarde Marvel aprovechó que la pantente del título no se había renovado y publicó un título con el mismo nombre que el de Magazine Enterprises, pero sin la ambientación terrorífica (Ghost Rider #1, 1967). Aunque la serie sólo aguantó siete números, fue suficiente para que el personaje quedara establecido en el universo Marvel e hiciera puntuales apariciones a lo largo de los 70. Ahora que había un nuevo Ghost Rider, el original debía cambiar de nombre y pasó a llamarse Phantom Rider.1972 fue un año productivo en lo que a series de carácter adulto se refiere, ya que tras el Motorista Fantasma, el siguiente título en aparecer fue The Man-Thing en octubre, la criatura que habitaba los everglades de Florida. Aunque su primera aparición fue enSavage Tales #1 (mayo 1971), el personaje no gozó de sus propias historias regulares hasta el #10 de Adventure Into Fear. Primero fueron relatos de 10 páginas, cinco números más tarde se ampliaron a 19, y a partir del #19 ya obtuvo su propia cabecera. Sus creadores fueron los habituales en esta época, Stan Lee y Roy Thomas, que ideó un argumento para que Gerry Conway lo desarrollase. Ahora el dato curioso. Como ya he mencionado, el Hombre Cosa debutó en mayo de 1971, hubo una segunda historia que iba a ser publicada en Savage Tales #2 escrita por Len Wein, pero no salió en su momento porque la serie fue cancelada. Poco después el escritor trabajó para DC y sorprendentemente creó Swamp Thing, que hizo su debut en House of Secrets#92 (junio-julio 1971). Podemos decir que dos personajes “hermanos” de diferentes editoriales vieron la luz el mismo año.Personajes como Luke Cage, Namorita, Shanna la Diablesa y Patsy Walker, figura recuperada de los años 40 y 50, aparecen en los cómics Marvel por primera vez durante 1972.

1973

Hoy en día aun se discute cual fue el suceso que propició el cambio de Edad dentro del mundo del cómic. Unos opinan que la marcha de Kirby de Marvel fue un punto de inflexión considerable, mientras que otros sostienen que la muerte de Gwen Stacy, la novia de Spiderman, fue un suceso tan dramático que supuso un antes y un después en la historia del cómic, el paso de la Edad de Plata del cómic americano a la de Bronce. En cualquier caso, sin duda este último acontecimiento fue un golpe de efecto apabullante en la serie de The Amazing Spider-Man.La idea de matar a la joven rubia fue de John Romita Sr., su intención era alterar el status-quo de la serie del trepamuros y de paso motivar las ventas. Creada en 1965 por Stan Lee y Steve Ditko, Gwendolyn “Gwen” Stacy se había ganado un hueco en el título y el corazón de Peter Parker. Años después, en The Amazing Spider-Man #121, Gerry Conway y Gil Kane sorprendieron aquel verano del 73 con el Duende Verde lanzando desde puente Brooklyn a la novia de Spiderman. Aunque éste evitó con su telaraña que su amada cayera al mar, no pudo hacer nada por salvar su vida ¿Le había roto el cuello al frenar la caída con la telaraña? ¿Había muerto del shock? Fuera como fuese, Peter Parker se sintió culpable de la muerte de Gwen. Sus sentimientos aun eran más dolorosos cuando comprobó con amargura que toda persona que mantenía lazos sentimentales con él corría serio peligro. En el Universo Marvel los desafíos y problemas a menudo eran resueltos por los héroes y tenían un final feliz, pero de vez en cuando el bien no siempre triunfaba y la tragedia alcanzaba incluso a los menos vulnerables. A pesar de este dramático acontecimiento, 1973 fue un año en el que se vieron muchas caras nuevas en las portadas de los cómics Marvel, un claro indicativo de que a la editorial las cosas le iban viento en popa. Primero fue el gladiador del futuroKillraven, que tuvo su debut en Amazing Adventures #18. Creado por Roy Thomas (y ya van…) y Neal Adams, se basaron en el clásico La Guerra de los Mundos de H.G. Wells para crear una Tierra apocalítica en la que los marcianos invadían por segunda vez la Tierra en el año 2001 y la conquistaban. Jonathan Raven era el líder de un grupo de rebeldes que luchaba contra los invasores bajo el nombre de los Hombres Libres. Curiosamente, este cómic tiene el honor de ser el primero a color en mostrar un beso interracial entre dos protagonistas. La serie original tuvo 39 entregas y duró hasta 1976.Aunque Pantera Negra no era un personaje novedoso debida a su frecuente presencia en los Cuatro Fantásticos y los Vengadores, sí lo fue que protagonizara su propio título. En septiembre de aquel año Don McGregor contaría en Jungle Action #6 una historia de T’Challa que se prolongaría durante 13 entregas y que para muchos es considerada la primera novela gráfica de Marvel. Allí se narraron las maniobras de diversos villanos para derrocar del poder al rey Pantera Negra y gobernar la nación de Wakanda con sus ricos recursos naturales, entre ellos el famoso metal vibranium. Esta serie no fue más que la confirmación en el medio del cómic del movimiento social creado por la comunidad afroamericana en la década de los 60 y que tuvo su desarrollo en el cine a comienzos de los 70, conocido como Blaxplotation. Marvel no fue ajena a ese auge de la cultura negra y fruto de ello fue la aparición en estos años de personajes como el Halcón, Luke Cage, Blade, Black Goliath y el creciente protagonismo de Pantera Negra. Pero las películas de protagonistas afroamericanos no fueron las únicas que llegaron a las salas, el cine de artes marciales también ganaba adeptos. Marvel aprovechaba toda innovación cultural para ofrecer un nuevo cómic, y las artes marciales era un tema muy suculento como para dejarlo escapar. Así apareció por primera vezShang-Chi, maestro del kung fu. Creado por Steve Englehart y Jim Starlin, nuestro protagonista era el hijo del célebre villano Fu Manchu, personaje ideado por Sax Rohmer (al que Marvel ya no puede mencionar en sus cómics por problemas de derechos) y del que se rebelaba. Debutó en Special Marvel Edition #15, pero en abril de 1974 la serie cambió de título a The Hands of Shang-Chi: Master of Kung Fu. Su éxito fue casi inmediato y su recorrido editorial se prolongó hasta 125 entregas (junio de 1983) con autores como Doug Moench y Paul Gulacy a los lápices.Este año fue el del nacimiento de Blade, Dragón Lunar, Mantis, Daimon Hellstrom, el Pato Howard, Mentor, Starfox y Thanos. Este último pronto se convertiría en uno de los villanos más importantes del Universo Marvel, con su apasionada historia de amor con la Muerte.

1974.

Como ya mencionaba al comienzo del artículo, la década de los 70 fue un periodo en el que surgieron los primeros anithéroes de Marvel. La percepción de la gente había cambiado, el mundo no era tan inocente como creía y había que reaccinar ante ello. Fruto de este desencanto fue la aparición de héroes que pasaban de los puños a las armas, como fueron Conan, Kull y Killraven, pero no fueron los únicos.

