Aproximaciòn a una especialidad que desde Valencia hizo historia en el arte nacional.
Bernard Howell Leach conocido como Bernard Leach, (nacido el 5 de enero de 1887 en Hong Kong, murió el 6 de mayo de 1979 en St. Ives, Cornwall, Inglaterra), fue uno de los principales alfareros británicos modernos, que influyó en el diseño cerámico contemporáneo.
La exposición de las dos excelentes ceramistas Marìa “la China” Pont y “La Nena” Machado me llevò a recordar lo que conocì en la década de 1980 cuando junto a Braulio Rivero, ceramista nacido en Valencia (1956) alumno de Cristina Araujo en los talleres de la especialidad en la Universidad de Carabobo, tuvimos un taller de cerámica en mi casa, y luego en Agua Blanca, Valencia, donde Braulio impartìa clases de torno, preparación de pastas y esmaltes cerámicos. El poderoso movimiento de las artes del fuego en Venezuela se vio enriquecido por los artistas e ingenieros que llegaron como inmigrantes desde una Europa diezmada por las guerras no solo mundiales, sino civil en España, el ejemplo lo tenemos con los fundadores del centro cerámico de la Colonia Tovar, y ganadores de la secciòn de Artes Aplicadas en el Salòn Oficial venezolano creado por Miguel Arroyo. La primera edición del Salón Oficial Anual de Arte Venezolano se realizó en 1940 en el Museo de Bellas Artes de Caracas. Este encuentro anual registró durante casi tres décadas los avances del arte venezolano, alentó a los creadores y permitió que jóvenes artistas viajaran y se familiarizaran con las manifestaciones del arte internacional. Tras su última edición, en 1969, los artistas venezolanos perdieron una oportunidad para confrontar sus trabajos.De ese cierre surge el Salòn Oficial de las Artes del Fuego, primero como una especialidad de artes aplicadas en el Salòn Arturo Michelena del Ateneo de Valencia, sección que se iba minimizando cada vez más por falta de espacio en el Ateneo valenciano, hasta que nace el I Salón Nacional de Artes del Fuego, paralelo al del Ateneo de Valencia y en la misma sede pero con fechas distintas, con Medalla de oro, Diploma y entrega por el Presidente de la República como los de las otras especialidades. El Salòn en si comienza desde 1971,
creado por Oswaldo Vigas quien como Director de Artes Plásticas del INCIBA, durante la Presidencia fundacional de Alfredo Tarre Murzi (Sanín), hace efectivo el proyecto presentado por los artistas Humberto Jaimes Sánchez, Director de la Escuela de Artes Plásticas "Arturo Michelena" de Valencia y Marcos Castillo (Marcastillo) escultor, pintor, profesor de dicha institución carabobeña, que actuò como tal hasta 1995, cuando la burocracia de la Universidad de Carabobo, lo que llaman "una mano peluda", entregó al CONAC presidido por Oscar Sambrano Urdaneta, en bandeja de plata, la cualidad de nacional que dicho salón ostentaba desde su fundación en 1971, haciendo efectiva el despojo de la titularidad que desde los 80 se venìa buscando, por un grupo encabezado por el crìtico Roberto Guevara, que deseaba llevarse el Salòn a Caracas, y como muestra creo el salòn barro de Amèrica que tuvo vigencia hasta la muerte del conocido crìtico. Lo que sucediò en 1995 fue a espaldas de la AVAF dirigida en ese entonces po Noemi Màrquez, quien es sorprendida por la noticia, como lo registran los recortes de prensa de la època. El despojo que menciono consta en carta original y copia que no se si es conservada aún en el "archivo muerto" de la galería universitaria, que entregué después de encontrarla ese documento que me doliò mucho, al consignar el trabajo hecho durante ese año 2004 sobre las artes del fuego, como personal de FUNDAPATRIA en comisión de servicio en la Galería, y el asunto era muy delicado y sólo del interés de los universitarios. La verdad es que ese hecho dejó a los premios nacionales de las artes del fuego obtenidos desde 1971, (que comenzó con su adjudicación a la querida Colette Delozanne), sin su derecho al "Premio a la creatividad" asignado en ese año 1995, a TODOS los ganadores de Premios Nacionales fuera cual fuera su especialidad, especie de merecida "jubilación y pensión" que otorgaba el Estado a quienes han puesto tan en alto el gentilicio venezolano a través de las diferentes ramas del saber y del arte. Colette Delozanne (Francia, 1931)en su discurso conmemorativo de los 30 años del salòn hizo menciòn de ese asunto que injustamente vivieron los artistas del fuego.
Al Salón Universitario le salió otro paralelo desde 1998, otorgado por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, que hasta ahora ha sido otorgado sólo al difunto Cándido Millán y a la ceramista valenciana Noemí Márquez. Ahora el salón es nominado "Universidad de Carabobo", con todo el mérito que eso implica, por supuesto, pues ninguna universidad ha sido tan constante y fiel en el otorgamiento de un premio, nacido gracias a la mìstica de Ángel Humberto Jaimes Sánchez (San Cristòbal 25 de junio de 1930 - Caracas, 18 de junio de 2003) y Marcos castillo (Marcastillo) con el apoyo de la UC, de la Escuela de Artes Plásticas "Arturo Michelena", de Frida Añez, y por ende de Cerámicas Carabobo, que participa como co-patrocinante. Pero ¿quiènes son ellos? Humberto Jaimes Sànchez en 1971 formò parte de la Comisión Nacional Asesora para las Artes Plásticas del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes. Participò en las actividades del grupo Presencia 70 que reúne a varios artistas de la generación de Jaimes Sánchez. Este año se instala con su familia en Valencia, estado Carabobo, donde asume la dirección de la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena. En 1975 es nombrado comisario de la representación de Venezuela en la XIII Bienal de São Paulo. Al año siguiente participa en la creación del Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA). En 1978 asiste como crítico, organizador y artista plástico al Encuentro Iberoamericano de Críticos de Arte y Artistas Plásticos, que se celebra en Caracas. Es jubilado por el gobierno regional de Carabobo y deja la dirección de la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena. En 1979 forma parte del equipo fundador de la Galería de Arte de la Universidad de Carabobo (hoy Galería Braulio Salazar). Este año obtiene el primer premio en el XXXVII Salón Arturo Michelena y regresa a Caracas. En 1984 es removido de la Universidad de Carabobo
Marcastillo.
