«Somos los Cecil B. DeMille del rock, siempre queremos hacer las cosas más grandes y mejor»

Freddie Mercury Saluda a Caracas - Venezuela, 27 de Septiembre de 1981

Cecil Blount DeMille (Ashfield, Massachusetts; 12 de agosto de 1881-Hollywood, California; 21 de enero de 1959) fue un productor y director de cine estadounidense conocido por sus películas extravagantes y espectaculares, muchas de las cuales fueron éxitos en la taquilla.

Sus películas más populares son El rey de reyes, Los diez mandamientos, Cleopatra, Sansón y Dalila, El mayor espectáculo del mundo (por la cual ganó el premio Óscar a la mejor película) y la segunda versión de Los diez mandamientos, la séptima película más taquillera de todos los tiempos y la primera de la lista que se basa en la Biblia. Fue durante veinte años actor y mánager de la compañía de su madre. En 1914, decide fundar la productora Players Lasky, junto a Jesse L. Lasky y Samuel Goldwyn. Esta productora produjo,"El Mestizo", el primer largometraje de Hollywood.​ Al año siguiente, produjeron The Squaw Man. Produjo y dirigió setenta películas y estuvo muy ligado a muchas más.

(De Mille fue el director al que debemos los milagros del cine bíblico basta recordar la escena que se rodó hace más de 60 años, el momento en el que el Moisés interpretado por Charlton Heston separa las aguas del mar Rojo en tecnicolor en Los diez mandamientos (1956) sigue siendo uno de los más impactantes del cine.

La mayoría de sus películas son comedias con dejes sexuales, ya que siempre sostuvo que los norteamericanos eran curiosos sólo con el sexo y el dinero. También mostró interés por la historia, produciendo películas como Cleopatra (película de 1934) o Los diez mandamientos (película de 1956).

Tuvo una hija biológica, Cecilia DeMille, y tres hijos adoptivos, Katherine, John y Richard. Katherine fue actriz y se casó con el actor Anthony Quinn.

También es muy conocido por sus producciones de filmes épicos y bíblicos, como Rey de reyes (King of Kings) o Los diez mandamientos (The Ten Commandments) (1923).​ Fue anticomunista

Anoche despuès de sacarle el cuerpo por unos dias, vi la pelìcula sobre la vida de Freddie Mercury y aunque me esforcè en no recordar lo vivido en la dècada de los 80/90 por mi, fue inevitable, años de trabajo en los medio culturales caraqueños de forma muy inocente y luego carabobeños, signadas por el conocimiento que tenia de hombres muy especiales, a los que accedi, ya sea por mi amor al cine y al teatro, las bellas artes en general desde niña, luego en el trato diario en la Biblioteca Nacional y Escuelas de Letras de la UCV, UCAB y Pedagògico de Caracas, lo que si puedo decir que de forma bastante inocente no podìa imaginar lo que estaba en esas vidas que yo solo compartìa desde sus imàgenes de hombres de «Buenos pensamientos, buenas palabras, buenas acciones» como registraba el principio zoroástrico del padre de Freddy Mercury: Bomi (1908-2003) y Jer Bulsara (16 de octubre de 1922-13 de noviembre de 2016), parsis de la región de Guyarat, parte de la Presidencia de Bombay en la India Británica Los parsis son los miembros de una comunidad de religión parsi o zoroástrica que habitan en el oeste de la India, especialmente en la ciudad de Bombay. Descienden de los persas que emigraron a la India a mediados del siglo VII para escapar a la persecución religiosa de los invasores musulmanes. La historia de esta migración se narra en el Qissa-i Sanjan.

Primero fue el ver a mi profesor en la Escuela de Letras en la UCV Esdras Parra convertido en Londres en gentil fèmina, tras una operaciòn que lo transformò del buenmozo andino poeta nacido en la machista regiòn de Santa Cruz de Mora, Estado Mérida1939-Caracas 2004) admirado ensayista, narrador y traductor ahora transgénero venezolana. Esdras fue miembro fundador de la revista Imagen, en la cual trabajó como editora por varios años. Mantuvo una constante presencia en el mundo literario a través de publicaciones periódicas y como promotora cultural. Después de haber elegido el género femenino y luego de un largo silencio editorial, publica poesía. Esdras era ahora una mujer de vestido rojo que nos recibiò en su

casa, cuando regresò de ese viaje, junto a Napoleòn Oropeza,(Barinas, Venezuela, 13 de octubre de 1950) a quien casualmente me tocò tambièn conocer en Valencia en 1982, cuando por una de esas circunstancias inesperadas de mi vida, se me mencionaba como posible Presidenta para el Ateneo de Valencia en 1982, y èste me invitò a su casa para almorzar, y en su escritorio vi con cierto desconcierto que se inspiraba en , Diane Arbus (Nueva York, 14 de marzo de 1923 - Greenwich, Nueva York, Estados Unidos, 26 de julio de 1971)excelente fotògrafa nacida con el nombre de Diane Nemerov en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Su padre, David Nemerov, era un judío de origen polaco que había construido un próspero negocio de la moda, facilitando el primer contacto directo y cercano con esta a Diane.Su hermano mayor, Howard Nemerov, se convirtió en un laureado poeta. Con 14 años comenzó su relación con Allan Arbus, con quien se casó cumplidos los 18 años, adoptando su apellido y aprendiendo de fotografía con él.3​ Tuvieron dos hijas, Doon (1945) y Amy (1954) Arbus, pero no era esa època la inspiraciòn de Napolèon, sino la que vino despuès que el señor Allan en 1959 se separò de ella cuando se enamoró de otra., era en la etapa de los años 1960,la década más productiva de su carrera, cambiando su objetivo por completo. Recorrió los peligrosos barrios marginales de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrataba, entre los que se encontraban enanos, gigantes, criaturas raras, nudistas, streepers, transexuales y prostitutas. Comenzó a ser conocida como la fotógrafa de los freaks.En sus últimos años se centró en imágenes de personas con retraso mental que se encontraban recluidas en instituciones. En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicidó con 48 años. Uff comenzaba a descubrir el mundo sòrdido para el que no estaba preparada. La entrevista fue horrible, perdì mi opnciòn a ser Presidenta del Ateneo que me habian ofrecido Doña Chuchuita carabaño de Diaz y Judith Villamediana, se muriò mi "padre y protector en Valencia" el DR. Adolfo Blonval Lòpez, y comenzò un perìodo de mi vida bello por el nacimiento y crianza de mis hijos, sobre todo la estabilidad del hogar con mi esposo, pero el horror de una epoca donde se incubaba el SIDA, que me tocò vivir muy de cerca. Amigos y amigas murieron como arroz en los años siguientes...

Recurro a mi profesor de bachillerato Roberto Lovera De Sola, a quine debo haber conocido a Gabriel Garcìas Marquez, Mario Vargas Llosa, y demàs personajes del boom latinoamericano en una reuniòn en su casa y luego en el CCChacaito donde dieron un foro en el Colegio de Arquitectos de Venezuela, Ya estaba iniciada en el mundo de las letras,

Escribe Roberto: "Me da un gran gusto, mi querido Edgar Moreno Uribe, contribuir con el libro que preparas sobre la escritora venezolana, nacida en Santa Cruz de Mora, Mérida, Esdras Parra(1939-2004). Creemos que ella debe ser mirada más en sus dos facetas como escritora y destacada promotora cultural a través de las revistas literarias, sobre todo de Imagen y no solamente por medio de el gran suceso de su vida: el cambio de sexo operado en ella al inicio de los años ochenta, si mis recuerdos no me traicionan fue una tarde de ese año cuando la noticia llegó a la tertulia que varios escritores teníamos habitualmente en la Librería Suma cuando nos enteramos. Esa tarde al saber la noticia dijo Oswaldo Trejo(1924-1997) que estaba allí: “Esa es una decisión que no se toma a esa edad”. A nosotros, varón al fin, nos agustió profudamente la elimiación del pene que debió hacerse. Recordamos que la misma noche del dia en que lo supimos, comiendo con nuestros papás, se lo contamos, mi papá dijo: ”Bueno has visto algo que yo en toda mi vida no he visto”.

Fue en algún momento de los años siguientes, en Valencia, cuando ella regresó al país, desde Londres, después de la transmutación, cuando nos encontramos en un desayuno en Valencia organizado por su fielísimo amigo perenne el narrador José Napoleón Oropeza.

TRANSEXUAL

Pero a Esdras Parra creemos, es una opinión personalísima, no se debe seguir refiriendo sólo por el hecho de aquella operación que convirtió al escritor Esdras Parra en una mujer, una perfecta mujer por cierto, con sus modos tan femeninos de ser, de actuar, de moverse, de vestirse, de cargar la cartera en el hombro. Este es un suceso de su vida íntima que no debe ser el único tocado cuando se habla de ella, hay que hacerlo así porque esta última fue su elección y decisión, las dos palabras al unísono. Pero ante Esdras Parra debemos presentar siempre su escribir, su actividad cultural y también, y no sólo ello pese a que sin duda ocupó el lugar primero en su existencia, lo relativo a la sexualidad, a su transexualidad.

A FINES DE LOS SESENTA

Cuando nosotros nos asomamos a la vida literaria venezolana en los años finales de la década del sesenta los mejores escritores jóvenes, todos pasaban los treinta años, eran los que ahora llamamos “los creadores de los sesenta”. Eran los que habían formado los grupos “Sardio”, “El Techo de la Ballena” y “Tabla Redonda” y aquellos que sin pertenecer a esas agrupaciones, como Esdras Parra, quien tenía entonces veinte y nueve años, estaba cerca de aquel proceso. Ellos eran para nosotros jovencitos aspirantes a escritores los creadores, que siempre encabezaron Salvador Garmendia, quien tenía entonces cuarenta años, y Adriano González León, de treinta y siete años, quien en esos meses triunfó internacionalmente con País portátil. Salvador vivía entonces en Mérida, hablamos de 1968, acababa de terminar su novela La mala vida, la primera en proyectarlo fuera de nuestras fronteras, e iniciaba Los pies de barro.