En marzo de este año el ex marine Frank Castle era presentado en The Amazing Spider-Man #130 como el mortífero Castigador. Aquel antihéroe no ocultaba su cara, utilizaba armas de fuego y llevaba en el pecho como símbolo de identidad una calavera humana, todo una declaración de intenciones. Motivado por la muerte de su familia a manos de la mafia, el Castigador había perdido toda confianza en los cuerpos de seguridad y la justicia de su país, así que él mismo se había embarcado en una cruzada personal contra el mundo del crimen, haciendo de juez, jurado y verdugo al mismo tiempo. En aquel cómic Frank Castle era engañado por el Chacal para que acabase con Spiderman, haciéndole creer que se trataba del mayor criminal de Nueva York. El Castigador fue todo un éxito entre los lectores y la presencia del personaje aumentó, uniéndose de vez en cuando al propio Spiderman o el Capitán América, pero sin que estos aceptaran sus métodos. No fue hasta los 80 que no tuvo su propia serie.

El siguiente antihéroe en aparecer fue Lobezno. En noviembre de 1973 daba sus primeros zarpazos en la serieThe Incredible Hulk #181, haciendo frente con sus novedosas garras al coloso esmeralda. Los creadores de la criatura fueron John Romita Sr., Len Wein y Herb Trimpe, que se habían puesto de acuerdo en crear un superhéroe relacionado con el peligroso glotón. No obstante, el concepto original del personaje no tenía mucho que ver con el que posteriormente desarrollaron Chris Claremont y John Byrne en la Patrulla-X. La primera intención de Len Wein era la de presentar a un joven mutante con los sentidos aumentados como los de un animal, muy ágil y que se valía de unas garras que acompañaban su traje. De su pasado el lector sólo pudo saber que era un agente que trabajaba para el gobierno canadiense, poco más. En 1975 Claremont y Dave Cockrum decidieron incluir el personaje en el relanzamiento de la Patrulla-X y enriquecieron el trasfondo de Logan. Lobezno era presentado como un incorregible cascarrabias al que pocos podían domar. Además, formaba parte de un programa de preparación de superhombres canadiense al que llamaban Arma-X. Sin embargo, el equipo creativo no estaba muy contento con el resultado del personaje y barajaron la posibilidad de hacerlo desaparecer de la Patrulla-X. Fue gracias a la llegada del artista John Byrne que se desestimó la idea, el dibujante no quería desprenderse del único personaje canadiense (él lo es) que había en la serie y luchó para que se quedara. Lobezno ganó en trasfondo y madurez, aunque nunca se desprendió de su estilo sanguinario y poco a poco el lector fue descubriendo que aquel tipo de patillas pronunciadas guardaba más historias de las que uno podía suponer; un esqueleto de adamantium, factor de curación rápido, un origen muy lejano… Tal vez estemos ante el personaje con mayor retrocontinuidad de Marvel y uno de los más amados dentro del fandom. Por cierto, para los más despistados, la traducción literal de Wolverine, como ya sabréis muchos, es glotón. Alguien con ingenio quiso traducirlo al español como Lobezno. Y alguien que no ha leído un cómic Marvel en su vida lo tradujo como Carcayú en la película Clerks (1994) de Kevin Smith.

El último rebelde en aparecer aquel prolífico no fue un personaje totalmente nuevo, más bien era un viejo conocido, el Capitán América. A comienzos de año había dado comienzo la trama delImperio Secreto en Captain America and the Falcon #169, donde Steve Rogers investigaba una conspiración gubernamental para incriminarlo en delitos que él no había cometido. Finalmente, en diciembre de 1974 el Capi descubría que quien lideraba el Imperio Secreto no era otro que el mismísimo presidente de los EEUU, que por último acababa con su vida suicidándose. Aquel suceso produjo un fuerte desencanto y malestar en Steve Rogers, que arrepentido de los valores que él creía defender, cambió de identidad y se dispuso a luchar contra el crimen bajo el nombre de Nómada, un hombre sin país. Esta historia fue la versión marvelita del caso Watergate, suceso que dejó en entredicho la popularidad y confianza del presidente Nixon y que finalmente supuso su dimisión. Por primera vez en la historia de EEUU un presidente dimitía.

Otras creaciones que aparecieron en los cómics Marvel siguiendo la moda del momento fueron Puño de Hierro y Deathlok. El primero seguía la estela de Shang-Chi, el artista marcial que había empezado su andadura con éxito el año anterior, aunque en este caso Roy Thomas y Gil Kane quisieron crear un personaje más relacionado con los superhéroes. Danny Rand era un joven que acompañaba a su familia por Asia en busca de la ciudad mística de K’un-L’un. Muertos sus padres, Danny fue rescatado por los habitantes de la ciudad que tanto buscaba y se convirtió en un artista marcial supremo. Tras conseguir el don del Puño de Hierro al derrotarShou-Lao, el Dragón Inmortal, el nuevo héroe regresaba a Nueva York para combatir el crimen con sus nuevas habilidades. Su primera aparición se produjo enMarvel Premier #15, pero números más tarde consiguió su propio título homónimo que duró 15 entregas (noviembre del 75 hasta septiembre del 77) contando con el espectacular tándem Claremont-Byrne, todo un tesoro de colección.

El segundo caso, Deathlok, fue el resultado de combinar un héroe afroamericano medio cibernético con un fuerte arsenal en un futuro alternativo con tintes apocalípticos. Creado por Rich Buckler y Doug Moench, el coronel Luther Manningera reanimado como Deathlok tras ser herido de muerte en Astonishing Tales #25. Ya lo definían Megadeth años después: Parte biónico y orgánico, no es un ciborg, llámalo Psychotron.

Si todo esto no fue suficiente para los fans de Marvel, durante aquel año también pudieron disfrutar por primera vez de Tigra, el Samurai de Plata y la Madonna Celestial, que no era otra que la misteriosa Mantis.

1975.