Por su parte Marcos Castillo (Marcastillo) fue un hombre muy especial dedicado a Valencia y al arte. Fue un artista disciplinado, que ha sido reconocido dentro y fuera del país, referente para Valencia, promotor cultural, ex director – fundador de la Galería Universitaria Braulio Salazar y quien impulsó el Salón de las Artes del Fuego. El creativo se formó como artista en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena, y en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. Nacio en Valencia en una familia de tradición ebanista y carpinteros, dio mucho a las artes del Estado junto a su hermano Suardo, falleció en Valencia el 21 de diciembre 2017. Siempre he considerado que la galería Universitaria debio llamarse Marcos Castillo, como reconocimiento muy merecido a un hombre muy honesto, sencillo, tranquilo, siempre sonriente, de carrera artística integral que supera las seis décadas, quien manteniendo un bajo perfil, realizò una labor como promotor cultural gigantesca, pues creò el Departamento de Expresión Plástica de la Dirección de Cultura de la Universidad de Carabobo. en la recién reabierta UC en la década de los 60, sino que fue el padre de Nair, excelente periodista y Marcos (ambos retratados por él), del tributo plástico a las Venus de Tacarigua, de la Galería Universitaria Braulio Salazar, del Salón del Pequeño y Mediano Formato, y del Salón Nacional de Artes del Fuego, junto a otro gran artista, Humberto Jaimes Sánchez. Es el autor de los Rostros vendados, de cuadros geométrico-abstractos y de la imponente escultura de 25 metros de alto, La hora de la paz, cuyo reloj marca el tiempo en el campus Bárbula de la Universidad de Carabobo, pero es, sobre todo, el maestro valenciano que sabe que “la creatividad sale del alma, pero para ser artista, se requiere trabajo constante”. Creo esculturas, tallas, dibujos, pinturas, basadas en “un mínimo factor de repetición de diseño -son sus palabras-, de fondo con espacio enteramente continuo, y con alguna expresión textural”, porque lo que le interesa es “el espacio, la luz y el movimiento”. Fue en vida los ojos que se esconden detrás de los lentes correctivos, que vigilan cada trazo, cada talla hasta conseguir la delicadeza anhelada solo para honrar la figura humana (de preferencia, la femenina) y animal, con una propuesta “casi minimalista”, que se remite a la famosa frase de Ludwing Mier Van Der Rohe, “menos es más”.
Dentro de ese marco histórico de las artes en Carabobo, surge el interès de hacer una galería universitaria que acoja el Salòn Nacional de las Artes del Fuego y el movimiento del arte en la UC, Sus orígenes se remontan a la creación del Departamento de Expresión Plástica, dependiente de la Dirección de Cultura de la apenas reabierta Universidad de Carabobo en el año 1958. Las labores de extensión a la comunidad exigían una sala de exposiciones, y para ese fin, se alquila el local F-2 en el Edificio Don Pelayo en la Avenida Díaz Moreno, entre calles Vargas y Rondón, en el centro de la ciudad, donde se instala la Sala de Exposición de la Dirección de Cultura de la Universidad de Carabobo, en el año 1975. Razones de diversa índole, llevarán a su clausura en el año 1978 y el Departamento, traslada su programación expositiva a las salas del ateneo de la ciudad, colaborando conjuntamente con el personal de esta institución en los montajes de los Salones de Artes Plàsticas "Arturo Michelena" y otros que realizaran las diversas juntas directivas de la institución ateneísta en esos años. La situación provisional de traslado, de las áreas expositivas de la Universidad de Carabobo a otro espacio físico, permitieron las diligencias necesarias para obtener la sede propia de su sala de exposiciones, la cual se logra en un espacio destinado a la pérgola de la plaza de la Urbanización Prebo de Valencia, ese terreno se logra gracias a Alfredo Lòpez Capriles, concejal valenciano en el período de Rhamez Daher, a quien se dirigió la también concejal valenciana Cristina Araujo, ceramista, y mujer vinculada al movimiento artístico carabobeño, a solicitud de Anibal Rueda Rector de la UC, amigo y ex profesor de Cristina, y la Dra. Gladys Alvarez de la Direcciòn de Cultura, su gran amiga y colega, para que intercediera ante las autoridades de la ciudad y les donaran dichos terrenos, cosa que después de muchos tràmites y discusiones se logró. Marcastillo estaba al frente del Departamento de Extensiòn Cultural, y una vez logrado el terreno, se aboca a lograr la edificación de la Sala de Exposiciones, gracias al arquitecto Pedro Mateo, en ese entonces, Jefe de Planeamiento Urbano del Concejo Municipal del Distrito Valencia, quien realizó los planos de construcción, a los Hermanos Mattioli que ejecutaron la obra, y a Ceràmicas Carabobo que donò las baldosas y piezas sanitarias, en fin gracias a la acción conjunta de muchas personas, adquirió cuerpo ese viejo sueño universitario, dando así origen a la Sala de Exposiciones Braulio Salazar, llevando el nombre del Maestro Braulio José Salazar Sánchez (Valencia, Carabobo, 23 de diciembre de 1917 - Valencia, 26 de diciembre de 2008) como homenaje por la destacada actividad cultural de este importante carabobeño, Premio Nacional de Artes Plásticas 1976, inaugurada el 11 de abril de 1980, en el ahora conocido Parque Universitario Dr. Fabián de Jesús Díaz. Debido al alto nivel de importancia adquirido en el medio artístico nacional, y su necesidad de crecimiento y mejora de las condiciones físicas, se produjo una ampliación y remodelación de la anterior sala de exposiciones, la cual fue reabierta el 24 de marzo de 1996, elevando su nivel a Galería, con dos salas expositivas, conociéndose en adelante como Galería Universitaria Braulio Salazar. La Universidad de Carabobo, mediante el proyecto elaborado por la arquitecto Andreína Guardia de Baasch, realizó la remodelación y ejecución de la obra con aportes propios, combinados con el apoyo de la Alcaldía de Valencia y de la Gobernación del estado Carabobo. El concepto del diseño de la galería concuerda con los elementos fundamentales de la obra del Maestro Braulio Salazar; como ejemplo de ello se puede mencionar: la integración de la naturaleza reflejada en la visual hacia el parque a través de las fachadas de vidrio; la presencia de luz natural hallada en el techo traslúcido de la planta alta que se extiende hasta la sala de la planta baja, gracias a la comunicación que existe en la abertura octagonal central del entrepiso. Sus ambientes son claros y amplios, de formas puras. Ha sido reconocida con el Primer Premio en el II Salón Centroocidental de Arquitectura Regional, realizado en el año 2000.