Fue por ellos por los cuales más interés teníamos, eran los que nos encontrábamos en las tertulias de cada tarde, sobre todo en las del bar “Páprika”, atendido por una grata y soez señora húngara, cercano a Sabana Grande. Aquellos eran los días también de “El Viñedo” o del “BQ”, la “República del Este” no existía aun. Allí llegaban todos ellos. Y también, para nosotros es inolvidable, el pintor Alberto Brandt(1924-1970), muy pronto ido, quien tantas lecciones de vida nos dio a los más jóvenes, sobre todo con lo relacionado con la sexualidad. Escuchando a Alberto aprendimos muy temprano la gran paradoja que existe dentro de la vida sexual, que no todo era siempre tan simple, que había seres, como fue el caso de Alberto, cuya elección homosexual era a la vez esencial y paradójica porque que si bien era el suyo el caso de un absolutamente gay(una tarde llegó y dijo en la barra, tajantemente, “vengo de estar con un tipo que no sabe lo que es cojerse a un hombre”). Pero Alberto era un homoerótico quien vivía con una bella mujer, que era su pareja, no sabemos si era incluso su esposa, llevaban años juntos, viajaban a Europa los dos cada cuanto tiempo, ella lo aceptaba como era porque su amor por él era superior a todo, pero a ella en los dos últimos años de la vida de Alberto, muy enfermo, sólo la buscó como mujer, para estar con ella, para hacer el amor con ella, casi cada noche como ella misma nos lo confesó en su velorio. Fue aquella, como muchas más, otras de las lecciones de Alberto, además de las muchas literarias y sobre todo artísticas, que con el tiempo hemos visto reproducida varias veces en el vivir sexual de nuestros amigos y de nuestras amigas inmersos en la diversidad sexual.

Uno de esos escritores de finales de los sesenta era Esdras Parra un constante enamorado de las mujeres a quienes muchos de nosotros le teníamos cierta envidia, en el buen sentido del término, por ser buenmozo, aquellas bellísimas y atractivísimas mujeres que eran sus novias y sus parejas, muchachas demasiado atractivas todas ellas, como Tamara Williams. También fue muy sonado su romance con la escritora Antonia Palacios(1904-2001). Por ello, se podrán imaginar, las conjeturas que nos pudimos hacer al tener la noticia del cambio de sexo de aquel hombre a quien tanto gustaron las mujeres, que tan intensamente vivió todos los sortilegios del erotismo con ellas. En ese momento supimos que la gran Antonia Palacios se había conturbado tanto con la noticia que estuvo una semana sin salir de su habitación. Y cuando Esdras Parra, ya transformada en mujer, se presentó ante Raúl Bethencourt, una tarde en su librería “Suma”, este vomitó angustiado por aquel encuentro inesperado. Y era que para los hombres, los masculinos, los varones, los heterosexuales, como Raúl y quien esto escribe, sólo imaginar la mutilación del pene al que Esdras Parra se había sometido no sólo nos dio horror sino miedo. Creemos que lo consideramos demasiado porque la integridad del cuerpo es algo hondamente esencial, más que importante, para cualquier ser humano. En este caso para un hombre, pero podría ser también para una mujer, como aquella que desea ser hombre que aparece en Villa diamante(2007) la bella novela de Boris Izaguirre o aquel muchacho que cambia de sexo, en un inquietante cuento de Fernando Cifuentes de sus Jóvenes cuentistas muertos(2003), y va a visitar a su papá por vez primera ya transformada. Y, claro, que si bien sentimos terror en ningún momento asumimos la actitud condenatoria. Aquello fue sin duda una decisión personal. Desgraciadamente, al parecer, no la llevó a ningún lugar, mucha gente le dio la espalda, quedó viviendo en la más absoluta soledad en medio de una sociedad tan machista y anti mujer como la nuestra. Muchos no la volvieron a tratar, otras cultivaron con ella una amistad un tanto falsa, como lo vimos, como si Esdras Parra sólo fuera el personaje del escándalo, como alguien que saliera desnudo a caminar por las calles. No pensaron lo que había sido por dentro de Esdras Parra, el por qué de aquella decisión tomada empujado por una lesbiana de la cual se había enamorado y la cual le puso como condición que se transformara en mujer si quería que ella fuera suya. Eso hizo Esdras Parra. Todo esto está relatado, con un tanto dejo de perversión, en la novela Voces del atardecer.(Caracas: Planeta, 1990. 203 p.) de Francisco Rivera(1933), un auténtico “roman a chef”, una novela en clave, cuyo autor fue buen testigo del suceso. Creemos que el tal ayuntamiento con aquella hija de Safo nunca se realizó. Y Esdras Parra siguió plenamente sola, sólo con algunos amigos y amigas cercanas, entre los que se destacó siempre

José Napoleón Oropeza, hasta el final de sus días. Murió sola en Caracas en compañía de su hermana, en su apartamento de Los Palos Grandes. Y una de sus amigas, Lidia Rebirj, nos comentó al darnos la noticia la tarde del deceso: “Tanto que hizo y nunca pudo ser feliz”. Esa fue su historia.

Buena parte de esta historia está relatada sin ningún dejo de mala intención en el perfil que de ella hizo el librero Walter Rodríguez en sus memorias Casi toda la verdad.(Caracas: Espasa Calpe, 2002,p.102-104), texto con el cual Esdras Parra se molestó tanto que no volvió a tratar más a su autor.

CREADORA

La primera parte de este exordio trata de Esdras Parra cuando era hombre y cuando publicó su celebrado libro de narraciones cortas, el único impreso en vida, Juego limpio.(Caracas: Monte Avila Editores, 1968. 125 p.) en donde está su cuento “Al norte el mar de las antillas” que no sólo es el mejor de los que concibió sino una de los grandes cuentos de nuestra literatura contemporánea. En este relato está presentido ya, para alguno de sus más agudos lectores, el drama humano que Esdras Para viviría una década más tarde.

Dos de los cuentos de Juego limpio, espléndidos, El insurgente.(Maracaibo: Universidad del Zulia, 1967. 16 p.) y Por el norte al mar de las antillas(Maracaibo: Universidad del Zulia, 1968. 18 p.) circularon antes de insertarse en Juego limpio en sendos folletos por haber obtenido el premio literario que en esos años celebraba anualmente la Universidad del Zulia. El titulado “Juego limpio”, que dio título al volumen, lo consideró antológico uno de los grandes estudiosos del relato corto entre nosotros, Luis Barrera Linares, quien lo insertó en su copiosa muestra Re-cuento.(Caracas: Fundarte, 1994,p.129-140). Nosotros consideramos como el mejor “Por el norte el mar de las antillas”.

La etapa final de su vida, y no porque tuviera que ver con el cambio de sexo, como algunos lo han considerado erróneamente, lo dedicó Esdras Parra a la poesía. De esa labor surgieron sus dos poemarios Este sueño secreto.(Caracas: Monte Avila Editores, 1995. 204 p.) y Antigüedad del frío.(Mérida: Mucuglifo, 2001). No fue Esdras Parra el único narrador venezolano de pasar de un género a otro. También otro narrador de su generación Jesús Alberto León dejó la ficción breve para dedicarse en las últimas décadas al cultivo del verso. Y al revés también existen entre nosotros poetas, como Carlos Noguera, Julio Miranda e incluso Antonieta Madrid, quienes más tarde pasaron de las trovas a la narrativa.

Entre los poemas de Esdras Parra escogieron Ana Teresa Torres y Yolanda Pantin(El hilo de la voz. Caracas: Fundación Polar,2003,p.347-349) como los más significativos: “Si la voluntad te exige como potro”, “Has indagado en el lujo de tus amores”, “Un día te olvidaste de tu cuerpo”, “El destino te señaló”, “Abandonaste tu infancia, ese portento” y “Si alguna vez despiertas”.

También en El hilo…recogieron sus compiladoras su sobrecogedor “Autorretrato”, en prosa(p.344-347).

Pero no se quedaría completa esta semblanza de la actividad creadora de Esdras Parra sino señaláramos la importancia que ella tuvo como gestora y directora de revistas, sobre todo de la revista Imagen(1967) de la cual fue jefa de redacción cuando se fundó y al poco tiempo, al irse Guillermo Sucre, su fundador, como profesor a los Estados Unidos, quedó en sus manos. En aquella primera vez frente a Imagen, hubo una segunda en los años ochenta e inicios de los noventa tan extraordinaria como la anterior. Pero en la primera Imagen sus fundadores, Esdras Parra en el comando, definieron para la cultura venezolana lo que significó el llamado “boom” de la literatura latinoamericana e hicieron conocer a sus grandes autores a través de reseñas y artículos críticos y a través de la reproducción de muchos de los textos de estos creadores. Aquella Imagen que tanto nos trajo no fue bien vista por los sectores más conservadores de nuestra vida literaria, se le llamó “revista extranjera”, creadora de “vasallaje intelectual” y otros epítetos sin sentido. La verdad es todo lo que nos enseñó de nuestras letras continentales y de los mejor que sucedía en nuestra literatura nacional, sino véase allí, por ejemplo, los comentarios a los Ensayos de Andrés Mariño Palacio o a Espejos y disfraces y los Diez cuentos de Guillermo Meneses. El artículo sobre Mariño Palacio firmado por Rodrigo Antunez hemos presumido siempre que fue escrito por Guillermo Sucre, utilizando ese seudónimo, ello es evidente en el correr peculiar de su prosa. Y allí en Imagen la presencia de Esdras Parra fue sustancial, muchos de aquellos iluminadores editoriales fueron redactados por ella. Y todo eso es hoy historia viva y nutrida.

Detrás estuvo siempre Simón Alberto Consalvi, presidente del INCIBA en aquellos años, quien los impulsó a fundar Imagen y quien en aquellos mismos días creó a Monte Ávila Editores.

Pero antes de fundarse Imagen ya Esdras Parra estaba presente como magnífico crítico de cine del “Papel Literario” de El Nacional. En esa época también se habló mucho de una novela que escribía, que se hizo legendaria en los corrillos literarios, aunque nunca fue publicada, titulada Al margen.

La última etapa de su vivir las dedicó a trabajar, además que en su escritura, en el Ateneo de Valencia, junto a José Napoleón Oropeza, gracias a un especial permiso que le otorgó el Consejo Nacional de la Cultura(1975-2008), ahora en proceso de liquidación, del cual fue ella funcionaria y el cual le otorgó al final de sus servicios su correspondiente jubilación.