Este año será recordado principalmente por el regreso de uno de los grupos de superhéroes más emblemáticos de la Casa de las Ideas, la Patrulla-X. Roy Thomas aun tenía la espina clavada de que una serie en la que había puesto tanto empeño no remontase el vuelo cuando él se hizo cargo de ella. El que ahora era jefe creativo de Marvel sabía que había un buen grupo de fans esperando la vuelta de los mutantes, pero si la Patrulla-X quería tener éxito debía revisar algunos de sus conceptos. La decision más drástica fue cambiar casi por completo el plantel de protagonistas, lo que se daría a conocer como Segunda Génesis. El equipo creativo original lo conformaron Len Wein y Dave Cockrum y en mayo de 1975 en el Giant Size X-Men#1 presentaron al grupo de superhéroes más internacional jamás visto: El ya conocido Lobezno del Canadá, Coloso de la Rusia comunista, Rondador Nocturnode Alemania, Tormenta de Egipto (aunque luego descubriríamos que había nacido en Nueva York), Banshee de Irlanda, el nativo americano Ave de Trueno y el japonésFuego Solar. Aunque durante los primeros números convivieron los dos grupos de mutantes, los antiguos estudiantes de Charles Xavier y los recién llegados, todo quedó establecido para que fueran los nuevos reclutas los verdaderos protagonistas de la remozada Patrulla-X bajo el liderazgo de Cíclope, el único veterano del grupo. Muchos de los fans de la Patrulla original se sintieron defraudados por esta decisión editorial, y sólo pudieron conformarse con la eventual aparición de algunos de los viejos estudiantes y la frecuente presencia de Jean Grey, que a la postre daría pie a una de las más apasionantes historias del Universo Marvel, la Fénix Oscura. Sólo la llegada posterior de Chris Claremont y John Byrne hizo que muchos cambiaran de idea y pensaran que, después de todo, aquella serie no estaba mal… ¡Más bien era una pasada! Fue gracias a este título y estos autores que el mundo mutante es lo que es hoy, una parte indispensable y primordial del Universo Marvel.

Mientras, en los Vengadores Steve Englehart desarrollaba uno de los acontecimientos siginificativos dentro de la historia del grupo. El final de la trama de la Madonna Celestial terminaba con dos bodas. En la primera se casaban la extraña Mantis, quien se había revelado como la Madonna Celestial y que se convertiría en la madre del ser más importante de todo el cosmos, con el Espadachín. Mientras que en la segunda contraía matrimonio la Bruja Escarlata con el sintezoide Visión, una historia de amor que terminaba con final feliz a pesar de las reticencias de Mercurio, el hermano gemelo de Wanda Maximoff, que rechazaba por completo a un androide como cuñado. Sendos matrimonios fueron toda una declaración de intenciones por parte de Marvel en contra de los prejucios morales; Mantis era vietnamita, una nacionalidad muy controvertida para la época, en pleno fin de la guerra del Vietnam, mientras que la Visión… bueno, la Visión era toda una amalgama de lo antinatural (un robot de cara roja que anhelaba ser humano). Por cierto, para oficiar la ceremonia allí estaba Inmortus, la versión futura de Kang el Conquistador ¡Qué tiempos!

En junio Marvel quiso recuperar parte de la esencia de los cómics de los años 40 y comenzó a publicar los Invasores, el grupo de superhéroes compuesto por el Capitán América, Bucky, la Antorcha Humana original, su compañero Toro, Namor, Sptifire y Union Jack que junto con otros superhéroes hicieron frente al Eje durante la II Guerra Mundial.

Otro grupo que tuvo sus inicios en este año fue Los Campeones. El escritor Tony Isabella tenía en mente crear un supergrupo con algunos de los componentes de la antigua Patrulla-X que no estaban teniendo protagonismo en la relanzada serie de los mutantes, como eran el Hombre de Hielo, el Ángel e incorporar a Goliath Negro. Sin embargo, el hombre gigante no estaba disponible y el editor Len Wein le pidió a Isabella que replantease la formación e incorporara tres miembros más. Finalmente el grupo quedó establecido con los dos mutantes, dos vengadores inactivos como eran la Viuda Negra y Hércules y un solitario como el Motorista Fantasma. El éxito de la serie no fue muy continuado ya que sólo tuvo 17 entregas en las que finalmente también tuvieron protagonismo la heroína rusa Darkstar y Goliath Negro.

1975 fue el año en el que los fans marvelitas pudieron ver por primera vez aMadrox, el Hombre Múltiple, cómo Namor y el Doctor Muerte iniciaban sus frecuentes colaboraciones en el Giant-Size Super-Villain Team-up #1 o cómo enWerewolf by Night #32 se daba a conocer al Puño Vengador de Konshu, el Caballero Luna.

1976.

Este fue el año en el que se conmemoraba el segundo centenario de la Declaración de la Independencia de EEUU y la editorial Marvel consideró celebrarlo incluyendo más tramas políticas en las historias de sus cómics. Así se pudo ver como el Pato Howard se presentaba en su propio cómic a la presidencia del país, o cómo elDoctor Extraño realizaba un viaje temporal para conocer al mismísimo Benjamin Franklin, uno de los padres fundadores de los EEUU.

Pero seguramente el hecho más importante dentro de la editorial fue el regreso Jack Kirby. Tras un periodo de cinco años trabajando para DC, el Rey regresaba la que siempre había sido su casa y de la que nunca debió marcharse. Stan Lee se encargó de anunciarlo en la Marvelcon que se celebró en la primavera de aquel año para regocijo de los aficionados marvelitas. El regreso se debeía en buena parte a la mejora de las condiciones laborales de Kirby, que desde aquel año se hacía cargo de la edición y el guión de sus historias junto con el argumento y el dibujo.

El Rey no perdió el tiempo e inmediatamente llevó a cabo una idea que ya había tenido sus frutos en DC, los Eternos. Su propuesta era crear una serie de personajes más cercanos a los dioses que a los humanos. Esos seres divinos eran los Celestiales, que visitaron la Tierra hace un millón de años y relizaron experimientos genéticos en algunas tribus de homo erectus, dando como resultado dos nuevas razas: los Desviantes y los Eternos. Estos últimos eran una versión mejorada de los humanos: creados para proteger a la Tierra de futuras amenazas, eran seres inmortales que no enfermaban, difíciles de herir, inmunes a los climas extremos y con una gran diversidad de poderes. Mientras que los Desviantes eran los experimentos fallidos de los Celestiales. Seres inestables con ciertas habilidades cuyo único objetivo era destruir sus contrapartidas “perfectas”. Mientras que los Desviantes habitaron las ruinas acuáticas de la Atlántida, los Eternos se asentaron en el monte Olimpo, estableciendo así una metáfora del infierno y el cielo, respectivamente. La serie duró 19 números mas un Anual y aunque sus historias no se desarrollaban en el Universo Marvel estándar, tiempo después Roy Thomas y Mark Gruenwald se encargaron en la serie de Thor de intergrar a los Eternos en la Tierra-616.

En Marvel tenían la clara intención de presentar un nuevo héroe adolescente en la misma línea que Spiderman, pero con implicaciones más cósmicas, su nombre seríaNova. Aunque originalmente fue creado por Marv Wolfman y Len Wein en 1966 para la serie Super Adventures, años después John Romita Sr. modificó su traje y por fin, en septiembre de 1976, fue presentado en su propia serie con el título The Man Called Nova #1. Richard Rider era un estudiante neoyorquino que por casualidad había sido elegido por el moribundo Rhomann Dey, el último Centurión del cuerpo intergaláctico Nova, para heredar su poder y evitar la destrucción del planeta Xandar de manos del pirata espacial Zorr. Uno de los atractivos de la serie era ver como el adolescente Rider se hacía con el traje y el yelmo Nova e intentaba controlar y manejar los poderes recién adquiridos.