Hay que desacar que el movimiento ceràmico carabobeño, que tanta admiraciòn ha despertado por su calidad y sentido escultòrico, tuvo tambièn un cultor: Oswaldo Vigas (Valencia, Carabobo, 4 de agosto de 1926 - Caracas, 22 de abril de 2014) quien dio una muy grata sorpresa al dejar al pùblico descubrir un área creativa distinta y poco conocida en lsu trayectoria. Vi unos platos que conservaba e iban a ser expuestos en Valencia, pero esa idea se hizo realidad en la exposición, Tierra y fuego,donde Oswaldo Vigas revelò su trabajo en cerámica que —a partir de sus propias figuras y rostros— elaboró en 1981, a propósito de la realización de un mural para la fachada del Ateneo de Valencia, que contó entonces con el respaldo de Frida Añez de Magasrevy y por supuesto de la empresa Cerámicas Carabobo, quien se ha ganado a lo largo de estos años, el título de “Institución Cultural”, por las numerosas donaciones esparcidas a lo largo y ancho de nuestro país.
Homenaje a la Cultura Tacarigua.
Artista: Oswaldo Vigas Ubicación: Av. Bolívar, Valencia - Edo. Carabobo Fecha: 12-Nov de 1982 Tamaño: 3 x 10 mts
Este Mural es la Primera experiencia artística que Oswaldo Vigas realiza en las artes del Fuego. La confección de la obra es de Gres, sin utilizar ácidos u otros ingredientes que aportaran colores decorativos. La obra es un grupo de figuras divididas en tres, que representan elementos significativos de la cultura Indígena surgida alrededor del Lago de Tacarigua. Su textura es blanquecina con Hendiduras, obedeciendo un deseo del artista de reivindicar el carácter rústico en la Obra plástica.
Veintiséis años más tarde, la Fundación BBVA Banco Provincial presentò en sus espacios de La Castellana 30 octubre, 2007, una breve y representativa selección de la colección personal de 200 cerámicas y 20 relieves que Vigas resguarda con celo. "Es una forma de rendir homenaje a un gran artista venezolano que no se doblega y persiste en su misión creadora.Lo que más sorprende de la muestra —más allá de la riqueza específica de cada obra— es la coherencia de ese conjunto de piezas con el resto de la trayectoria plástica de Vigas. Coherencia que es producto no sólo de las técnicas o los temas sino de una autenticidad que se manifiesta en el color y en la textura, en la figura y en la organización de elementos internos. Vigas ha propuesto desde más de cinco décadas una única creación desplegada en múltiples trabajos, ya en la pintura como en la escultura, ya en la cerámica como en la tapicería. Es el propietario de un sello autoral que lo identifica y lo diferencia. Vigas es Vigas. No necesita más. Tampoco se conforma con menos.En aquella época, en 1981, el escritor y crítico de arte Rafael Pineda escribió lo siguiente: “Allí están casi 40 años —desde 1943— de ideas ya realizadas y otras que se quedaron en el boceto, pero de todos modos partícipes del mismo rango totémico que la realidad americana confiere a personajes, brujas, bichos y animales, a todo lo largo de su obra, objetivizados por una dialéctica morfológica-colorística en un contexto arcano. Por eso en las cerámicas de Oswaldo reaparecen no pocos de los seres fantásticos que ocupan todo el espacio de sus pinturas, tapicerías y gráficas, pero ahora reducidos a la dimensión de un talismán dentro de un plato, una escudilla, un bowl, una bandeja. Es la diferencia que va del ofertorio al ídolo propiamente. En otros casos la pieza recoge un conglomerado sígnico que transcribe la gestualidad del artista como dato vivencial, del mismo modo que aquel otro repertorio pertenece a la potencia de la imaginación.” Creo que nadie pudo expresarlo mejor que el recordado Rafael Pineda.Las piezas únicas e irrepetibles de Tierra y fuego adquieren fortaleza creativa a partir de su propia fragilidad física. Han sido resguardadas con celo. Han dormido durante décadas para mostrarse ahora con la madurez de la distancia. Así trabajaba Vigas hace más de un cuarto de siglo. Parece que las hubiese hecho ayer."Texto: "LA TIERRA Y EL FUEGO DE OSWALDO VIGAS" Alfonso Molina IN blog Ideas de Babel
Si recordamos un poco la trayectoria de los ceramistas reconocidos en esos años 70/80/90 casi todos recibieron formación en arte puro, en la Escuela de Artes Plásticas "Cristóbal Rojas" de Caracas, especialidad cerámica, teniendo como Profesores a Sergio González y Reina Herrera, entre otros. Muchos realizan sus estudios en Europa, como en Milan, Italia, y en cursos en cerámica avanzada en Skidmore Collage, Saratoga Springs, Estado de New York y Penland School of Crafts, Penland, en Carolina del Norte. Los que conocì valencianos estudiaron en la Escuela de Artes Plàsticas “Arturo Michelana” y en el taller de Eduardo Gregorio [Las Palmas de Gran Canaria, 1903-1974], ceramista guanche una de las figuras claves de la modernidad en Canarias en el siglo XX, gran amigo de Angel ramos Giugni, escultor y Director de Cultura de la UC en sus tiempos de reapertura, despuès del corto ejercicio del Dr.Manuel Feo La Cruz.años en los que junto a Cristina Araujo, su esposa, escribieron pàginas muy importantes en el arte carabobeños. Gregorio emigrò, como tantos otros canarios, a Venezuela. Aqui se incorpora inmediatamente a la dinámica artística del momento. Prosigue con su labor pedagógica como profesor de escultura en la Escuela de Bellas Artes Cristóbal Rojas, de Caracas, y en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena, de Valencia, además de ejercer como director de la fábrica de Cerámica de Carabobo. Paralelamente desarrolla una importante producción cerámica, aprendida de su maestro Josep Llorens Artigas durante su etapa catalana. Experimenta nuevas formas y alcanza un gran dominio de la técnica en gres por la que recibe reconocimiento internacional. En 1962 obtiene el Premio de Artes Aplicadas en el XXIII Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, la Medalla de Plata, representando a Venezuela, en la Exposición de Cerámica Contemporánea de Praga y la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Cerámica de Buenos Aires. Obtuvo también un conflictivo Premio Nacional del Salòn Oficial de Arte en Escultura, en 1957 con la obra “Niña con perro” figurativa, que despertó el conflicto entre Miguel Otero Silva y Alejandro Otero, defensores uno del arte figurativo y el otro del abstracto.