REVIVIDO

Recientemente se ha revelado a través de una página virtual(elespectadorvenezolano.blogspot.com: abril 29,2008), escrita por el crítico teatral venezolano Edgar Moreno Uribe, que el gran escritor peruano Mario Vargas Llosa recrea la historia de la transexualidad de Esdras Parra en su pieza, estrenada hace pocas semanas en Lima, Al pie del Támesis(Lima: Alfaguara, 2008. 82 p.). Su protagonista es precisamente el mismo cuentista y poeta que hemos evocado en estas páginas.

DOS AMIGAS

Podríamos añadir además, porque se trata de un asunto de la misma índole del caso de Esdras Parra, el artículo de Sergio Dabhar: “Ser hombre y mujer en una vida”, El Nacional, Caracas: junio 14,2008, relativo al inglés James Humphrey Morris, nacido hombre y quien al cambiar de sexo pasó a llamarse Jan Morris. Sin embargo, tuvo en su vida la peculiaridad de haberse casado con Elizabeth Tucknis en 1949 quien no sólo lo aceptó siempre tal cual era sino que aprobó su operación de transmutación sexual(1972), realizada en Marruecos. Con los años ambos se divorciaron pero con el tiempo se volvieron a casar. Y en su casa en Inglaterra tienen una lápida escrita para ser colocada en la tumba de ambos en la cual se lee “Yacen aquí dos amigas, al final de una vida”. Como se puede ver el caso de Esdras Parra no fue único porque todo sucede bajo el sol.

Roberto Lovera De Sola

Junio 17,2008

Pararelo a ese mundo vivìa el surgimiento de un gran artista Freddie Mercury (nacido como Farrokh Bulsara,3​4​ Stone Town, Zanzíbar; 5 de septiembre de 1946-Kensington, Londres, Reino Unido; 24 de noviembre de 1991) cantante, compositor, pianista, y músico británico de origen parsi e indio, conocido por haber sido el vocalista principal de la banda de rock Queen. Muchos mencionaban a la Dark Queen, y yo ni pendiente del transfondo de ello. De niño, Mercury escuchaba música hindú, y una de sus primeras influencias fue la cantante Lata Mangeshkar, (en marathi, लता मंगेशकर 28 de septiembre de 1929 cantante de India, muy conocida como dobladora musical en las películas de Bollywood a quien tuvo la oportunidad de ver en directo en la India. Después de mudarse a Inglaterra, Mercury se hizo fanático de Pink Floyd, Aretha Franklin, The Who, Jim Croce, Bob Dylan, Elvis Presley, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Jimi Hendrix y The Beatles.​ Otro de los artistas favoritos de Mercury era la cantante y actriz Liza Minnelli. Una vez explicó: «Una de mis primeras inspiraciones surgió de Cabaret. Adoro a Liza Minnelli. La forma en la que canta, la pura energía»Una película biográfica sobre Freddie Mercury y Queen con el título Bohemian Rhapsody fue estrenada en 2018. ​ Está dirigida por Bryan Singer y la protagonizan Rami Said Malek (Los Ángeles, 12 de mayo de 1981) actor estadounidense de padres egipcios principalmente conocido por su interpretación de Elliot Alderson en la serie de USA Network, Mr. Robot, y por su extraordinario papel de Freddie Mercury en el biopic Bohemian Rhapsody, Gwilym Lee como Brian May, Ben Hardy como Roger Taylor y Joseph Mazzello interpretando a John Deacon. El film se estrenó el 24 de octubre de 2018 en Reino Unido y el 2 de noviembre en Estados Unidos. El guion fue escrito por Anthony McCarten y fue producida por Graham King y Jim Beach, antiguo mánager de Queen. Está protagonizada por Rami Malek, Gwilym Lee, Ben Hardy y Joseph Mazzello. El film se estrenó el 24 de octubre de 2018 en Reino Unido. Durante la primera gira de la banda por Estados Unidos, Freddie comienza a tener dudas sobre su sexualidad, aquí debo mencionar la extraordinaria escena donde Freddy Mercury mientras habla por teléfono con Mary Austin ve a un taxista y èste de forma muy insinuante se mete al baño de hombres…Mercury finaliza la llamada, el rostro dice màs que mil palabras, ahí decide…entra al baño. SILENCIO…

En 1975, Queen graba su álbum A Night at the Opera, pero deciden dejar al ejecutivo de EMI

Ray Foster cuando este rechaza publicar la canción de seis minutos «Bohemian Rhapsody» como el primer sencillo del disco. Freddie hace que el DJ de Capital Radio, Kenny Everett, haga debutar la canción poniéndola al aire. A pesar de tener críticas mixtas, «Bohemian Rhapsody» se convierte en un éxito masivo. Poco después de regalarle a Mary un anillo de compromiso, terminan su relación cuando Freddie le revela que es bisexual. Comienza una relación sentimental y laboral con Paul Prenter, el segundo representante de la banda. El éxito de la banda continúa en la década de los '80, pero las tensiones entre los miembros del grupo crecen por sobre el enfoque de su música. Después de una fiesta en la residencia de Freddie, este conoce a Jim Hutton, uno de los garzones en el evento. Cada uno continúa su camino, pero Jim le pide a Freddie que, si quiere buscarlo, lo haga una vez que se encuentre a sí mismo. El grupo ofrece una conferencia de prensa para promocionar su álbum de 1982 Hot Space, pero los periodistas bombardean a Freddie con preguntas sobre su vida privada y su sexualidad. Freddie comienza a distanciarse con sus compañeros de banda cuando este les anuncia que firmó un contrato de $4 millones con CBS Records para continuar una carrera en solitario. Se marcha a Múnich en 1984 para trabajar en su primer disco solista, Mr. Bad Guy, y también involucrarse en numerosas orgías homosexuales con Prenter. Una noche, Mary lo visita sin previo aviso y lo persuade de regresar a la banda, ya que se les ofreció un cupo para participar en el concierto benéfico Live Aid en el estadio Wembley de Londres. Después de descubrir que Prenter le ocultó la información sobre Live Aid, Freddie lo despide; en represalia, Prenter hace públicas las aventuras sexuales de Freddie. Con la noticia de la expansión del SIDA a nivel mundial, Freddie se realiza secretamente exámenes médicos y descubre que padece la mortal enfermedad.Mientras que algunos críticos sugieren que Mercury ocultó al público su orientación sexual, otras fuentes se refieren a él como «abiertamente homosexual». ​ Mercury se refirió a sí mismo como «gay» en una entrevista de 1974 con la revista NME,85​ pero hay claras evidencias de que era bisexual. ​ En una ocasión dijo que era «bisexual».​ Por otra parte, habitualmente se distanciaba de Jim Hutton durante los eventos públicos en la década de 1980. En una encuesta que realizó el Diario Clarín, Freddie Mercury fue elegido como «el gay más valiente al hacer pública su homosexualidad». Brian May comentó, al respecto, que considera que «llamarlo gay es algo muy simplista, esto sucede por darle demasiada importancia a su vida personal». Portador del VIHEl cantante supo que era seropositivo siete años antes de morir, pero introducía los medicamentos a su mansión con total secretismo, para que nadie lo sospechara. Sin embargo, tanto Barbara Valentin (quien había sido pareja de Mercury entre 1983 y 1985) como Jim Hutton (última pareja del músico) han mantenido posiciones distintas para determinar cuando Mercury se enteró que era VIH positivo, Valentin en una entrevista ante un medio alemán a la semana del fallecimiento del músico dijo que él había recibido el diagnóstico seis años antes de su muerte , ​ pero esto difiere de la biografía Mercury & Me escrita por Hutton ya que él establece la fecha en la Pascua de 1987. Después de la muerte de Freddie en 1991 a causa del SIDA, Beach y el resto de los miembros de Queen crean la fundación Mercury Phoenix Trust para ayudar a la lucha contra el SIDA.

Personalidad...Pese a haber cultivado una personalidad muy extravagante, Mercury era una persona tímida y reservada, especialmente con los que no conocía bien. ​ Además, solía conceder pocas entrevistas. Una vez dijo de sí mismo: «cuando estoy en el escenario soy muy extrovertido, pero por dentro soy completamente diferente».

Mercury me obligò a saber que según el censo indio de 2001, en esa fecha habitaban en la India 69 901 parsis. En Pakistán son unos 5000. El número de parsis en el mundo se estima en torno a 100 000. Zubin Mehta, director de orquesta de música clásica es parsi igual que Bapsi Sidhwa, novelista Paquistaní, conocida por sus colaboraciones con la cineasta Deepa Mehta y David Afkham, director de orquesta, titular de la Orquesta Nacional de España.

Gracias a Freddie Mercury Zanzibar dejò de ser el turròn que gustaba a mis hijos y mi esposo compraba hasta no hace poco, para convetirse en una localidad (probablemente del persa زنگبار zangi-bar, que significa ‘costa de los negros’) una región semiautónoma de Tanzania que comprende un par de islas alejadas de la costa oriental de África llamadas Unguja o Zanzíbar (1554 km²) y Pemba. Estas y la isla de Mafia suelen ser llamadas algunas veces las islas de las especias, aunque el término suele asociarse más con las islas Molucas.

El centro económico y la principal ciudad es la Ciudad Zanzíbar en la isla de Unguja, famosa por ser la ciudad que vio nacer a Freddie Mercury vocalista del célebre grupo Queen. La Ciudad de piedra de Zanzíbar (centro histórico) fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 2000, al ser una de las ciudades más importantes de la cultura swahili.

Las principales industrias son las especias (nuez moscada, canela y pimienta) y el turismo. Zanzíbar es también el único lugar en donde habita el mono colobo rojo de Zanzíbar.

Excepto durante un breve período entre 1963 y 1964, con la República Popular de Zanzíbar y Pemba, Zanzíbar nunca ha sido una nación o país independiente por derecho propio.

Fue conquistada por inmigrantes persas de Shiraz y más tarde se convirtió en parte de las posesiones del sultán de Omán en 1698. Esto fue después de un período de dominación portuguesa comenzado a principios del siglo XVI, iniciado tras los primeros contactos con este país (a fines del siglo XV). El Sultanato de Zanzíbar se convirtió en un protectorado británico en la década de 1890.

Los británicos designaron visires desde 1890 hasta 1913 y luego, residentes británicos desde 1913 hasta 1963. Poco tiempo después de ganar su independencia en 1963, fue unido al estado continental de Tanganica para formar Tanzania el 26 de abril de 1964, de la cual forma parte hasta el presente.