1976 también fue el año para que Patsy Walker, tras décadas deambulando por diferentes series Marvel, definitivamente se enfundara un disfraz y se dedicara a repartir justicia como la Gata Infernal en Avengers #144. También fue el momento que los Guardianes de la Galaxia tuvieran su propia serie bajo el título de Marvel Presents #3 con el equipo creativo de Steve Gerber y Al Milgrom. En DaredevilBullseye empezaba a dar guerra y Jack la Sota de Corazones comenzaba su carrera superheroica en The Deadly Hands of Kung Fu #22. Jean Grey se metamorfoseaba en Fénix, Hulk perdía a su amada Jarella y la fama de Spiderman aumentaba con un tercer título, Peter Parker, The Spectacular Spider-Man.

1977.

Marvel había ampliado considerablemente la cantidad de títulos de diferentes géneros y su intención era seguir en esa dinámica. A partir de este año la editorial firmó una serie de acuerdos que le permitieron publicar cómics relacionados con películas, grupos de rock e incluso juguetes. De hecho, Kirby ya se había adelantado a esta creciente ola y en diciembre de 1976 se programó en diez entregas la adaptación en cómic de la película de Stanley Kubrik 2001: Una Odisea en el Espacio.

En agosto salió a la venta Godzilla, el cómic basado en el famoso monstruo del cine nipón. Con guiones de Doug Moench y dibujos de Herb Trimpe, Godzilla atravesó los EEUU enfrentándose a Nick Furia y SHIELD, el Dinosaurio Diabólico y otros héroes Marvel. También se empezó a publicar el cómic de Star Wars, semanas antes de que se estrenase la película. Sus lectores tuvieron el privilegio de ir a las salas de cine sabiendo lo que se iban a encontrar en la gran pantalla. La primera película fue adaptada en seis entregas y la serie no dejó de publicarse hasta 1986.

La última adaptación del año fue para el grupo de rock KISS. Bajo el título Marvel Super Special #1, la fama de la banda en aquella época era desbordante y Marvel vio en KISS un filón de oro. En aquel cómic Paul Stanley y los suyos se enfrentaban aMefisto y el Doctor Muerte ayudados por los Vengadores, Defensores, los 4 Fantásticos y Spiderman. La flor y nata del Universo Marvel, vamos. El cómic fue un gran éxito y es objeto de coleccionismo, tal vez el hecho de que se utilizara sangre de los integrantes del grupo para dibujarlo tenga mucho que ver.

Aquel año también fue uno de reinvindicación femenina dentro de Marvel. Por un lado, Spitfire debutaba en The Invaders #12, una superheroína que había conseguido sus poderes al recibir una transfusión de sangre de la Antorcha Humana original [sic] tras haber sido mordida por el vampírico Barón Sangre. Por otro lado, otras dos chicas buscaban su hueco en el mercado editorial de superhéroes. Primero fue Ms. Marvel, que tras recibir las radiaciones del dispositivo kree psicomagnetrón, obtenía superpoderes y de paso una serie propia. La segunda fue Spiderwoman. Parecía que con la fama de Spiderman tarde o temprano aparecería una mujer araña y era mejor que tuviera sus orígenes en la Casa de las Ideas antes que en otra editorial. Aunque Jessica Drew ha tenido distintos orígenes a cada cual más rocambolesco, las historias de Spiderwoman estaban más relacionadas con los espías y las tramas oscuras, donde hizo de agente de HYDRA y se enfrentó a SHIELD. Su primera aparición se produjo en Marvel Spotlight #32 de manos de Archie Goodwin, Sal Buscema y Jim Mooney, y en 1978 obtuvo su propio título cuyo periplo duró 50 números.

Personajes como el Hombre 3D, Arnim Zola y Dientes de Sable hicieron su primera aparición este año, pero muchos recordarán mejor la fabulosa adaptación que hicieron Chris Claremont y Dave Cockrum en la Patrulla-X de la Legión de Superhéroes de DC con el nombre de la Guardia Imperial. En ese mismo cómic,X-Men #107, también fueron presentados los Saqueadores Estelares, cuyo líder,Corsario, resultaba ser el padre de Cíclope. Un mes más tarde John Byrne tomaría el relevo de Cockrum en esa serie y entonces la Patrulla-X rozaría la exquisitez. Fuera del cómic, la cadena televisiva CBS emitía dos películas sobre el Increíble Hulk que fueron protagonizadas por Bill Bixby en el papel de David Banner (nada de Bruce) y por el mítico Lou Ferrigno como La Masa (en aquella época molaba más ese nombre). Ambos telefilmes fueron de tal éxito que la cadena preparó una serie semanal que se prolongó durante cinco temporadas, hasta 1982.

1978.

Jack Kirby había regresado a Marvel en mejores condiciones que las que había tenido antes de irse. Sin embargo, el prolífico autor seguía descontento con su situación y el trato que recibía. Viendo que la compañía no le ofrecía cobertura médica, entre otras mejoras laborales, el Rey abandonó Marvel definitivamente para dedicarse al campo de la animación. En aquellos tres años Kirby había trabajado en Captain America and The Falcon, Black Panther, creó a los Eternos y todo su universo propio, a Devil Dinosaur y escribió la adaptación en cómic de 2001: A Space Odyssey. A finales de año daría su último adios y jamás sabremos qué otras maravillas pudo haber creado una mente como la suya si alguien dentro de Marvel hubiese pensado mejor en todo lo bueno que Kirby había hecho por la editorial. El artista luego recaló en Pacific Comics y también trabajó en algunas series de animación, una de ellas sobre los 4 Fantásticos. Por cierto ¿Sabías que la serie de dibujos animados Turbo Teen fue creación suya?

Una de las consecuencias de la adaptación de2001: Una Odisea en el Espacio fue la aparición del Hombre Máquina en el #8 de la serie. Originalmente llamado Mr. Machine, Kirby tenía claro que aquel personaje debía tener su serie propia, para él la cibernética era el destino final de nuestra especie y que en nuestro futuro las máquinas harían todo por nosotros. En abril del 78 el Hombre Máquina tuvo su propia serie. Su nombre original era X-51, número que indicaba la cantidad de pruebas que el ejército había hecho para crear un robot casi perfecto. El responsable del proyecto, el doctor Abel Stack, se encariñó con X-51 y se lo llevó a su casa para perfeccionalo y tratarlo como si fuera su propio hijo. Sin embargo, todos los robots tenían un dispositivo remoto de destrucción en el caso de que salieran defectuosos, y el doctor Stack murió al retirar el de X-51. Desde aquel momento el Hombre Máquina, que cambió su nombre a Aaron Stack, huyó e intentó integrarse entre los humanos para evitar que el ejército lo atrapara. La serie duró 19 números, pero Kirby se fue en el #9. El guionista Marv Wolfman y el artista Steve Ditko la retomaron nueve meses después.