Comparto la carta abierta dirigida por Alejandro Otero [Rodríguez] IN: El Nacional (Caracas, Venezuela). --- Mar. 20, 1957, a su amigo, y primo, el periodista Miguel Otero Silva, el pintor venezolano trae a colación su reciente declaración en disconformidad con el Premio Nacional de Escultura otorgado al escultor español Eduardo Gregorio durante el XVIII Salón Oficial de Arte Venezolano de 1957 (El Universal, 18 de marzo de ese mismo año). El remitente se muestra partidario de las controversias por cuanto remueven el ambiente y obligan a que el artista se defina, aun corriendo el riesgo de ser tachado por los soberbios, como sucedió antes, en 1953, en la polémica desatada a raíz de sus comentarios sobre una exposición del pintor ecuatoriano Oswaldo Guayasamín. Otero Rodríguez considera que el salón representó bien todas las tendencias, pero el jurado estuvo desequilibrado, pues sólo una predominó. De esa manera, el pintor venezolano concluye sugiriendo la conveniencia de que los veredictos sean razonados a fin de dar a conocer los valores reconocidos en la obra premiada.
Comentarios críticos
Entre el 20 de marzo y el 25 de abril de 1957, se publicó en las páginas del diario caraqueño El Nacional una de las polémicas más substanciales sobre la validez, o no, del arte abstracto ante la tradición nacional tanto del paisajismo como del realismo social. Además de amigos, los contendores son primos: el pintor abstracto-geométrico Alejandro Otero [Rodríguez] (1921–90) y el escritor de tendencia comunista y editor de El Nacional, Miguel Otero Silva. Además de confirmar las reservas del pintor, previamente dadas a conocer en unas declaraciones al diario El Universal (“Disiente del criterio del jurado el pintor Alejandro Otero, por lo que atañe al Premio de Escultura”, 18 de marzo de 1957), esta carta es una invitación al debate en torno al arte abstracto y otros temas (salones, jurados y demás). Lo curioso de esta carta es que su publicación coincide con el primer artículo de Miguel Otero Silva (“Sobre unas declaraciones disidentes del pintor Alejandro Otero Rodríguez”) y por el hecho de que ambos —según nota de la redacción— no se habían leído. La trascendencia de dicha polémica queda en evidencia al constituirse en el documento más reproducido en el campo de las artes plásticas venezolanas, no sólo por su elevado nivel intelectual, sino porque, a raíz de ella, llega a su fin una década de reservas de parte de la cultura oficial hacia el abstraccionismo.
Esta se había manifestado, desde 1948, al producirse la primera polémica entre los artistas Miguel Arroyo y César Rengifo, siendo incluso reseñada en otros países como Colombia (Teresa Tejada, “La polémica del año”, revista Prisma, núm. 11-12, Bogotá, noviembre-diciembre de 1957); y la Argentina (del escritor cubano Juan Marinello, “Conversación con nuestros pintores abstractos”, en Meditación americana, Buenos Aires, Porción, 1959) y (del escritor español Guillermo de Torre, “Abstracción, no figuración, informalismo y compañía”, texto incluido en Minorías y masas en el arte contemporáneo, Buenos Aires: E.D.H.A.S.A, 1963).
Fechada el 19 de marzo de 1957, en San Antonio de los Altos, población cercana a Caracas donde el pintor tenía su casa taller, la carta fue publicada al día siguiente. Los artículos en cuestión, sin incluir las declaraciones originales del pintor que los suscitan, fueron reproducidos el mismo año como Polémica sobre arte abstracto (Caracas: Ministerio de Educación Nacional, 1957). Posteriormente hubo varias ediciones: Juan Calzadilla, en El Arte en Venezuela (Caracas: Edición Especial del Círculo de Bellas Artes, 1967); Sergio Antillano, Los Salones de Arte (Caracas: Maraven, 1976); el libro compilado por Douglas Monroy y Luisa Pérez Gil, Alejandro Otero, Memoria Crítica (Caracas: Monte Ávila y Galería de Arte Nacional, 1994); y, finalmente, el de Roldán Esteva-Grillet, Fuentes documentales y críticas de las artes plásticas venezolanas: siglo XIX y XX, tomo II (Caracas, UCV, 2001). Texto reproducido por los Investigadores: María Elena Huizi & Roldan Esteva Grillet
Equipo: Fundación Mercantil, Caracas, Venezuela
Crédito Reproduced with permission of Carolina and Mercedes Otero, Estado de Miranda, Venezuela
Consultar también el libro: Polémica Sobre Arte Abstracto. Alejandro Otero Rodríguez / Miguel Otero Silva. Editorial: Ministerio De Educación, Caracas, Venezuela, 1957
GRUPO TURGUA.
Lo que si era una coincidencia en todos los ceramistas era su formación en seminarios de los profesores Warren Mackenzie, Clarie Illian, Odile Culas, David Leachn, Linda Christianson, Gerda Gruber, Michael Mason, Madola, Enrique Mestre entre otros. Pertenecian a la Asociación Venezolana de las Artes del Fuego y luego a la ACAF carabobeña, y eran cercanos a Frida Añez, quien desde su cargo de Gerente Administrativa de la Corporaciòn Ceràmicas Carabobo, facilitaba a la AVAF la adquisición de óxidos y productos para la elaboración de las pastas y esmaltes cerámicos. Lo que màs recuerdo es su lectura de Bernard y David Leach, en especial el “Manual del Ceramista” de Bernard Leach que era la Biblia de entonces. Fue notable el desarrollo de la cerámica utilitaria además de la escultórica, la preparaciòn de sus esmaltes y las pastas para sus propuestas artísticas, ya que allí estribaba el verdadero dominio del oficio de ceramista, incluso el torno de patada de Leach era muy apreciado, ya se impondría el eléctrico, igual que las quemas en hornos eléctricos o a gas, para obtener resultados diversos en las quemas. Esa tradición borrada por el arte “conceptual” se siguió en el Grupo de Turgua, integrado por un grupo de artesanos de la cerámica utilitaria que se reúnìa y exponìa sus últimas creacionesal aire libre, en contacto directo con el público.Durante muchos años, y de manera interrumpida, este grupo de ceramistas ha organizado y celebrado estos Encuentros en la localidad de Turgua, estado Miranda, como una iniciativa para propiciar el intercambio directo del público con los artistas y su obra y de esta manera promover la apreciación del objeto artesanal.El Grupo Turgua se encuentra integrado por los artistas GigliolaCaneschi, Guillermo Cuellar, Gisela Tello, Maria Pont, Yvette Alexandre,Andreína Umerez, por el diseñador y ceramista César Jara y por los orfebres Ana Reig y Lutz Podolski, todos ellos de reconocida trayectoria nacional einternacional. Desde 1992 se reúnìan con el fin de lograr un acercamiento más directo al público, naciendo de esta iniciativa los llamados Encuentros, que desde esa fecha se celebraron ininterrumpidamente, dos veces cada año durante los meses de mayo y noviembre. Un invitado era otro gran ceramista Rodrigo García Alejo
Una manera de llegar directo al lugar de la actividad esra desde Baruta tomar la carretera Los Guayabitos -vía Gavilán, primer cruce a la derecha, luego de la cual se recorren 12 kilómetros de carretera asfaltada hasta la localidad de Turgua.