Zanzíbar fue el centro para el tráfico de esclavos del este entre los siglos XVII y XIX, cuando fue gobernado por el sultán de Omán. El gobierno británico llevó al término del tráfico de esclavos a fines del siglo XIX bajo el gobierno del sultán omaní Hamud ibn Mohammed, controlado por los británicos.

Siendo parsis, Mercury y su familia practicaban la religión zoroástrica y estaban orgullosos de su ascendencia parsi. El zoroastrismo, por el nombre de su fundador, es la denominación de la religión y filosofía que, derivada de una religión anterior denominada mazdeísmo, se funda en las enseñanzas del profeta y reformador iraní Zoroastro (Zarathustra), que reconocen como divinidad a Ahura Mazda, considerado por Zoroastro como el único creador increado de todo.

Según Heródoto (I, 131), la costumbre de los persas «es subir sobre las montañas más altas para ofrecerle sacrificios a Zeus, y dan su nombre a toda la extensión del cielo». Heródoto en Los nueve libros de la historia incluye una descripción de la sociedad iraní, que posee algunos elementos reconocibles del zoroastrismo, incluida la exposición de los muertos. Según Heródoto (I-101), los magos eran una de las seis tribus de la Media. Parecen ser la casta sacerdotal de la hoy conocida como zurvanismo, rama del zoroastrismo que tenía una gran influencia en la corte de los emperadores medos.

En cuanto a Mithra, estaba estrechamente emparentado con el Sol.

Hay que observar que el término ahura era también conocido por los indios, que lo pronunciaban asura. Son los iranios quienes transformaron la "s" original en una "h". En los pasajes más antiguos del Rig-veda (el texto más antiguo de la India, de mediados del II milenio a. C.), la palabra asura representa al Ser supremo, como entre los iranios. Más tarde, cambiando de sentido, se aplicó a los antidioses, los demonios.

Y cito èsto porque El zoroastrismo posee una importancia única en la historia de las religiones a causa de sus enlaces con las tradiciones occidental abrahámica y oriental dhármica.

Algunos creen que las enseñanzas de Zoroastro llegaron a dejar su huella en el judaísmo.[cita requerida] Estas se advierten en la angelología, la creencia en un estado futuro de premios y castigos, la inmortalidad del alma y el juicio final. Todo ello forma parte fundamental del esquema zoroastriano. Adicionalmente, la figura de Satanás, originalmente sirviente de Dios, asignado a Él como su fiscal, vino a asemejarse a la de Ahriman, el enemigo de Ahura Mazda (Dios), cada vez más. También, la figura del Mesías, que inicialmente era un Rey futuro de Israel que salvaría a su pueblo de la opresión, evolucionó, en Isaías, por ejemplo, en un Salvador universal muy similar al Saoshyant persa (iraní). Otros puntos de comparación entre Persia (Irán) e Israel incluyen la doctrina de los milenios, el Último Juicio, el libro celestial en el que se inscriben las acciones humanas, la Resurrección, la transformación final de la tierra, el Paraíso en la tierra o en el Cielo, el Infierno, etc.

Algunos estudiosos (Boyce, 1987; Black and Rowley, 1987; Duchesne-Guillemin, 1988) creen que un buen número de elementos de la escatología, soteriología, angelología y demonología del judaísmo -una influencia clave en el cristianismo-, tiene su origen en el zoroastrismo, y fue transferida al judaísmo durante la cautividad babilónica y la era persa. Con todo, existen diferencias en los sistemas de creencias.

Según Mary Boyce, «el zoroastrismo es la más antigua de todas las religiones de credo reveladas, y ha tenido probablemente más influencia, directa o indirectamente, que cualquier otro culto individual» (Boyce, 1979, pág. 1). El zoroastrismo ha sido propuesto como la fuente de los aspectos pos-Torá más importantes del pensamiento religioso judío, que emergió durante la cautividad babilónica.

Para muchos investigadores, en el zoroastrismo se apuntan por primera vez algunos importantes conceptos para otras religiones posteriores como el de cielo vs infierno; el Día de Juicio Final o la diferencia entre ángeles y demonios, es decir, son los introductores del dualismo en el ámbito de las religiones.

Idioma:

En los actos religiosos y colección de textos sagrados del Zoroastrismo se usa el Dialecto gatha o Idioma avéstico. durante un tiempo recibì información de maestros ascendidos que hablabana de la Shauma El culto de *sauma era común entre los indios y los iranios. Este término se convirtió en soma para los primeros y en haoma para los segundos. Esta bebida alucinógena puede haber sido hecha con efedra. Pensando que les permitía a los dioses conservar su inmortalidad, se la ofrecían en sus sacrificios. Los propios participantes la bebían y accedían al mundo divino, a una inmortalidad provisional. En wakhí (una lengua irania hablada al este de Afganistán), la efedra es llamada yimïk, término que podría provenir de *haumaka. Según el Rig-veda, el elemento de base del soma podría haber sido una seta, una sustitución que se explica por el hecho de que en la India no hay efedra. Hoy en pleno

enero del 2019, veo que la shauma tèrmino utilizado por el Grupo Arcturiano, canalizado por Marilyn Raffaele, pereciera estar vinculado con este mundo desconocido para mi.

Pero ademàs de eso la historia del cantante de Queen me presentò una realidad que vivi en carne propia, sin imaginàrmelo ni proponèrmelo: el 27 de junio de 1970 conoció a Mary Austin,representada de forma excelente por Lucy Boynton (Nueva York, 17 de enero de 1994) bella actriz Inglesa​ nacida en Estados Unidos en la película Bohemian Rhapsody, con quien vivió durante siete años. Muy poca gente sabe el gran amor que sintió por ella. En la pelìcula actualmente de moda muchos creen que se casò, no es necesario en casos como el complicado de Freddy Mercury .​ Los tres, junto al bajista Mike Grose, se presentaron por primera vez en público, en Truro, en un concierto a beneficio de la Cruz Roja.​ La banda definitiva se completó en 1971 con John Deacon, año en el cual Mercury y el resto del grupo, con el propósito de ganar más confianza sobre el escenario, afrontaron su primera gira en Cornualles."Love of my Life": quién es la misteriosa mujer a la que Freddie Mercury dedicó uno de sus inmortales himnosMary Austin fue el verdadero amor en la vida del líder de Queen. La historia de una relación que perdurará eternamente. Es uno de los máximos himnos compuestos por Freddie Mercury. Lo escribió en 1975cuando casi nadie conocía la historia detrás de esa inmortal canción que 43 años después sigue conmoviendo. Mucho menos se sabía quién era Mary Austin, la mujer de su vida. El amor de su vida, de quien tan poco se sabe.La nueva película sobre la vida del genio del rock arroja algo de brillo sobre la existencia de esta mujer que vive en Londres y hoy tiene 67 años. Rodeada de muros, su día a día es inexpugnable. Como lo fueron los secretos que supo guardar sobre su gran amor y eterno amigo.El film Bohemian Rhapsody es un éxito mundial y consiguió recrear este amor sin límites que el propio Mercury inmortalizó en Love of My Life. Austin nació en 1951 y conoció al artista con apenas 19 en la tienda Biba, situada en el corazón de Kensington, a metros del teatro Royal Albert Hall y el clásico Harrods. Era 1970 y él tenía entonces 24 años.Biba era el centro donde se encontraban artistas, modelos y las mayores celebridades del espectáculo y la moda de Londres. Los excesos eran rutinarios. El "desayuno era el champagne", de acuerdo con las leyendas que rodeaban el lugar. Allí, las más lindas mujeres y los más conocidos músicos se daban cita. Allí nació el amor entre Freddie y Mary.

Mary Austin era hija de un matrimonio pobre. Su padre cortaba telas en una tienda; su madre era empleada doméstica en una pequeña compañía. Su destino cambiaría a partir de su trabajo en Biba. Y a partir de conocer al líder de una banda que ya era un éxito.

Pero antes, no fue el cantante de Queen quien quiso conquistarla. Fue su amigo y ladero Brian May quien primero quedó encandilado por la belleza de la mujer. Hasta que Mercuryle preguntó en confianza: "¿Vas en serio con Mary? ¿Puedo invitarla a salir?". May le dio el visto bueno y así comenzaron a amarse casi en silencio. La revelación fue hecha por el guitarrista en una entrevista dada en 2017.

Luego de convivir seis años, Freddie Mercury no quería que Mary Austin se alejara. Fue por eso que le propuso que fuera su asistente personal. En medio de ellos, Jim Hutton, la última pareja del cantante de Queen

Luego de convivir seis años, Freddie Mercury no quería que Mary Austin se alejara. Fue por eso que le propuso que fuera su asistente personal. En medio de ellos, Jim Hutton, la última pareja del cantante de Queen

Fueron seis los años que ambos vivieron juntos. Los años mágicos que haría que para el resto de su vida Mercury la considerara su "esposa", aunque nunca hubieran contraído matrimonio bajo la ley. En una ocasión, en 1975, estuvieron cerca de concretarlo, algo que la madre del artista, Jer Bulsara, deseó por siempre. Él le obsequió una sortija de jade y le pidió que se casara con él. Pero no prosperó.

En esos años, Mary descubrió el verdadero talento musical y el carisma que derrochaba sobre el escenario su compañero. Su amor. Pese al acoso del que era "víctima" la súper estrella, nunca dejó que ella se sintiera apartada de esos momentos de gloria.

En una oportunidad, ella recordaría: "Cuando salió del escenario, todas las chicas y sus amigos se amontonaban a su alrededor. Estaba tan ocupado. Comencé a alejarme y él vino corriendo detrás de mí. Me dijo: ¿Adónde vas?". En ese momento ella se dio cuenta de que era importante en la vida de aquel hombre.

Pero todo llegaría a un fin (a medias, parcial) un año después de que le ofreciera casamiento. Ese sexto año de convivencia fue en el que él le manifestó que era gay. En parte resultó una liberación. Fue volver a ser sincero con él, pese a que amaba profundamente a Mary. Sin saber bien cómo enfrentar la situación, Mercury le dijo en un principio que era bisexual. Pero ella fue más directa y franca: "No, Freddie, no creo que seas bisexual. Creo que eres gay".

Se mudaron. Se separaron. Aunque no de forma definitiva. Es que seguían amándose.

Continuaron juntos, pero esta vez no como una pareja. Freddie la quería aún cerca. La necesitaba todo el tiempo. Y ella lo seguía adorando. ¿Cómo no amar a ese ser humano talentoso, compañero y genial con quien había vivido seis años y con quien había aprendido tanto de la vida? Pasó de ser su "esposa" a ser su asistente personal. Al fin de cuentas, ¿en quién podría confiar más?