Aquel 1977 también fue el año en el que se dio a conocer el Arma Alfa en X-Men #109, uno de los superhéroes entrenados por el gobierno canadiense. Guardián, como sería conocido más tarde, viajaba a los EEUU para traer de vuelta a Lobezno, fuera como fuera. En aquel cómic los lectores vieron un anticipo de lo que años más tarde se convertiría en uno de los grupos más emblemáticos de los años 80: Alpha Flight.

En noviembre se daría por concluida una de las historias más épicas dentro del título de los Vengadores, la Saga de Korvac. Jim Shooter y George Pérez fueron los autores de una trama que terminaba enfrentando a los Héroes Más Poderosos de la Tierra y los Guardianes de la Galaxia contra Michael Korvac, un ser que imbuido con un poder similar al de Galactus, deseaba crear una utopía a su gusto. Huyendo de los Guardianes de la Galaxia, Korvac se escondía en un apartamento de Nueva York disfrazado de un apacible humano acompañado de su amada Carina, la hija delColeccionista. Imagínate ahora un autobús lleno de superhéroes visitando la zona residencial de Michael Korvac y pidiéndole que abandone sus macabros planes. El combate fue de tales consecuencias que muy pocos héroes sobrevivieron. Sólo cuando Korvac vio que Carina había muerto, en un acto de desesperación se suicidó no sin antes revivir a todos aquellos que había matado.

Halcón Estelar buscándole las cosquillas a Michael Korvac

1978 fue el año en el que Quasar, Devil Dinosaur, Piedra Lunar (Karla Sofen) yMística aparecieron por primera vez en un cómic Marvel.

1979.

Este año también fue clave en la publicación de series relacionadas con productos ajenos a Marvel. Debido a los acuerdos firmados con diferentes marcas de juguetes, la editorial podía publicar cómics de ciertos productos en un intento de ampliar mercado y que las compañías implicadas pudieran salir beneficiadas de las campañas de publicidad.

A comienzos de año salió a la venta Micronauts, serie basada en los juguetes de la empresa japonesa Takara, donde el comandante Arcturus Rann lideraba un grupo de luchadores en pos de la libertad y en contra de la opresión del dictador barónKarza. La creación de este título se debe en gran medida a la coincidencia y a la insistencia del escritor Bill Mantlo. En las navidades de 1977 el hijo de Mantlo había recibido como regalo varias figuras de acción de los Micronautas. Cuando el escritor vio los juguetes pronto se vio invadido por ideas para crear un cómic sobre aquellos personajes. Inmediatamente habló con el editor en jefe de por aquel entonces, Jim Shooter, para convencerlo de que adquiriera la licencia de los juguetes para publicar el cómic. En enero de 1979 salió el primer número con Bill Mantlo como escritor y Michael Golden, Howard Chaykin y Gil Kane como artistas, entre otros, y duró 59 entregas hasta agosto de 1984.

El otro juguete con licencia para cómics fue el robot ROM. La empresa de juegos de mesa Parker se adentraba en el mundo de los juguetes articulados y quiso lanzar una importante campaña de publicidad que incluía la publicación de un cómic. Marvel fue la encargada de esa tarea y puso a Bill Mantlo, familiarizado ya con los cómics sobre juguetes, y a Sal Buscema al frente de aquel proyecto. Curiosamente, el juguete no se vendió muy bien, rozando las 300.000 unidades vendidas (los creadores del robot le echaron la culpa al mal embalaje) pero el cómic, por el contrario, fue todo un éxito de ventas. Su serie alcanzó las 75 entregas y cuatro anuales. En aquellos cómics se contaban las historias de ROM, el Caballero del Espacio embutido en una armadura cibernética que junto con el resto de caballeros del planeta Galador se enfrentaban a los Dire Wraiths, ya fuera en su territorio o en la Tierra. Las historias de ROM tenían lugar en el Universo Marvel y era frecuente verlo cruzarse con héroes como la Patrulla-X, Luke Cage y Puño de Hierro, la Sota de Corazones, La Cosa, Nova y muchos otros. Lamentablemente, ni ROM ni los Micronautas podrán tener protagonismo de nuevo en una serie Marvel (aunque no todos, ahí tenemos a Bicho, creación de la editorial, con los Guardianes de la Galaxia). Los derechos de explotación de estos personajes pertenecen a las compañías de juguetes correspondientes y ni si quiera podremos ver una reedición de ese material tan interesante.

En otro orden de cosas, 1979 fue el año para que Justin Hammer, la Gata Negra,Terrax y Aquarian se dieran a conocer por primera vez. Pero si hubo una aparición que cierto justiciero ciego agradecería de por vida fue la de un tal Frank Miller, que en Daredevil #158 se hacía cargo, en principio, de los lápices, pero que sólo sería la antesala de la que sin duda es una de las mejores etapas del cómic Marvel y que incluye una de las mejores historias jamás publicada en la Casa de las Ideas, me refiero a Born Again.

La década de los 80’ es conocida por haber sido una época en la que miles de niños vibraron con una cantidad importante de superhéroes animados que hasta el día de hoy son recordados con nostalgia.

Pero cómo habría sido si esos dibujos animados hubieran tenido años en los que la palabra “apogeo” estuvo lejos de su realidad.

Bueno es precisamente ese el trabajo que realizó el artista Steve Cutts, quien realizó un corto en el que mediante la ficción mostró un futuro desalentador de los dibujos animados que brillaron en los años 80’.

Debo aclarar que en esta dècada y la siguiente me dediquè a criar a mis hijos, trabajar y llevar mi vida en pos de aquellos ideales de los 60/ 70 recordados por las protestas de Mayo del 68 que vièndolas a la luz del presente, 2018, eran abstractas y muy ambiciosas: los enemigos eran la sociedad de consumo, la acumulación, la burocracia, los medios de comunicación, el aburrimiento, las convenciones… ¿Qué partido era capaz de hacerse cargo de esas reivindicaciones? Tras un destello en el que algo de aquello pareció atisbarse, lo imposible siguió siendo imposible.El espíritu de Mayo del 68 se ha hecho tan familiar, tan común (en el buen sentido y en el malo también), que parece que ya lo supiéramos todo de él. No es así. Es preciso tomar la distancia que da el tiempo, los 50 años que han pasado, y hacer el esfuerzo de intentar comprender lo que pasó y por qué. Pero este no es el espacio para estudiarlas, solo me queda decir que vivi creyendo que todo podia ser bueno, progreso, amistad, sinceridad, esperanza, fe, y temìa que ese estado de confort se saliera de su cauce, por lo que hice lo indecible aun a costa de mi salud, para que mis hijos tuvieran una vida excelente, y dentro de principios èticos y morales, asistì a grupos de buscadores espirituales como he ido narrando en anteriores entradas, tanto que en 1989 creì que habìamos evitado el peligro, la toma de consciencia se habia dado, con el ejemplo de Tiannamen en China, la caìda del Muro de Berlìn en Alemania, y mi bùsqueda espiritual se sostenìa sobre bases muy fuertes, sin darme cuenta que no habìa hecho un trabajo de desapego, sino que habia creado màs apego a creencias, valores y principios, estructuras sòlidas, que per se, no iban a cambiar el mundo ni a la humanidad, venìa lo màs duro...la caìda de Venezuela en manos del comunismo y el descubrimiento de la maldad, la doble moral, la burla a la identidad venezolana que en mi grupo valenciano solo veia en mi familia, en algunos amigos y en escritores y poetas que ya han muerto, no entendìa que el entorno estaba viciado por la inmoralidad, la acumulaciòn de $$$ fuera del paìs, la corrupciòn y la mentira, y en otros, la supuesta bùsqueda de los ideales, los habìa transformado en monstruos llenos de resentimiento y egoismo, que se manifestaron en el Caracazo en 1989 y en el golpe de estado de Hugo Chàvez Frìas, el 4 de febrero de 1992.