Warren MacKenzie gave this masterclass as part of his residency at the Leach Pottery, St.Ives, Cornwall, in September 2013. As well as throwing pots, Warren shares his memories of working with Bernard Leach in the early 1950's. Full length masterclass available to buy as DVD from http://www.leachpottery.com/
http://www.onthebeachproductions.co.uk/
Bernard Howell Leach conocido como Bernard Leach, (nacido el 5 de enero de 1887 en Hong Kong, murió el 6 de mayo de 1979 en St. Ives, Cornwall, Inglaterra), fue uno de los principales alfareros británicos modernos, que influyó en el diseño cerámico contemporáneo.
Hijo de un juez colonial, Leach había vivido en Japón , Hong Kong y Singapur en 1897. En ese año viajó a Inglaterra y más tarde (1903–08) estudió en la Escuela de Arte Slade. Regresó a Japón en 1909, permaneciendo allí hasta 1920, a excepción de las visitas a Beijing (1916; 1917–18).
Leach se dedicó a la alfarería en 1911 y se convirtió en aprendiz de la sexta generación de alfareros japoneses que trabajaban en la tradición de Ogata Kenzan (1663–1743), quien fue un notable fabricante de artículos de raku . Junto con Tomimoto Kenkichi (1886–1963), Leach ganó el título de Kenzan VII, denotando la séptima generación de alfareros de Kenzan. En 1920, Leach regresó a Inglaterra y, con su amigo y compañero de alfarería Hamada Shōji (1894–1978), estableció la Cerámica de Lixiviación en St. Ives, Cornualles. Allí, Leach produce cerámica en la tradición de la cerámica asiática, especialmente el raku. Sus numerosas obras escritas incluyen el manual A Potter's Book (1940; 3rd ed., 1976) y las biografías. Kenzan y su tradición (1966) y Hamada, Potter (1975). Es considerado como el "Padre de la cerámica de estudio británica".
MANUAL DEL CERAMISTA (de Bernard Leach) Blume. 1981. 1ª edición. Ilustraciones y fotografías.
Hacia fines del siglo XIX, se puso de moda el hecho de que las mujeres estadounidenses estudiaran el arte de pintar sobre cerámica europea, y la empresa Cincinnati Art Pottery Company fue fundada en 1879 para promover el diseño de cerámica de sonido. Como resultado de su trabajo,Rookwood Pottery fue establecida en 1880 porMaria Longworth Storer. Las mercancías de Rookwood muestran una clara influencia japonesa y tienen excelentes esmaltes rojo y marrón amarillento.
Fábricas de cerámica
A principios del siglo XX, la fábrica de Wedgwood , cuyo trabajo siempre ha permanecido en un alto nivel, extendió su negocio ya considerable en los Estados Unidos, y se proporcionó un servicio de casi 1,300 piezas a la Casa Blanca durante la presidencia de Theodore Roosevelt (1901–09). En 1940, la fábrica comenzó a mudarse a su sitio actual en Barlaston, Staffordshire, después de lo cual el sitio histórico en Etruria, Staffordshire, fue abandonado progresivamente.
Los diseños de Dorothy Doughty para el Worcester Royal Porcelain Company, en Inglaterra, y los de Edward Marshall Boehm, en Trenton, Nueva Jersey, estableció un nuevo desarrollo en porcelana decorativa. Las características de este tipo de trabajo son las aves estadounidenses de Doughty emitidas en ediciones limitadas por la Compañía Worcester. Son especialmente notables por los avances técnicos en la preparación del artículo para la cocción, que permiten tratar el material con mucha mayor libertad que hasta ahora. La porcelana se vuelve muy suave cuando llega al punto de vitrificación, pero al usar una serie de accesorios elaborados para apoyar las piezas flotantes, los técnicos de Worcester lograron disparar diseños que antes hubieran sido completamente imposibles. Asociados a esos modelos se encuentran reproducciones exactas de flores naturales que también sobresalen en la complejidad y la verosimilitud de cualquier cosa hecha en el pasado.
A principios del siglo XX, Bernard Moore experimentó con esmaltes chinos (Dinastía Qing ). Produjo algunos flambeados exitosos y cantó de boeuf glazes en un cuerpo de gres en su pequeña fábrica enStoke-upon-Trent . Trabajó en asociación conWilliam Burton de la Cerámica Pilkington en Manchester, que fabricaba artículos decorativos experimentales de todo tipo.
Después de la Primera Guerra Mundial , Paul Scheurich, Max Esser, Paul Börner y otros hicieron un modelado de figuras dignas de la antigua tradición Meissen. El temprano gres rojo también fue revivido. Ese renacimiento fue interrumpido temporalmente por la Segunda Guerra Mundial , pero la producción se reanudó en 1950. Las mercancías exportadas desde lo que entonces era Alemania Oriental a Europa occidental eran excelentes en calidad.
Una fábrica que ha conservado su reputación tradicional de porcelana fina es Nymphenburg , en Munich, ahora elPorzellan Manufaktur Nymphenburg. A principios del siglo XX, comenzó a utilizar una gama más amplia de colores de esmalte con la ayuda de químicos de color deSèvres y, casi al mismo tiempo, reeditaron algunas de las figuras y servicios antiguos de Bustelli y Auliczek (debidamente marcados). Pronto se prestó atención a los servicios de excelente calidad en el lenguaje moderno , y excelentes figuras deResl Lechner y otros fueron producidos. Lechner logró adaptar los estilos del siglo XVIII a los propósitos del siglo XX de manera que fue una lección objetiva para aquellos fabricantes que insistieron en agregar los rollos y los adornos del rococó .
Tales fábricas como Rörstrand yGustavsberg en Suecia yArabia Oy en Finlandia alcanzó una creciente reputación por su excelente diseño en el lenguaje moderno. El énfasis en la forma en la cerámica actual se debe en gran medida a la importación de productos chinos de la dinastía Song durante los años veinte.