Mercury ya era un cantante ultrafamoso y tenía muchísimo dinero. Su inclinación sexual era conocida y pública y sus relaciones eran abiertas. Sin embargo, sentía una atracción única por Austin, a quien continuaba llamando "mi esposa". Nadie nunca ocuparía ese lugar.

En 1972, Mercury, era un referente que me gustaba porque el nombre Queen surgiò de su mente La lista de posibles nombres para la banda también incluyó Build Your Own Boat, Grand Dancey Rich Kids, pero ninguno de estos nombres artísticos estuvo a la altura de la visión del cantante.En torno a la elección del nombre, Freddie Mercury dijo que «el concepto de Queen es ser real y majestuoso, porque queremos sorprender y ser escandalosos», pero sobre todo a que gracias a su formación como diseñador gráfico, diseñó el logo de Queen, a partir del escudo de armas real del Reino Unido, incluyendo en el logotipo los signos del Zodiaco de los cuatro miembros de la banda. El famoso logo es su interpretación de una corona real.Haciendo uso de sus habilidades perfeccionadas en el Ealing Art College de Londres, donde Pete Townshend y Ronnie Wood también recibieron clases, comenzó a esbozar el escudo de armas que pretendía utilizar en la portada de su álbum de debut llamado «Queen».En ese momento, incorporó los signos del zodíaco de los cuatro miembros: dos leones para los Leos John Deacon y Roger Taylor, y un cangrejo para representar el signo de cáncer de Brian May. Por su parte, Mercury se representó a sí mismo con dos hadas, las cuales insistió que eran meramente símbolos de Virgo.Finalmente, todos fueron un tanto disminuidos por un gran fénix, un símbolo de esperanza y renovación, tomado como inspiración también el alma mater de su infancia, la Escuela de San Pedro. En el centro de todo se encuentra una elegante “Q”, con una corona en el centro, para representar a cabalidad a la banda.

Logo original de Queen, realizado por Freddie Mercury.

Queen era para mi una banda británica de rock formada en 1970 en Londres por el cantante Freddie Mercury, el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon. Si bien el grupo ha presentado bajas de dos de sus miembros (Mercury, fallecido en 1991, y Deacon, retirado en 1997), los integrantes restantes, May y Taylor, continúan trabajando bajo el nombre Queen, por lo que la banda aún se considera activa...Pero el hombre propone y Dios dispone...A partir de 1980 ingreso como bibliotecaria aunque no es mi profesiòn si mi oficio para ejercer la carrera de investigadora registrando en fichas la memoria del estado, junto al inolvidable Prof. Rafael Marìa Lòpez Risso, , en todas las planchas de la Asociaciòn de Escritores de carabobo, pues venìa siendo Directora de la Sala Estadal "Luis Augusto Nùñez de la Bibloteca Pùblica Central "Dr. Manuel Feo La Cruz", donde junto a mi asistente Mitha Olarte organizàbamos conferencias y encuentros con escritores de la regiòn. El 27 de noviembre de 1982 a las 6 p.m. con la asistencia del Gobernador del Estado, Arq. Raúl Gómez y su tren ejecutivo, se inauguró la Biblioteca "Margot Ramírez Travieso" Poetisa y periodista de gran sensibilidad y espíritu abierto a las corrientes del bien. Nació en Valencia el 24 de agosto de 1908 y en la misma ciudad murió trágicamente el 4 de octubre de 1979, la víspera de instalarse el Primer Congreso Venezolano de Escritores, al que pensaba asistir y dar su animado aporte literario. El último libro de versos de Margot, Espirales de Silencio, fue su canto de cisne. Fue la primera mujer en montar bicicleta en la conservadora ciudad de Valencia. Hay que destacar que la donación que hizo Aziz Muci-Mendoza fue valiosísima no sólo por la calidad de los libros, sino por el monto de la misma, además Aziz me ayudó a organizar parte de ella, pues como Bibliotecaria de la Junta Directiva de la Asociación de Escritores encabezada por el Profesor Eduardo Arroyo Alvarez, me tocó ese trabajo ya que se estaba estableciendo dicha Asociación en su sede del Parque "Humboldt" (Parque de los enanitos), en los espacios que el Concejo Municipal de Valencia presidido por el Dr.Armando Celli y su Secretaria la Prof. Dolores Millán habían logrado ceder a la Asociación, en la vieja casona del ferrocarril Caracas-Valencia. Debo también resaltar que gracias a la poetisa Flor Gornés y Gallegos, los Asociación de Escritores en Carabobo, tenían una biblioteca propia, con sede en la Casa Páez. registrada y organizada por Flor Gornés y Gallegos cuando fue su Presidenta en el período 1973-75, y es ella quien de una manera generosa y libre de mezquindades me entrega la lista de escritores carabobeños o vinculados a la región y los libros existentes, que constituyó la génesis de mi trabajo posterior. Con estas palabras honro a quien considero una "poetisa mayor" de las letras carabobeñas, silenciada y olvidada hoy.En el acto inaugural llevó la palabra la muy admirada por mi, poetisa Flor Gornés y Gallegos, a la que considero una poetisa mayor aniquilada por la moral y los prejuicios de las viejas familias radicadas en la rancia Parroquia "La Pastora" valenciana. Y asi entra en mi vida un hombre que no puedo describir: AZIZ EFRAIN MUCI-MENDOZA (Valencia 30 de octubre 1940- Valencia 24 de abril 1996). Como Mary Austen y estando yo casada y amando a mi esposo e hijos, mi vida me ha puesto a lo mejor por esa gran cruz cardinal que supe ese mismo año al comenzar a estudiar Cosmobiologìa con Fantina Iribarren, ante hombres demasiado especiales. Aziz Muci era un ser muy especial, rodeado de una atmòsfera de buen gusto en la sala de su casa compartida con su madre Doña Francisca "Panchita" Mendoza de Muci Abraham, en camoruco Viejo, como coleccionista de arte que era, mecenas de artistas, conocedor y amante de la òpera, me sentè en el suelo a admirar algo inexperado en Valencia. Despuès del deslumbre inicial que me produjo cuando fui a recoger su cuantiosa donaciòn a la Asociaciòn de Escritores,me hizo volver al dia siguiente, y entendi que como Freddie Mercury no quería que Mary Austin se alejara. Fue por eso que le propuso que fuera su asistente personal y asi un ermitaño joven y buen buenmozo como era Aziz, saliò del encierro y comenzo a asistir a las tertulias y exposiciones en Valencia. Él lme obsequió no una sortija de jade como hizo Mercury porque yo dejè muy claro que estaba felizmente casada, y de verdad no era esa la tònica ordinaria y sin nivel de lo propuesto, fue una bella caja de Iskia con un lazo enorme, que abri con susto para encontra un Cupido de la fábrica de porcelana Doccia , en Doccia, una frazione de Sesto Fiorentino , cerca de Florencia , fue fundada en 1735 por el marchese Carlo Ginori cerca de su villa. Ahora conocido como Richard-Ginori , luego de su fusión con Società Richard de Milán, en febrero de 2013 estaba en bancarrota, pero en abril fue adquirida por Gucci. Fue muy hermoso y fuerte trabajar con un hombree del tamaño intelectual y sensible del entonces amado y odiado mecenas de la cultura carabobeña, sobre todo durante los años en que fue Presidenta del Ateneo de Valencia Doña Cora Páez de Topel, siendo miembro de su Junta Directiva durante los dos períodos consecutivos: l974-76 y l976-78, imprimiéndole gran dinamismo a esa Institución durante su gestión, eso era el inolvidable amigo Aziz Muci Mendoza, nombre olvidado también por los que reseñan la Historia de la cultura valenciana, muchos de los cuales recibieron la generosa ayuda de Aziz sin esperar nada a cambio... En esos años,Aziz y yo descubrimos el verdadero talento y el carisma que cada uno tenìa. Yo comencè avestir faldas porque como artista Aziz me dibujò una silueta en la que comprobaba que la falda, tacones y medias era la forma equilibara de la mujer. Un dia me mostrò còmo una mujer se sube teniendo pantalons, en una camilla, como "un vaquero en su caballo" y hizo el gesto que de verda era muy masculino. Luego en el estacionamiento de los Tribunales de valencia, otrora cercanos ala Casa Pàez, me hacìa ver còmo se