Se hizo realidad esta màxima de Albert Einstein mientras mis hijos crecìan rodeados de grandes sagas estelares de pelìculas, Superhéroes, guerreros y defensores del universo, algunas de las caricaturas populares de los 80 y 90 transmitidas por canales locales y que formaron parte de la niñez de varias generaciones de venezolanos.Muchos recordarán a Los Felinos Cósmicos, Halcones Galácticos, Ulises 31, He-Man, She-Ra y la Fuerza G, entre otros dibujos animados de esas décadas

Mientras tanto yo creìa detener el mal desde la Abadìa Benedictina "San Josè" en Guigue (Edo. Carabobo, pues al fin habia encontrado la tan buscada contemplaciòn cristiana, que llenaba mi deseo de unidad de mi corazòn, mente y alma con la divinidad, a travès de mis elementos culturales occidentales. Estaba a un paso de darme cuenta de forma brutal que la vida personal de Kung Fu era la de David Carradine y èste tuvo una vida personal muy turbulenta, con cinco matrimonios y bastantes arrestos por alcohol y drogas, hasta finalizar sus días en un hotel de Bangkok en 2009 , donde fue encontrado muerto realizando un ejercicio de asfixia autoeròtica

a la que era muy aficionado. ¿Serà ese idealismo mio una condiciòn propia de una pràctica onanista que me impedìa ver la realidad o me considerè He Man siempre? Con razòn sentì pànico ante pelìculas como El huevo de la serpiente (título original: Das Schlangenei/ Ormens ägg) dirigida por Ingmar Bergman en 1977 y ambientada en el Berlín de los años 20 con el mismo David Carradine, "el pequeño saltamontes"

Cuando lei El jardín de los Finzi-Contini novela de Giorgio Bassani de 1962. Sobre dicha novela se ha basado la película homónima dirigida por Vittorio De Sica.(Il giardino dei Finzi-Contini) película italiana del año 1970 que contó con la actuación de Lino Capolicchio, Dominique Sanda y Helmut Berger, fue premiada con el Oso de Oro en el Festival de Berlín de 1971,​ el Premio David de Donatello a la mejor película el mismo año y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1972, habiendo sido también candidata al Óscar al mejor guion adaptado. El guion fílmico se centra en los años de la Segunda Guerra Mundial,

aprovechando la anécdota argumental de un amor juvenil frustrado para señalar el clima de pasividad y sumisión con que las familias judías acomodadas de Italia afrontaron el fascismo y la creciente persecución racial, en la medida en que, ligadas a los valores liberal-conservadores de la era prefascista y conscientes de sus privilegios de clase, sencillamente no podían creer que fueran a ser perseguidas en su propio país por la sola razón de un credo o un origen racial diferentes.Viendo ala hermosa Dominique Sanda que no entendìa lo que pasaba a su alrededor, encerada en la hermosa burbuja de su hogar, y por què se iba quedando sola, ya que siendo judia nadie podia visitarla en plena persecuciòn de judios, que ella ni pendiente sabìa hasta que no la sacaron de su casa directamente a la deportaciòn a un campo de concentraciòn entre un gentìo y en un tren maloliente y feo...La familia Finzi-Contini, intelectual y refinada, es también una de las más ricas y aristocráticas de la comunidad judía de Ferrara. Viven retraídos en una lujosa mansión, rodeada por un inmenso jardín. A partir de 1938, cuando en aplicación de las leyes raciales fascistas se prohíbe el acceso de los "no-arios" a los clubes deportivos de la ciudad, Alberto y Micòl, los hijos veinteañeros de la familia, invitan a jugar al tenis en su casa a otros jóvenes judíos menos adinerados. Entre ellos se encuentra Giorgio, que fue amigo de infancia de Micòl y que se enamora perdidamente de ella, que a su vez parece dispuesta a que entablen una relación. Sin embargo, Giorgio deja pasar la ocasión de declararse y Micòl marcha bruscamente a Venecia para finalizar su tesina de licenciatura. A su retorno, cuando Giorgio confiesa por fin su amor, Micòl le rechaza, sin revelarle el verdadero motivo: que entretanto ha comenzado una relación con Giampiero Malnate, un joven comunista, amigo de su hermano Alberto y también de Giorgio (en la novela esta relación está solo sugerida, o más bien sospechada por el protagonista). Cuando descubre la verdad, Giorgio se siente doblemente traicionado: en su amistad y en su amor.Todo este episodio triangular relativamente corriente se ve envuelto en las dramáticas vicisitudes históricas. La persecución racial se hará más y más opresiva según avanza la Segunda Guerra Mundial. Todos los jóvenes judíos que frecuentaban el jardín de los Finzi-Contini serán arrestados en 1943, salvo Giampiero

Malnate, muerto en la campaña de Rusia, y el propio Alberto Finzi-Contini, muerto de enfermedad y sepultado en el ostentoso panteón familiar. El epílogo trágico de la deportación de Micòl y de toda la familia Finzi-Contini acaba por derribar sus ilusiones de aislamiento y por nivelar sus diferencias de clase con el resto de la comunidad judía de la ciudad, al someterlos a todos al destino común de la muerte en un campo de concentración en Alemania. Cuando los judíos son conducidos a una escuela próxima al Castillo de los Este como etapa previa a la deportación, Micòl y su abuela, separadas del resto de la familia, se encuentran con el padre de Giorgio, que las toma a su cuidado y les comunica su esperanza de que su hijo y el resto de su familia hayan podido huir al extranjero. La pantalla muestra entonces imágenes retrospectivas de los días felices de los partidos de tenis y la pista ahora vacía, acompañadas en la banda sonora de las notas de un lamento fúnebre judío.