La alfarería de la Estados Unidos tiene comparación con la de cualquier otro país, y las normas están mejorando constantemente. Técnicamente, los Estados Unidos tal vez estén por delante de gran parte del resto del mundo. La creciente apreciación del buen diseño de la cerámica llevó al gobierno nacional, así como a los gobiernos estatales y locales, a patrocinar la fabricación de cerámica como un arte.
El artista-alfarero
El artista-alfarero ha tenido una influencia importante en el diseño moderno desde el momento en que Bernard Leach (1887–1979) estableció la Leach Pottery en St. Ives, Cornwall, en 1920. Leach pasó muchos de sus primeros años en el este de Asia y aprendió el arte de hacer raku y gres en Japón. Comenzó a trabajar en un momento en que el interés por los productos chinos antiguos había aumentado considerablemente, y gran parte de su trabajo está obviamente influenciado por el trabajo de Cizhou (Dinastía Song ), así como la de Japón. Es, sin embargo, fuertemente individual. Una de las pupilas de Leach. Michael Cardew , hizo un excelente gres, que a menudo decoraba con patrones vigorosos dibujados con una agradable economía de contorno.William Staite Murray, una vez que el jefe del departamento de cerámica del Royal College of Art, hizo algunos gres importantes e influyó en muchos alfareros más jóvenes. El trabajo notable fue realizado por los alfareros continentales que trabajaban en Inglaterra, entre ellos Lucie Rie de Viena y Hans Coper de Alemania. Figuras divertidas vinieron de Marion Morris, quien fue entrenada en Budapest.
Los artistas-alfareros en el Continente tendían a ser menos conservadores que sus homólogos ingleses, y ocurrieron muchos desarrollos interesantes. La abstracción fue particularmente favorable para el desarrollo, ya que el alfarero entendió sus principios mucho antes de que los pintores y escultores del siglo XX llegaran a ella. En la década de 1970, muchas escuelas de arte incluían la alfarería en su plan de estudios.
Algo fuera de la corriente principal de la tradición de la cerámica, y una producción marcadamente individual relacionada con su trabajo en otros medios, fue la cerámica de artistas tan conocidos como Pierre-Auguste Renoir , Paul Gauguin , Joan Miró , Henri Matisse , Ernst Barlach y Pablo. Picasso . Muchas de estas mercancías son únicas, aunque algunas fueron copiadas por métodos de producción en fábrica.
Ademàs de Bernard Leach era comùn el nombre de Hamada Shōji , (nacido el 9 de diciembre de 1894 en Kawasaki , prefectura de Kanagawa, Japón, falleció el 5 de enero de 1978 en Mashiko), ceramista japonés que revitalizófabricación de cerámica en Mashiko, donde las artes de cerámica habían florecido en la antigüedad. Hamada fue designado Tesoro Nacional Vivo por el gobierno japonés en 1955.
Hamada estudió cerámica en el Colegio Industrial de Tokio (ahora el Instituto de Tecnología de Tokio) y también estuvo asociado con el Instituto de Pruebas de Cerámica de Kyōto. Con el alfarero británico Bernard Leach , quien también tuvo gran influencia en el arte cerámico contemporáneo, estableció un horno en St. Ives, Cornwall, Inglaterra, a principios de la década de 1920 antes de establecer el suyo propio en Mashiko. Leach y Hamada continuaron su asociación en las siguientes décadas.
El trabajo de Hamada está marcado por una economía de diseño simple pero elegante que lo distinguió como uno de los grandes alfareros del mundo. Sus obras se muestran en varios museos, incluido el Museo de Arte Popular de Japón en Tokio, donde ocupó el cargo de curador durante muchos años.
David Andrew Leach (7 de mayo de 1911 - 15 de febrero de 2005) fue un alfarero de estudio inglés y el hijo mayor de Bernard Leach y Muriel Hoyle Leach, la primera esposa de Bernard.
David Leach nació en Tokio , Japón , donde su padre conoció a Shoji Hamada , y llegó a Inglaterra en 1920 para estudiar en la Escuela de Dauntsey , Wiltshire . Comenzó un aprendizaje con su padre en Leach Pottery St. Ives , Cornwall , en 1930 y se formó como gerente de cerámica en el North Staffordshire Technical College , Stoke-on-Trent , 1935-37. Posteriormente manejó la cerámica, pasando de un horno de leña a un horno de quema de aceite y modernizando el taller.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Leach se vio obligado a alistarse en 1941, pero, como cristiano pacifista , expresó su objeción de conciencia al negarse a ponerse el uniforme. Después de dos cortes marciales, finalmente aceptó el alistamiento en la Infantería Ligera del Duque de Cornualles .
En 1955, Leach dejó St Ives para instalar la Cerámica Lowerdown en Bovey Tracey , Devon , donde se hizo famoso por su porcelana . Christopher Gowing y Paul Rice describen su trabajo: "El estilo era muy similar al de su padre, pero la diferencia en su naturaleza hizo que existieran ollas muy diferentes. Un tazón de celadón estriado de David Leach no se parece en nada a la misma cosa hecho por su padre. El cuenco de Bernard Leach sería grueso, audaz, áspero, opaco con estriado ancho y poca diferencia de color entre el cuerpo y el esmalte . El de David Leach sería delgado, suave, translúcido y con estriado preciso, estrecho y ancho gama de colores - de jade verde a 'ying ch'ing' azul - sobre un cuerpo blanco ".
Fue presidente de la Craft Potters 'Association of Great Britain en 1967 y expuso ampliamente en el Reino Unido , así como en la ciudad de Nueva York , Washington DC , Tokio , Estambul , Copenhague , Rotterdam , Düsseldorf , Heidelberg y Munich . En 1987 fue nombrado OBE por su trabajo en la alfarería de estudio y sus servicios a la educación. Sus tres hijos, Juan, Jeremy y Simón, son todos alfareros.
Warren MacKenzie (nacido el 16 de febrero de 1924) es un alfarero artesano de América del Norte Creció en Wilmette, Illinois, el segundo mayor de cinco hijos, incluidos sus hermanos, Fred y Gordon y sus hermanas, Marge (Peppy) y Marilyn. Sus días de escuela secundaria se pasaron en New Trier High School en Winnetka, Illinois.
MacKenzie y su primera esposa, Alix, estudiaron con Bernard Leach de 1949 a 1952. Su cerámica funcional simple, lanzada en la rueda , está fuertemente influenciada por la estética oriental de Shoji Hamada y la cerámica coreana. Se le atribuye el haber llevado el estilo japonés de cerámica Mingei a Minnesota, conocido como el "estilo Mingei-sota".