comportaban las mujeres abogados, sobre todo lo que èl llamaba "las terribles juezas accidentales", comentario que en los años que llevo como Cosmobiologa, me ha permitido analizar la conducta de la mujer masculinizada, y como ha invertido los roles. Debo a Aziz ese detalle valorativo igual que la agudizaciòn de mi sentido del buen gusto y el conocimiento del arte y la mùsica. Las crìticas de Valencia fueron despiadadas, nadie entendìa que no habia sexo, NADA DE ESO, QUE ORDINARIA ES LA GENTE DIOS MIO, ES TERRIBLE OBSERVAR QUE UNA MUJER PUEDE SER DESCUBIERTA COMO SER HUMANO POR UN HOMBRE MUY SENSIBLE, Y UNO SE CRECE Y SABE AMAR AL HOMBRE PER SE, AL ALMA, por eso mi esposo hombre tambièn muy especial si entendiò que Aziz quisiera a mis hijos, a èl mismo, a mis amigos, creò un vestido de reina de carnavalcuando mu hija Claudia lo fue, disfrazò con inventiva genial a Claudia y a Gabriela para una fiesta en su pre escolar, fue padrino de mi ùltima hija Francesca para la que elaborò unas tarjetas de bautizo de ensueño, un faldellin y junto a nuestra amiga Maria Luisa Marcolini de Hurtado, bautizaron a Francesca en la Capilla privada de Nuestra Señora del Socorro en la Catedral de Valencia, yendo personalmente a pedir se abriera la capilla a Monseñor Luis Eduardo Henriquez, pues era benefactor de la Cofradìa, y hasta habia donado un manto bordado en oro para la Virgen, en ceremonia oficiada en una belleza de acto, por el P. Luis Arsuaga, con quien trabajaba en la Escuela del Colegio Calasanz en los barrios de Valencia. Hasta 1986 cada vez que me iba Aziz me decìa: ¿Adónde vas?". En esos momentos como Mary Austen, uno se daba cuenta de que era importante en la vida de aquel hombre. Pero todo llegaría a un fin, cuando en acto que resultó una liberación, fue nuevamente sincero con él mismo, y sin saber bien cómo enfrentar la situación, Aziz pidio que no volviera mas a nuestras tardes de escritura de la historia hilarante de Valencia, que se perdiò despuès de horas de trabajo, ni a acompañarme màs a actividades literarias. Nunca lo volvi a ver. Un dia coincidì con èl en la emergencia del Policlìnico "La VIña" cuando lo reconocì por su cabeza con un pelo gris demasiado hermoso, y habia sufrido un infarto y escondido fumaba mientras regresaba su cuñada Nelly de cancelar los servicios. En un viaje que hice a Alemania supe al regresar que habia muerto. Junto a mis amigos Luis Herrera, su compadre y Aldo Ramos fui a visitar su tumba al regresar de ese viaje. Justamente en la cùpula del panteòn de los Muci Abraham el habia colocado un Mercurio muy hermoso Y ahi entiendo a Mary Austen y por què no queria ver la pelìcula ella lo seguía adorando, con un sentimiento que exige de uno como mujer tener un espìritu elevado, como yo converti a Aziz Muci en un hombre inolvidable ¿Cómo no amar a ese ser humano talentoso y genial? Aziz fue un amigo/compañero y genial con quien había aprendido tanto de la vida que como ser normalito no hubiera accedido? Son relaciones que no tienen definiciòn, pues son de alma a alma y a l fin de cuentas, ¿en quién podría confiar más que en hombre que supiera leer a la mujer en su profundidad?. Gracias a Aziz vivi el mundo de la belleza, un fin de año fuimos mi esposo y yo a celebrarlo en el Caracas Hilton era la època de las hombreras y los colores con regarga de dorados y plateados, y Aziz me hizo vestir con un traje hermosisimo, sencillo, de color rosa viejo, de falda plisada, yo era muy delgada, y como adorno solo llevè una joya antigua en mi pecho, zapatos y cartera grises, y de verdad al entrar al lobby del entonces lujoso hotel, todos se voltearon a mirame y hasta me tomaron fotos.

Año 1982 cuando se inaugurò la Biblioteca Margot Ramirez Travieso y la Càtedra Andrès Bello.

Volviendo ala historia de Freddie Mercury y Austin mantuvieron una cercana amistad a lo largo de los años y el cantante se refería a ella como su única amiga de verdad. En una entrevista de 1985, afirmó: «Todos mis amantes me preguntan por qué no puedo reemplazar a Mary Austin, pero eso es sencillamente imposible. La única amiga que tengo es Mary y no quiero a nadie más. Para mí, ella es como una esposa. Para mí era como un matrimonio. Confiamos el uno en el otro, eso me basta». Escribió muchas canciones sobre Austin, entre las cuales se destaca Love of My Life. Mercury fue además el padrino del hijo mayor de Austin, Richard

Como intérprete, ha sido reconocido por su poderosa voz y extravagantes puestas en escena. Como compositor, escribió muchos de los éxitos de Queen, tales como Killer Queen, Bohemian Rhapsody, Somebody to Love, We Are the Champions, Don't Stop Me Now, Crazy Little Thing Called Love, It's a Hard Life o Innuendo. Además de la actividad con la banda, en los años ochenta lanzó su carrera como solista, que lo llevó a publicar dos álbumes, Mr. Bad Guy (1985) y Barcelona (1988), este último en colaboración con la soprano española Montserrat Caballé. El sencillo homónimo, una colaboración entre ambos, fue la canción oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.

Murió de una bronconeumonía complicada por el sida el 24 de noviembre de 1991, solo un día después de comunicar oficialmente que padecía esta última enfermedad. En 2006, la revista Time Asia lo nombró como uno de los héroes asiáticos más influyentes de los últimos sesenta años. En 2005, en una encuesta organizada por Blender y MTV2, fue nombrado el mejor cantante masculino de todos los tiempos. ​ En 2008, la revista estadounidense Rolling Stone lo colocó en el puesto 18 en su lista de los 100 mejores cantantes de todos los tiempos, ​mientras que Classic Rock, al año siguiente, lo consideró el mejor cantante de rock de la historia. ​Por su parte, Allmusic definió a Mercury como «uno de los líderes más carismáticos y dinámicos en la historia del rock

La visita de Queen a Venezuela la recordó muy bien el arìculo “Mercurio”

POR Federico Vegas

PRODAVINCI 11/11/2018

Todo esto me pasó un miércoles en la noche, justo después del primer concierto en el Poliedro del grupo Queen. Iban a ser tres conciertos, pero el primero sería el único; al día siguiente se murió Rómulo Betancourt y declararon luto nacional.

En esos días yo andaba con el grupo de karate del Tuerto Arcaya y Jesús de Los Reyes nos había contratado de guardaespaldas. Para eso no sirvo, pero como hablo inglés y le caí bien a Fred Mercury, después del concierto me dijeron que fuera a darle una vuelta por la ciudad y me fui en mi carro con el cantante y un Disip.

El Disip era un cumanés macizo, con los brazos colgando como si le pesaran los músculos y siempre moviendo la cabeza. Usaba zapatos de goma blancos, pantalones brincapozos y una chaqueta McGregor que olía a mentol y a ropa mal secada. Se sentó atrás y nos fuimos los tres del Poliedro.

Mercury dijo que quería comerse unas “arrepas”. Después de cantar, se estuvo bañando por una hora pero seguía sudando por los bigotes. Lo llevamos a la arepera que está al lado de Ciudad Banesco. No se bajó del carro y el Disip le trajo su arepa. Mercury preguntó por qué si era “corn” no era “Yellow”. Entonces le trajimos una cachapa con guayanés. Le gustó bastante y además se tomó tres jugos de guanábana. Me dijo que ya no se metía drogas y ahora era naturista. Pensé que después lo llevaríamos a su hotel, pero Mercury se arrebató con el balde de guanábana y me dijo que quería ir a un bar gay. Yo el único que conocía era el Annex, en Sábana Grande, y allá fuimos. Apenas entramos todos se alborotaron y agarraron unas poses giratorias de no reconocer a Mercury. Estiraban el cuello como unas cigüeñas y se subían y bajaban el cierre de las chaquetas de cuero. Mercury dijo que ese lugar era un “fake”, que él quería “the real shit”. Le dije que yo no sabía de otros sitios y entonces sacó de su koala un libro grueso, la World Gay Enciclopedia, y me mostró una dirección:

Venezuela, Caracas, Night-Life, Boulevard Catia, two blocks from plaza Sucre, calle El Cristo, “A fondo”. Where a wounded deer leaps highest, and a cheek is always redder. Go on your own risk, and have something to brag about for ever”.

El Disip intervino y dijo que esa zona estaba fuera de protocolo. Yo le dije:

—¡Discreción, mi comisario! ¡Nunca diga un británico que somos unos caguetas!

Agarré la autopista y llegamos al sitio a la una y media. Quedaba al lado de una licorería donde estaban unos viejos y tres tipos uniformados de peloteros.

—Muy tarde para tanto bate —dijo el Disip y se bajó con la mano metida en la chaqueta.

No le gustaba el área y estornudaba a cada rato, pero nadie nos volteó a ver. Tocamos una puerta metálica que tenía unas ranas moradas pintadas en unos rombos. Le dimos hasta que abrieron una ventanita como en las cárceles. Al primer ojo que se asomó le pregunté:

—Buenas noches, señor, si es tan amable, ¿aquí quedará a “A fondo”?

Cerraron la ventanita tan de golpe que casi me arrancan la nariz. Mercury me apartó, apoyó las dos manos en la puerta y comenzó un tamborileo con los diez dedos, arañándola y sobándola a la vez. No paró el repique hasta que abrieron otra vez la ventanita y Mercury metió por el hueco una lengua más larga que la de Mick Jagger y la meneó como una mapanare. Nos abrió un gordito que olía a algodón de azúcar. Sin decir una palabra nos llevó por un pasillo decorado con fotos de películas de guerra. En un afiche aparecía Steve McQueen en la moto que usó en el Gran escape. Le habían abierto unos huecos en los ojos con un bolígrafo.

Freddie Mercury and Michael Jackson - There Must Be More to Life Than This (Video Clip)

Entramos a un galpón con los hierros del techo pintados de un dorado que brillaba en la oscuridad. Había una música que salía de muchos radios pequeños que colgaban con alambre de las vigas a diferentes alturas, y en todos sonaba la misma emisora. Me gustó el efecto como de ciudad. Nos fuimos los tres a una barra que estaba forrada en papel de aluminio. El Disip apoyó la espalda en el mostrador y no hacía sino vigilar, usando ambos codos para empinarse. Esta vez nadie nos miraba. El Disip y yo pedimos cerveza. Mercury preguntó si había más guanábana. Sí tenían, pero en guarapita.

Me acostumbré a la oscuridad y pude ver más de cincuenta tipos que bailaban haciendo un largo tren. Todos arrastraban los pies a la vez. En el piso de cemento había arroz y las pisadas sonaba a charrasca con un ritmo de lija y jamoneo que nunca terminaba. La música era un bolero que repetía: “Cocodrilo verde que en tu palmar se pierde”, y el tren tenía su bamboleo de caimán. Había uno que brincaba aparte, de su cuenta. Era un gigante sin camisa que golpeaba el suelo con unas patadas de rabia mientras se frotaba los músculos de los brazos como enjabonándose. Creo que hacía de locomotora descarrilada, porque de repente uno que otro se soltaba del trencito y revoloteaba alrededor de Sansón con esos pasos de vuelo en picada a lo Yolanda Moreno.

El Disip me secreteó:

—En esta vaina nos van a meter droga en la botella. A un pana le metieron yohimbina con afrodina y se lo clavaron. Mi cerveza la destapo yo con mi navaja.

En eso Mercury me dijo que fuera a llamar a un flaquito que debe haber sido bailarín de verdad porque daba vueltas y vueltas en puntillas sin marearse. Busqué al flaquito y lo jalé a la barra. Bajó la luz del bar lo noté amarillo y con demasiada pestaña.

—Esta noche vas a conocer a un famoso cantante internacional —le dije en secreto.

El flaquito bebió de la guarapita de Mercury y dijo desafiante:

—Yo también canto.

Luego se puso a chupar la guinda de un trago que le dieron mientras Mercury no hacía sino olerlo descaradamente. El flaquito se arrimó a donde yo estaba y dijo en voz alta:

—¡Ese señor sí mira! —y añadió para darse importancia— ¡Conste que yo no soy una sardina!