Como Micol creìa que nada de ese horror iba apasar en Venezuela, menos aun en mi familia, pues yo me habia encargadao de luchar espiritualmente por ella...Ya que eran lo ùnico que tenìa y los màs preciado...Admiraba a Liliana Cavani (Carpi, Módena, Italia, 12 de enero de 1933) que se habia acercado al mal y su victoria sobre el bien, como guionista y directora de cine italiana, que estudió literatura y se diplomó en el Centro Experimental de Cinematografía; sus películas más emblemáticas son El portero de noche y Más allá del bien y el mal, film sobre la vida de Nietzsche y Lou Andrea Salomè. .Realizó dos trabajos sobre la vida de San Francisco de Asís: la miniserieFrancesco d'Assisi (1966), y el largometraje Francesco (1989) con Mickey Rourke.Se dedica también a la dirección de óperas, destacándose La Traviata de Verdi dirigida por Riccardo Muti en La Scala, Cavalleria Rusticana de Mascagni y Manon Lescaut de Puccini entre otras. Si actualmente le pregunto a alguien quièn fue la cineasta italiana Liliana Cavani creo que me mirarà como un bicho raro, ya que es en la actualidad otra integrante del enorme grupo de ‘olvidados’ o ‘marginados’ de la cinematografía mundial, no ya sólo por el público, que también, sino por la crítica y los estudiosos, como mi posiciòn ante la vida y mi incapacidad para admitir lo rudo y ordinario. Las últimas crónicas o informaciones, la última atención prestada a las obras de esta personalísima directora se remontan al estreno de la sugerente pero irregular El juego de Ripley, de 2002, en la que da continuidad al intento de saga cinematográfica acerca del célebre personaje creado por la pluma de Patricia Highsmith y que se recuperó a finales de los noventa con El talento de Mr. Ripley, dirigida por Anthony Minghella. Desde entonces, el silencio y el olvido. Resulta relativamente difícil encontrar reseñas de sus películas o estudios sobre su carrera, y desde luego, es un alarde de ciencia ficción esperar que algún canal de televisión programe alguna de sus películas, más allá de la periódica reposición de su gran obra maestra, El portero de noche. La carrera de Liliana Cavani se ha visto influida tanto por el carácter obrero y humilde de su familia de procedencia como por su formación literaria, ella y yo fuimos testigos de que se puede surgir y tener un tema de estudio desde el conocimiento y el anàlisis. Nacida en Módena en 1933, se licencia en Literatura Clásica en la Universidad de Bolonia. Sin embargo, desde muy pronto se ve atraída por el cine, y en 1960 comienza sus estudios obteniendo en 1962 el diploma del Centro Experimental de Cinematografía gracias a los cortometrajes Encuentro nocturno y El evento. Los premios obtenidos por sus trabajos le abren las puertas de la división de documentales de la RAI, la televisión pública italiana, colaborando en la filmación de documentales acerca del surgimiento de los totalitarismos en Europa, la Segunda Guerra Mundial y el papel de la Resistencia italiana contra el fascismo de Mussolini. La RAI produce también su primer largometraje de ficción, Francisco de Asís, donde ya deja clara su postura por el cine comprometido. En una época espiritualmente revuelta para los católicos (hablamos de 1966) y políticamente convulsa para Italia, tónica habitual desde el fin de la guerra, Cavani utiliza la figura del santo para realizar su propuesta política y personal frente a la religión, apostando por la disidencia del catolicismo oficial, un trabajo que podría subtitularse como un estudio de las relaciones entre el poder político y el religioso. Su siguiente trabajo, una biografía de Galileo rodada en 1968 también habla del poder, esta vez frente a los intelectuales y al pensamiento como arma para socavar instituciones implantadas gracias a la manipulación de quienes son mantenidos en la ignorancia. Su trilogía sobre el poder se completa con Los caníbales, donde esta vez la visión que se da del poder se realiza a través del prisma de sus crímenes, de sus actos más viles e ilegales, con un hilo argumental cercano al personaje de Antígona ideado por Sófocles.El mayúsculo fracaso de crítica y público obtenido con sus primeros trabajos en el largometraje de ficción la hacen volver al rodaje de documentales para la televisión. Sin abandonar los temas punzantes y comprometidos, realiza la película documental Los niños y nosotros (1970), y da una visión cruda y deshumanizada de las bolsas de pobreza subsistentes en la Italia de los setenta con el sobrecogedor trabajo L’ospite. En 1974, antes de rodar la película que le proporciona un lugar en la Historia del Cine, da un giro hacia las experiencias místicas orientales con Milarepa.

Portero de noche es su obra cumbre, sorprendente a un tiempo por su gran calidad, la profundidad de sus planteamientos y por su inesperada procedencia de una autora gris y generalmente obviada hasta aquel momento. Esta película, continuadamente reducida de manera simplista a mera incursión en el trauma humano del nazismo, es, sin embargo, mucho más. La película realiza un profundo estudio psicológico acerca del ser humano, de la fragilidad de su racionalidad y sus emociones, y también de su carácter dependiente. Y lo hace en general, tomando al nazismo no como fenómeno histórico a retratar, sino como ejemplo de la perfección de un sistema conducente a la anulación de la personalidad, de la capacidad de los torturadores para eliminar la propia conciencia del individuo, hasta el punto de que los seres humanos quedan reducidos a un cuerpo que no tiene una idea propia de sí mismo, y que por tanto llega a sentir su muerte como indiferente: doce años después de la guerra, una joven judía llamada Lucía (Charlotte Rampling), actual esposa de un célebre director de orquesta, llega a un hotel de Viena donde Max (Dirk Bogarde), antiguo oficial de las S.S., ejerce su empleo de recepcionista, pacíficamente, olvidado por la justicia, como tantos y tantos criminales que se salieron con la suya, en Europa, o trabajando para el gobierno norteamericano elaborando proyectos de bombas nucleares (el blog Apostillas literarias realizó un estupendo post sobre la película). Como resumen, digamos que los personajes recuperan su antigua relación de dependencia mutua como reminiscencia de la única forma de dar sentido a una existencia vacía desde el final de la guerra y la liberación (física, que no emocional, con una mente anclada en la barbarie, con un lavado de cerebro absoluto), iniciando una particular relación sadomasoquista salpicada con flashbacks que ilustran los antiguos abusos sufridos por ella a manos de él, y que a su vez revela la desaparición de sus personalidades presentes en favor de su carácter pasado: el tiempo se detuvo en los campos, ambos dejaron de ser personas para convertirse en víctima y verdugo, la relación más íntima posible entre dos personas, más incluso que el sexo o el compromiso. Ambos renuncian a su conciencia, a su personalidad, él convertido en criminal y ella en víctima, ambos sin identidad, sin conciencia de sí mismos, abocados a un final que ya no puedan sentir. Su supervivencia es una anomalía y a su vez una traición a quienes no sobreviven, en el caso de él por tratarse de un criminal, cuyo papel se reduce a provocar el mal físico, y que escapa libre; en el de ella por haber visto morir a sus semejantes y haber eludido su suerte. Lo más dramático de ambos personajes es que sus casos son auténticos: realmente hubo relaciones físicas entre oficiales nazis y presos judíos, a veces forzadas y otras veces consentidas, relaciones que a veces generaban pequeños privilegios e incluso milagros de supervivencia en favor de éstos en los propios campos, pero también había amantes judíos que intentaban la exculpación de los oficiales nazis detenidos; antiguos presos que no podían marcharse del territorio del campo una vez liberados, anhelantes de la única identidad que quedaba en ellos, la de víctimas; en general, una eliminación de la conciencia y de la memoria de la persona, unida a un profundo sentimiento de culpa por constituirse en excepciones de supervivencia en una tendencia al exterminio, que anulaba por completo el carácter humano de unas personas convertidas para siempre en fantasmas, entre los que la tasa de suicidios, tras haber sobrevivido a un régimen criminal, se disparó exponencialmente (al hilo de esta cuestión, recomendamos la lectura de Liquidación, de Imre Kertesz, o el visionado, paciente, eso sí, de Shoah, el monumental documento cinematográfico de Claude Lanzmann sobre la tragedia de la solución final).Volviendo a la Cavani, tres años más tarde, tropieza de nuevo con su película sobre Nietzsche Más allá del bien y del mal, paso en falso que no le impide triunfar de nuevo a principios de los ochenta con La piel, adaptación de la obra de Curzio Malaparte. Su carrera irá alternando los fracasos estrepitosos (Detrás de la puerta, obra de incestuosa trama con exótico marco norteafricano) con notables éxitos (Berlín interior, historia de amor entre mujeres en plena ascensión, de nuevo, del nazismo).Retomando