MacKenzie ha descrito su objetivo como la fabricación de ollas "cotidianas". En consecuencia, aunque sus ollas se encuentran en los principales museos y tienen precios altos entre los coleccionistas, MacKenzie siempre ha mantenido sus precios bajos y durante varios periodos de tiempo no firmó su trabajo (en la década de 1970, la mayor parte de los años 2000) hasta que recientemente reanudó el uso de su picaporte. a finales de 2009. La mayor parte de su producción se produce en gres, aunque ha trabajado en porcelana a veces durante su carrera.
MacKenzie es bien conocido como maestro. Desde 1952 enseñó en la Universidad de Minnesota , donde es profesor emérito de Regentes. Sus estudiantes han incluido a Randy Johnston, Dick Cooter, Mike Norman, Jeff Oestreich, Wayne Branum, Mark Pharis , Barbara Diduk, Paul Dresang, Shirley Johnson, Michael Brady, Sandy Simon y EA (Mike) Mikkelsen.
La segunda esposa de Warren MacKenzie durante 30 años, Nancy MacKenzie, murió en octubre de 2014, a la edad de 80 años. Nancy era una artista textil consumada que usaba objetos encontrados de la naturaleza y la papelera de reciclaje. Durante muchos años, fueron el corazón y el alma de la comunidad artística de St. Croix River Valley. Warren sigue viviendo en la casa que compartían fuera de Stillwater, Minnesota , donde continúa manteniendo su estudio. Hasta diciembre de 2006, MacKenzie también albergaba una sala de exposición en su propiedad. La sala de exhibición operaba estrictamente en el "sistema de honor" por el cual los botes estaban marcados con etiquetas de precios y los visitantes pagaban por ellos colocando su dinero en una canasta de mimbre, haciendo el cambio por sí mismos según sea apropiado. Desafortunadamente, debido a robos y clientes que venden su trabajo por una escandalosa ganancia en línea, MacKenzie cerró su sala de exhibición, optando en cambio por vender sus ollas en el Northern Clay Center en Minneapolis, Minnesota, Trax Gallery en California, Lacoste Gallery en Massachusetts y La Galería Schaller en Michigan, así como exposiciones en todo el país.
Esa unidad con artistas de otras especialidades en un clima de compañerismo y comunicaciòn me permitiò, no siendo ceramista, conocer y compartir con artesanos y artistas, en el Estado Carabobo, en el Hatillo, en Caracas, Barquisimeto, Mèrida y Estado Tàchira pues el movimiento era tal que existìan muy buenas galerias, que exponìan piezas de artistas del fuego en sus diversas especialidades, y compartir espacios con artesanos incluso indìgenas de muy hermosas obras. Fue un tiempo muy rico y lleno de esperanzas.
Bajo la influencia de esos artistas mencionados al inicio, se hacian quemas especiales, de las que recuerdo la de raku, como todo un ritual, y las piezas las conservaban como tesoros, no se habia banalizado esta tècnica todavìa, porque las lecturas de los maestros permitìan valorar en su sentido ancestral y contenido espiritual, cada tècnica, y el efecto hallado tras la acciòn del fuego sobre esmaltes y piezas elaborados con determinado fin, no se utilizaban moldes ya que era importante la huella de los dedos del creador. Los moldes eran para piezas comerciales, igual que las llamadas "piezas de taller" distintas en costo a la "ùnica" de autor, tambièn cada artista se caracterizaba por sus pastas, y sus esmaltes, ya que se evitaban los esmaltes al frio que solo SEKA Severin Tolg (10 de abril de 1923, Zagreb - Croacia) utilizaba con maestrìa, Admirè mucho a SEKA. Fue una activa participante del Salón Oficial, donde fue premiada en 1955, y también de los salones de cerámica que se realizaban en la Sala Mendoza. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas: "Cerámica contemporánea" (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, 1962), "Venezuelan Pottery" (Museum of Contemporary Crafts, Nueva York, 1963), "9th Ceramic Art" (Instituto Smithsoniano, Washington, 1963), "Les émaux dans la cerámique actuelle" (Musée de l'Ariane, Ginebra, Suiza, 1965), "Internationale Kunsthandwerk" (Stuttgart, Alemania, 1966), "Form und qualität" (Múnich, Alemania, 1967), "International Exhibition of Ceramics" (Victoria and Albert Museum, Londres, 1972), "In Praise of Hands" (WCC, Toronto, Canadá, 1974), I Trienal Mundial de la Pequeña Cerámica (Zagreb, 1984), "Sculptures du XXe siècle. De Rodin a Tinguely" (Museo Rath, Ginebra, Suiza, 1984), "International Ceramics" (Museo de Bellas Artes, Taipei, Taiwan, 1985), "Venezuelan Studio Ceramics" (British Crafts Center, Londres, 1985), "Encuentro de ceramistas contemporáneos de América Latina" (1986-1988), "Barro de América" (MACC, 1992), AIC (Umeleckoprumyslové Muzeum, Praga, 1996), "Europa y Venezuela, vínculo cerámico" (MACCSI y Museo de Arte, Coro, 1996) y "La energía del barro" (Sala Sidor, 1996), entre otras. En 1972 es nombrada miembro de la AIC y desde 1979 es miembro honorario de la AVAF. Según Miguel Arroyo, en sus piezas "está previsto, configurado e intemporalizado —como en esplendorosos diagramas secuenciales— el estremecedor proceso de convulsiones, erupciones, deslizamientos y fusiones por las que habrá de pasar —y pasa— la materia hasta lograr su final estabilización. Por ello, cuando las miramos detenidamente descubrimos que las resonancias que ellas producen en nuestra mente no están motivadas por asociaciones superficiales, sino por causas mucho más profundas que tienen que ver con la vinculación que existe entre sus materias y otras que vivieron parecido o idéntico proceso de conflagración y de estabilización" (1989, p. 130). De Seka, la GAN posee en su colección las piezas T-3a, AG-2 y AH-37a.