En eso Mercury pegó un brincó, lo mordió por la oreja y le aplastó la cabeza contra la barra arrugando el papel de aluminio. Cuando lo tenía inmóvil empezó a dar bufidos, soltando el aire unas veces por la boca y otras por la nariz.

—¡Ay! ¡Me quieren comer! —gritaba el flaquito y se retorcía.

Antes de soltarlo, Mercury hizo unos ronroneos y luego dijo modulando muy despacio:

—I am going to suck you dry.

Me hizo señas para que tradujera y le dije al flaquito, que todavía se secaba la baba de la oreja con la franela:

—Dice aquí el señor Mercury que te lo va chupar hasta dejártelo seco.

Los dos se fueron a bailar más allá del tren y la locomotora. Brincaron un rato y luego se perdieron por los fondos de aquellos revolcaderos.

Me quedé con el Disip en la barra. Cerveza y más cerveza. Al rato me dijo:

—No me gusta la vibra.

—Todo está bajo control, comisario.

—Claro que está bajo control. Usted no se imagina lo que cargo aquí. Esta noche podría volar media Catia.

Después de la quinta cerveza, el Disip me pidió que lo acompañara a mear.

Freddie Mercury Pavarotti Queen Too Much Love Will Kill You

—Aquí hay que estar unidos —insistió.

Le dije que se fuera solo, que yo vigilaba la pista.

Apenas empiné la botella ya el hombre estaba de regreso. Me contó que en el pasillo había un tipo guindando por los brazos.

—Está como ahorcado… estos carajos son unos locos.

Lo seguí por un pasillo largo, pasamos por encima de unos sacos de cal y pude ver a un hombre amarrado con un mecate por las muñecas y sacudiéndose contra la pared. En eso nos pasó por el lado uno que venía del baño y, cuando llegó frente al colgado, tomó un fuete que guindaba de un clavo y le dio por las costillas. Volvió a poner el látigo en su sitio y siguió tan tranquilo. El colgante se quedó canturreando

—¡Ay qué rico, es el aire que da mi abanico!

Era fibroso, peludo, y cerraba los ojos como si le diera pena que lo viéramos desnudo. Seguimos para el baño sin hacer nada y el flagelado nos preguntó:

—¿Y ustedes qué son? ¿Ranas o sapos?

Terminó la pregunta entorchado y mirando el cielorraso a lo San Cristóbal, y justo cuando entrábamos al baño, agregó:

—¡Quien no da es porque no tiene!

El Disip se devolvió y comenzó a darle en serio por las costillas mientras el colgado gritaba:

—¡Jorge! ¡Help!

Seguro que Jorge era el gigante de las patadas, así que agarré al Disip y le dije:

—Comisario, vinimos fue a mear.

El Disip quedó alterado. Cuando se paró frente a un urinario con metras de colores en la rejilla, empezó a murmurar:

—Los voy a escoñetar a todos —repetía—, seguro que me metieron algo en la cerveza… me está costando mear… puras goticas.

Y empezó a arrullarse con una canción de cuna. Yo hasta ese momento no tenía preocupaciones. Me sentía metido en algo que daba lo mismo soñarlo que vivirlo. Lo peor que podía pasar es que no pasara nada, que, como en los sueños, me despertara antes del final.

Pensando en esto le pregunté al Disip:

—¿A usted nunca le da culillo?

—Culillo es cuando se te pone el culo chiquitico. Yo lo que cojo son tremendas arrecheras.

Salimos y pasamos frente al colgante que seguía guindando de sus cabuyeras. Cuando íbamos por el final del pasillo le gritó al Disip:

—¡Adiós, furioso!

Volvimos a la barra y en eso apareció Mercury con su flaquito, quien ya lo llamaba “mi mercurocromo”. Tomaron más guarapita y siguieron bailando. El Disip me dijo que se iba a pasar a Extranjería a manejar lo de los pasaportes, que ahí era donde estaban los reales. Unas veces hablaba del futuro y otras del pasado, contándome su vida para atrás y para adelante.

Como a las cuatro y media de la mañana nos largamos. Dejamos al flaquito cerca de su casa por Los Magallanes. Por el camino le cantó a Mercury unos polos margariteños y luego no se quería bajar del carro. Nos dijo que le había prometido a su mercurocromo unas empanadas de cazón que preparaba su mamá y tenía que cumplir lo prometido. El Disip lo sacó de un empujón. Parado en la acera el bailarín se puso a rogar:

—¡Ya va, ya va!

Nos fuimos y corrió un par de cuadras siguiendo el carro.

Ya en la autopista, Mercurio dijo que quería ver una buena vista de la ciudad y lo paseamos por la Cota Mil de punta a punta. Íbamos los tres en silencio y empezó a darme sueño. Luego dijo que quería más cachapas y más jugo de guanábana. Ya era adicto. Lo llevamos a otra arepera que está por la Francisco Solano y nunca cierra. Se metió su par de jugos y se fue caminando como si conociera la zona. Bajó media cuadra y le cayó al bulevar de Sabana Grande por el Radio City. Empezaba a amanecer. El Disip y yo lo seguíamos a veinte pasos. De pronto arrancó a cantar. Luego me contaría que con esas tonadas los pastores irlandeses atontan a los carneros y los ponen más dóciles antes de sacarle la lana.

Empezó suave, cantándole a la primera luz y a los árboles, y a los postes que seguían encendidos, luego escaló varias notas y su voz vibraba en las ventanas de los edificios y se iba rebotando por los callejones. Avanzó más y se pusieron a escucharlo unos tipos del aseo urbano que rodaban unos pipotes, y un flaco de caqui que bajaba fajos de periódicos de una camioneta, y una mujer que había dormido abrazada a una mesa del Gran Café se despertó y estiro el cuello, y uno que venía caminando se agachó a amarrarse los zapatos. La calle empezó a angostarse y fue creciendo la audiencia con unos niños que salían aferrados a sus bultos de lona, y una conserje en bata que se asomó a ver qué estaba pasando. Todos se quedaban en la misma posición y uno creía estar viendo una foto gigantesca en la que sólo Mercurio se movía con lentas zancadas. En los bordes lejanos había cada vez más gente que llamaba a otras gentes para avisarles que por allá estaba pasando algo portentoso que nunca antes había pasado y que no iba a pasar más nunca. De golpe entró el calor del sol y se apagaron los postes. Ya la calle olía a pan, a café, a motor, a los comienzos del día, y las rejas de los comercios iban subiendo, pero sus chillidos no eran nada frente a aquella voz que hacía a Caracas más bella, y también más frágil, porque los hombres y mujeres seguían indecisos y boquiabiertos mientras la voz se abría paso por entre las nuevas manadas que iban llegando a aquel musical inmenso acerca de una ciudad que despierta un jueves cualquiera.

Freddie Mercury & Montserrat Caballé - Barcelona (Live at Ku Club Ibiza, 1987

Cuando Mercurio terminó de cantar, todos se miraron unos a otros felicitándose en silencio con leves inclinaciones de torso. Se creían parte del elenco, y la vida del boulevard continuó con esa cadencia y agilidad que logran los bailarines después de ensayar mil veces.

El Disip y yo también nos vimos a los ojos por primera vez. Yo no sabía qué decirle. Mi compañero de trabajo se remangó la manga de la chaqueta, me mostró cómo se le habían erizado los pelitos del antebrazo y dijo orgulloso:

—Esto es lo único que me gusta de este trabajo de mierda.

Sentí en su mirada las dosis de maldad y de dulzura, y me empezó a dar el culillo que no había sentido en toda la noche, ese espasmo que nos deja sin coartadas y sin muchas ganas de llegar al final. Más todavía cuando me pasó el brazo por los hombros y me preguntó:

—¿Y tú que sientes, panita?

Sin duda, el gran revulsivo de su carrera en la década de los ochenta fue el legendario concierto benéfico Live Aid (1985), organizado por Bob Geldof para recaudar fondos contra la hambruna que asolaba Etiopía por aquellos años. Tanto Mercury como sus compañeros de Queen atravesaban un bache profesional desde el álbum Hot Space de 1982. En esa época tuvieron enfrentamientos entre ellos, desconfiaban los unos de los otros, sufrieron estados depresivos, etc. Aun así, en 1984 el grupo consiguió lograr nuevamente algo de éxito con el álbum The Works, donde se considera que la banda se volvió a reconciliar con sus fans en todo el mundo, firmando un trabajo realizado íntegramente en unos estudios de Los Ángeles. La sombra de su divorcio con Queen y por consiguiente la separación del grupo planeó sobre su cabeza hasta que llegó Bob Geldof. El músico y activista británico convenció a Mercury y la banda de que, el 13 de julio de 1985, aparecieran sobre el estadio de Wembley. Durante algo más de veinte minutos dieron la que se considera por muchos críticos el mejor concierto en directo de la historia del rock. El padre de Freddie, que seguía el concierto por televisión, le dijo a su mujer «nuestro pequeño Fredd lo ha conseguido», según el relato de la madre de Mercury en un documental de 2006. Tras este concierto, según declaraciones de los miembros de Queen, retomarían su carrera más unidos que nunca.

Al año siguiente, en 1986, Freddie Mercury haría su gira más exitosa con Queen, Magic Tour. Volvería a brillar, con grandes conciertos por toda Europa, incluida España. A su paso por Madrid, Freddie Mercury y el resto de la banda concederían una entrevista al programa de TVE, Informe Semanal. En ella, Freddie mostró su devoción por la soprano española Montserrat Caballé. En palabras de Mercury, ella «era la mejor». No tardaría mucho tiempo en llegar a oídos de la propia Montserrat Caballé que, sin dudarlo, se puso en contacto con él, conociéndose en el hotel Ritz de Barcelona. Fue tal la química, que decidieron hacer una canción juntos. Pero ella no quería hacer solo una canción, sino un álbum entero. Y lo hicieron. 1987 sería el año en el que el mundo del rock y la opera se fusionarían, dando a luz un disco grabado entre Londres y Barcelona con el título de Barcelona. Mercury y Caballé forjaron una gran amistad. Dieron dos conciertos en directo: el primero en Ibiza, en la discoteca Ku; el segundo en La Nit, en octubre de 1988, en Barcelona. La canción Barcelona fue elegida por el Comité Olímpico Español como himno oficial de los Juegos Olímpicos de 1992 que se celebraron en Barcelona.