la figura de Francisco de Asís, rueda Francesco (1989), sin duda el papel más extraño de Mickey Rourke (y de papeles extraños está bien servido) y que sin embargo cumple con una solvencia inesperada, aunque tampoco esta película logrará demasiada repercusión. Se dedica a partir de entonces a realizar retransmisiones televisivas de óperas (La Traviata, Manon Lescaut, Cavalleria rusticana), y la caída definitiva en el cine se produce con la intrascendente Dove siete? Io sono qui (1993). El intento de recuperación con la película sobre el personaje highsmithiano de Ripley, con un John Malkovich correctísimo y una atmósfera opresiva e inquietante, no termina de funcionar, y es acogida fríamente, quizá de manera un tanto injusta. Después de eso sólo ha dirigido un telefilm para la RAI sobre De Gasperi, importante político italiano de la época de la preguerra mundial.

A mis espaldas y conviviendo conmigo se estaba gestando un "hombre nuevo" y una sociedad en la que todo lo que escapa de la norma, no conviene y todo lo que escapa al comercio es inútil. Mi ceguera para ver lo que pasaba en verdad se despertò de golpe en 1999 cuando bajè del mundo ideal de la Abadia Benedictina, y volvì a mi cargo en la administraciòn cultural pùblica, esta vez en el gobierno del Dr. Henrique Salas Romer, de ese perìodo solo quiero recordar la ayuda absoluta de la "Dama de la cultura" valenciana fallecida este año, 2018, Frida Añez de Magasrevy gracias a la cual obtuve mi cargo de nuevo y mi jubilaciòn en el 2007 por incapacidad, ya que por el bullying laboral comencè a sufrir de fibromialgia. Y ane mis ojos sucedieron hexchos que no estaba preparada para vivir, el desmembramiento de mi familia por paises del mundo y el gobierno de Hugo Chàvez Frìas, militar y yo los detesto, comunista y yo nunca militè en la izquierda ni jovencita, de doble moral, corrupto gobierno que cada dia se manifiesta en manos de los peores, y estos ademàs presentan una conducta como la que se descubriò en estos dias de noviembre del 2018...

Raúl Gorrin ha resultado ser una caja de sorpresas, ahora se revela cual era el plan original detrás de la transición

El contenido presentado en este vídeo es original, los análisis hechos por Neptalí Figueroa SON PROPIOS y están basados en información obtenida de fuentes seguras y legítimas.*

*El uso de este contenido SIN LA AUTORIZACIÓN DEL AUTOR estará sujeto a las penalidades por violación de uso y reglas comunitarias de Youtube y cualquiera que consideremos a lugar emprender.* Vídeo realizado con propósitos informativos para vencer el cerco comunicacional al que estamos sometidos en Venezuela. Cualquier reclamo o problema con Derechos de Autor, ponerse en contacto a través de nuestro correo electrónico, ubicado en la sección: ''Acerca de'' de este canal.

La maldad es un término reciente en psicología social que aún necesita ser precisado y definido de manera clara como un constructo científico. Los especialistas estiman que en cada ser humano hay un lado oscuro, pero también existe un lado predispuesto a la bondad y a hacer el bien.

“Aquel que no conoce la historia esta condenada a repetirla” ¿Quiere esto decir, que conociendo estos sucesos, estamos exentos de repetirlos?

Y AQUI ESTOY COMO MICOL FINZI CONTINI NO SABIENDO QUE HACER ENTRE TANTA BASURA QUE NO ME PARECE VERDAD ...GRACIAS A LOS ESTUDIOS CLASICOS DE LITERATURA, ARTE Y FILOSOFIA TRATO DE ENTENDER, COMPRENDER LO QUE SUCEDE, Y COMO LA NIÑA HUERFANA QUE FUI, VUELVO A LOS CUENTOS DE HADAS, PELICULAS Y LIBROS DE LITERATURA FANTASTICA PARA NO VIVIR LA SOLEDAD NI LA VEJEZ, INMERSA EN UN MUNDO QUE ME ASUSTA, PORQUE DESNUDA LO QUE NINGUNO QUIERE ACEPTAR DE LA CONDICIÒN HUMANA: LO FEO, Y LA MALDAD INHERENTES A TODO SER HUMANO...Y QUE VIVIMOS UN MOMENTO HISTORICO DE TODA DE CONSCIENCIA GLOBAL. CADA QUIEN ESGRIMIRÀ LAS HERRAMIENTAS Y ARMAS QUE

POSEE COMO GUERRERO ESPIRITUAL...COMO LA PELICULA DE WESTERN SPAGUETTI DE SERGIO LEONE, NOS INVITA A DESCUBRIR "LO BUENO; LO BELLO Y LO FEO" 1966. y contó con la actuación de Clint Eastwood, Lee Van Cleef y Eli Wallach. El guion fue escrito por Age & Scarpelli, Luciano Vincenzoni y el propio Leone. La fotografía es obra de Tonino Delli Colli, y la música fue compuesta por Ennio Morricone. Es considerada como una de las mejores películas de la historia.Es la tercera y última película de la llamada Trilogía del dólar; en ella, fue precedida por Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) yLa muerte tenía un precio / Por unos pocos dólares más (Per qualche dollaro in più, 1965). La trama gira en torno a dos pistoleros (el bueno y el feo) y un asesino, corrupto e inescrupuloso Sargento del Ejército de La Unión de Estados Unidos convertido en pistolero (el malo) que luchan por encontrar un tesoro consistente en monedas de oro durante la Guerra de Secesión (Guerra Civil estadounidense) O sea en vez de ir en pos del arco iris, vayamos en pos de conocernos a nosotros mismos en un ambiente de bestias...