Recuerdo los tonos naranja espectaculares de la ceramista Leonora Austria y el gran estudio sobre las tierras de Venezuela y su comportamiento en el horno, que hizo la gran ceramista Merida Ochoa Premio Nacional 1978 en el VI Salón de Artes del Fuego, Valencia – Edo. Carabobo.(Las Brujas, estado Yaracuy. 1944 / quien reside y trabaja en Hato Viejo, estado Yaracuy). En 1971 fundò el Taller Dos Puntos, junto a la maestra ceramista Alicia Benamú. Para la década del setenta se desempeña como docente en las áreas de escultura, diseño y cerámica en la Escuela de Artes Plásticas “Carmelo Fernández”, de San Felipe, donde también ejercerá su dirección. En 1973 consolida junto a otros importantes ceramistas el Salón Nacional de las Artes del Fuego. Para los años ochenta se desempeña como profesora de Diseño en la Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios, en Maracay. En la década del noventa funda el Taller Manos de Barro, en Hato Viejo, estado Yaracuy, el cual coordina en la actualidad. En esa misma población coordina el Centro Cultural Yamil Pinto. En la actualidad es profesora jubilada de la Escuela de Bellas Artes “Arturo Michelena” en la ciudad de Valencia, actividad compartida con las coordinaciones del Taller Manos de Barro y del Centro Cultural “Yamil Pinto”, o Casa La Mariposa, en la población de Hato Viejo.
Otro taller de cer`mica que debo recordar es "Terracota" dirigido por los ceramistas Inès Zerpa (+) Luis Herrera y luego Josè Gabriel Gonzàlez (1945-2013) Premio Nacional de las Artes del Fuego 1987. Lamentablemente para mi la exclusiòn de la ceràmica utilitaria de los
GLORIA FERNANDEZ.
salones nacionales valencianos, impidiò que dos grandes ceramistas, Gloria Fernández y Rodrigo García Alejo obtuvieran su reconocimiento como Premio Nacionales que merecìan segun mi humilde criterio. Recuerdo aun la exposiciòn que en el 2010 hicieron 18 ceramistas exhibiendo lo mejor de su arte utilitario en la exposición “Café Chocolate y Té” que se inaugurò un jueves 25 de noviembre, a las 5:00 p.m en la Galería G siete del Centro de Arte Los Galpones, ubicado en la Av. Ávila con 8va, transversal de Los Chorros.bajo la guía curatorial de la especialista y artista de las artes del fuego Nelly Barbieri.Juegos de café, mugs, tazas, vasos, teteras, cremeras, fruteros, boles para café, cucharitas, jarras y otros objetos utilitarios provenientes de los talleres de los artistas Elsa Esté; Aída Acuña; Esther Alzaibar; Belén Parada; Beatriz Trompiz; María Pont; Nena Machado; Marta Iribarren; Gloria Bhaskaran; Rodrigo García Alejo; Wolfgang Vegas; Noemi Márquez; Lourdes Silva; Diana Marturet; Nelly Barbieri y el Taller Thai de María Esther Galván y Pedro Julio Quintero, conformaron la muestra.Piezas elaboradas en gres, porcelana o mayólica –cerámica con un acabado vítreo- y otras elaboradas por las artes del fuego sobre metal fueron exhibidas en una particular muestra que evidencia la actividad de una expresión artística que no ha escapado de la crisis económica.“Estos creadores enfrentan las vicisitudes de la crisis y el deterioro de la economía venezolana reflejándose en la carencia de materiales, tecnología y recursos en general para funcionar. Es así como muchos creadores de esta disciplina han abandonado la profesión o se han trasladado a otras actividades y lugares geográficos. Esta situación se refleja en menor productividad, y la carencia de estos objetos en las diferentes galerías y tiendas de arte perfilándose un futuro incierto en la cerámica utilitaria venezolana”, señala Nelly Barbieri.A juicio de la especialista Nelly Baribieri, la cerámica en el espacio cultural venezolano posee un lugar definido al evolucionar de la manipulación de la arcilla en procesos tradicionales para la realización de piezas utilitarias y decorativas hasta arribar al hecho creativo con el manejo de lenguajes propios y a la autonomía formal y estética del oficio.“En Venezuela muy especialmente se conformó un movimiento, una orientación artística representada por un nutrido conjunto de ceramistas que, apegados a la filosofía y tradición utilitaria de Bernard Leach y Warren Mackenzie, llevaron la cerámica funcional en este país a una cúspide de gran esplendor, magnificencia y excelencia. Sus cualidades plásticas, su ejecución impecable, su rigurosidad, calidad, valor estético y la orientación filosófica subyacente, hacen identificables en todo momento las obras de los ceramistas venezolanos”.
Los nuevos lenguajes en estas especialidades del fuego lo explicò muy bien el director de la Galería Universitaria, profesor Lunes Rodríguez en la inauguraciòn de la Bienal 39 Salón Nacional de las Artes del Fuego“no se trata de seguir nuevas maneras de representación por moda frívola, sino por la comprensión inteligente de que el arte -como todo sistema de signos-, envejece y debe ser renovado” y agrega “los símbolos y los medios por eso evolucionan, cambian, acorde con las épocas. Se apela a nuevos medios de expresión de la misma forma que ocurre en el habla, donde surgen vocablos que la enriquecen, lo que sucede en cualquier idioma”.
Ceramic Monthly era recibida como Revista Mensual de Cerámica con material basado firmemente en la tradición, con el pensamiento y la práctica siempre orientados hacia el futuro, Ceramics Monthly trajo la intersección de la arcilla y la cultura contemporánea a los estudios. Alfareros y artistas de clase mundial compartian sus consejos y técnicas hasta hoy. ¿Cuál es el próximo gran avance en tu arte? era la pregunta constante. Se esperaba con gusto el nùmero siguiente con nuevas propuestas para satisfacer esa pregunta. Desde los procesos de estudio hasta el contenido estético, desde las recetas de glaseado hasta la ciencia detrás de ellos, se encontraba todo en cada número de Ceramics Monthly. Su coleciòn fue un tesoro en nuestro taller.
Los libros de la Editorial Parramòn y de otras casas muy conocidas, eran adquiridos por los ceramistas y leidos con verdadero interès porque se actualizaban y lo leido lo adaptaban a sus propuestas investigativas. MUY BELLOS AÑOS tuvimos en esas dècadas, hasta al Colegio "Los Cedros" donde estudiaban mis hijos, en la materia de Educaciòn aArtìstica que di durante un tiempo, llevè la experiencia del torno ceràmico a los alumnos, que disfrutaron mucho el contacto de la arcilla, el agua, y el torno,para levantar piezas que luego horneamos y llevaron a sus casas. Hasta un nacimiento con papel hecho a mano y figuras en arcilla realizadas por los alumnos desde los màs pequeños,bajo la direcciòn de Laura Pietri, artista plàstica y profesora de arte en los primeros grados y yo de los màs grandes, presentamos en una Navidad a la comunidad de padres y profesores. Son recuerdos muy hermosos los que conservo de esa època.