Últimos años y muerte

Según su pareja, Jim Hutton, a Mercury le diagnosticaron sida después de la Pascua de 1987.​ En aquella época, Mercury dijo en una entrevista que no padecía esta enfermedad.​ Pese a estas negaciones, la prensa británica alimentó rumores sobre esta posible enfermedad debido a la apariencia de Mercury y a que Queen ya no realizaba giras ni conciertos.​ Hacia el final de su vida, muchos periodistas le tomaron fotografías, mientras que The Sun sugería que estaba realmente muy enfermo.

El 22 de noviembre de 1991, Mercury llamó al mánager de Queen, Jim Beach, para discutir un asunto público. Al día siguiente, se realizó el siguiente anuncio en nombre del cantante:​

“Siguiendo la enorme conjetura de la prensa de las últimas dos semanas, es mi deseo confirmar que padezco sida. Sentí que era correcto mantener esta información en privado hasta el día de la fecha para proteger la privacidad de los que me rodean. Sin embargo, ha llegado la hora de que mis amigos y seguidores conozcan la verdad y espero que todos se unan a mí y a mis médicos para combatir esta terrible enfermedad. Mi privacidad ha sido siempre muy importante para mí y soy famoso porque prácticamente no doy entrevistas. Esta política continuará.”​

Al siguiente día de haber redactado este informe, el 24 de noviembre de 1991, Mercury murió a la edad de 45 años. La causa oficial de su muerte fue bronconeumonía complicada por el sida. Pese a que no era una persona religiosa, su funeral fue dirigido por un sacerdote zoroástrico. Elton John, David Bowie y los miembros de Queen estuvieron presentes. Mercury fue incinerado y sus cenizas reposan en algún lugar aún desconocido. Se rumorea que fueron esparcidas por Mary Austin a lo largo del Lago Lemán de Suiza, donde Mercury vivió sus últimos años y donde se halla su monumento conmemorativo, concretamente en la ciudad de Montreux. También se dice que reposan a los pies del enorme roble que corona el jardín de su residencia Garden Lodge, en Kensington, y que quedó repartida también entre varios teatros londinenses; ninguna de estas afirmaciones ha podido confirmarse hasta ahora.

En su testamento, Mercury legó la mayoría de sus bienes, incluida su casa y los derechos de autor sobre sus canciones, a Mary Austin, y el resto a sus parientes y a su hermana Kashmira. ​ Además dejó quinientas mil libras para su cocinero Joe Fanelli y la misma suma para su asistente Peter Freestone y Jim Hutton, y cien mil para su chofer Terry Giddings. ​ Mary Austin continúa viviendo con su familia en la casa de Mercury, llamada Garden Lodge, en Kensington. Hutton se mudó a Irlanda en 1995, donde murió el 1 de enero de 2010. Escribió algunos libros sobre la vida de su pareja, entre ellos Mercury and Me y Freddie Mercury: The Untold Story, y dio diversas entrevistas para varias publicaciones

My Fairy King (Mi rey de hadas) es una canción escrita por Freddie Mercury, vocalista del grupo británico Queen. Es la cuarta pista de su primer disco de estudio llamado Queen de 1973.

La canción trata sobre Rhye, un mundo de fantasía creado por Mercury y mostrado en otras canciones de Queen, más notable en Seven Seas of Rhye. Esta fantasía describe un mundo lleno de dragones, hadas y caballos voladores.

Queen - Live at LIVE AID 1985/07/13

My Fairy King es la primera canción en el álbum que presenta las habilidades de Mercury al piano (aunque había un piano en Doing All Right, dicho instrumento fue tocado por el guitarrista Brian May). May estaba tan impresionado por la forma de tocar de Mercury en la canción, y desde este punto en adelante Mercury trabajó la mayoría de las partes de piano de Queen.

Antes de escribir esta canción, Mercury era conocido como Freddie Bulsara, y se dijo que esta canción lo motivó a cambiar su apellido. Sus letras contienen un verso con las palabras “Mother Mercury, look what they’ve done to me! I cannot run I cannot hide…”(Madre Mercury, mira lo que me han hecho, no puede correr no puedo esconderme…). Aunque nunca tuvo un entrenamiento vocal estudiado, sus nódulos vocales le permitían alcanzar tonos sumamente graves y llegar a sus extremos opuestos de un momento a otro.

Brian May comenta que después de que el verso fue escrito, Freddie anunció que estaba cantando acerca de su propia madre. En consecuencia, Freddie Bulsara tomó el nombre artístico Freddie Mercury. Esto fue otro intento para separar su imagen en el escenario (un monstruo extrovertido, como el mismo Mercury se describía) de su imagen personal (introvertido, un hombre común). Debido a la conexión con el apellido de Mercury, esta canción es una de las favoritas entre los fans.

En una escena temprana de la película "Bohemian Rhapsody", se ve a Freddie Mercury celebrando su cumpleaños. Rami Malek, quien interpreta al recordado líder de Queen, se sienta en la mesa del comedor de sus padres mientras su novia formal de la época escucha el nombre auténtico de Freddie por primera vez.

Sus compañeros de banda también son informados de que su cantante principal, de hecho, no nació ni creció allí mismo, en Londres.

Las breves y directas correcciones de sus padres son casi ocultadas por Mercury, quien de repente comienza a tocar el piano e informa a todos sobre su nuevo apellido. Su anuncio parece desconcertar e insultar a su padre, quien pregunta: ¿Así que ahora nuestro nombre familiar no es lo suficientemente bueno para ti?

Las raíces y los antecedentes religiosos de Mercury son dos de los muchos (muchos) temas que el drama musical, que llegó a los cines el 2 de noviembre, aborda a una velocidad de "multitarea", como consideró el crítico de cine del Times Justin Chang. Y sin embargo, la película biográfica deja al público con ganas de saber más d

La canción está escrita en las tonalidades de f minor, G major, e minor, a minor, D major, C Major, d minor, F major, A (phrygian)

Escrita durante la permanencia de la banda en el estudio, la canción contiene muchas capas de voces y armonías vocales, a cargo de Mercury. El baterista Roger Taylor también muestra sus capacidades vocales aquí, marcando una de las notas más altas en la composición. La técnica de capas vocales sería usada en muchas canciones posteriores de Queen, particularmente en Bohemian Rhapsody.

Mercury tomó algunas líneas del poema de Robert Browning, "El flautista de Hamelín". Este poema está basado en el cuento del mismo nombre, escrito por los Hermanos Grimm.

Mary Austin fue una mujer al lado de Freddy Mercury Vivió con ella varios años en West Kensington y, aunque nunca se casaron, hablaba de su relación como un verdadero matrimonio. La canción “Love of My Life”, del álbum “A Night at the Opera” de 1975, es sin duda una dedicatoria en sí misma.

Uno de sus pasatiempos favoritos era el de organizar fiestas. Disfrutaba ser el anfitrión y entretener a sus amigos en las fiestas más salvajes que alguien pudiera organizar. Una vez hizo volar a todos sus invitados a Múnich donde celebraron en un salón de fiestas todos vestidos del sexo opuesto en trajes blancos y negros.

En Ibiza organizó una fiesta épica para mil personas. Además, era amigo de David Bowie, Elton John, Mick Jagger y todo un ejército de paladines que disfrutaban de un buen rato. Orgías, música, drogas… todo.

Su personalidad sobre los escenarios era una combinación extrovertida entre lo exuberante y la teatralidad, no obstante, en la vida cotidiana era un hombre bastante tímido.

Concedió muy pocas entrevistas a lo largo de su vida y quienes lo conocían bien hablaban siempre sobre su enorme carisma y su inherente sensibilidad, lo cual lo hacía un buen amigo y ser humano.

Al final de la primavera de 1987 fue diagnosticado con SIDA. En ese entonces su pareja era Jim Hutton y aunque la prensa especulaba sobre la falsedad o veracidad de su situación de salud, no fue sino hasta el 22 de noviembre de 1991 cundo dio una declaración pública.

Dos días después murió, pero no sin dejar un legado tremendo que va desde la música hasta un mensaje de creatividad y congruencia de acción. Siempre fue fiel a sí mismo y nunca permitió que la sociedad limitara sus deseos. El cariño que le tiene la gente es gigantesco y la música popular está en deuda permanente.

Mientras que algunos críticos sugieren que Mercury ocultó al público su orientación sexual, otras fuentes se refieren a él como «abiertamente homosexual». ​ Mercury se refirió a sí mismo como «gay» en una entrevista de 1974 con la revista NME,85​ pero hay claras evidencias de que era bisexual. ​ En una ocasión dijo que era «bisexual».​ Por otra parte, habitualmente se distanciaba de Jim Hutton durante los eventos públicos en la década de 1980. En una encuesta que realizó el Diario Clarín, Freddie Mercury fue elegido como «el gay más valiente al hacer pública su homosexualidad». Brian May comentó, al respecto, que considera que «llamarlo gay es algo muy simplista, esto sucede por darle demasiada importancia a su vida personal».

Y AQUI SE MARCA UN QUIEBRE EN MI VIDA PERSONAL...MI PADRE LLEGA A VENEZUELA, y se residencia en Bejuma (Edo. Carabobo) donde vivirà hasta su muerte en el 2007, y monte un taller de ceràmica en mi casa con el artista Braulio Rivero. Comienzo a tener miedo ante el vance del movimiento gay en el mundo. Està muy cercano a mi, pero soy capaz de establecer grandes aistades con ese tipo de hombres, potencio su creatividad y espiritualidad, vamos un grupo a la Cuevita de Carrizal en el Edo. Miranda, donde reside Josefina Chacìn Ducharne, canalizadora de "El mensaje alos hombres de la Nueva Tierra", asisto a los grupos de Gurdjieff y busco en lo màs profundo de mi espìritu un equilibrio ante la sordidez que la explosiòn del SIDA en Venezuela me acerca ala muerte de amigos muy queridos. Muere Boris Ramires Dalla, Permio Michelena 1982 de quien fui no solo compañera de estudios delLetras en la UCAB sino muy cercana tanto que conservo una carta dada antes de morir. El mundo del teatro, del Ateneo, Rajatabla, de las artes, todo està sumido en lo sòrdido...Muere un joven muy querido del grupo "Mensajes de Amistad" del padre Josè Maria Rivolta en la iglesia San Rafael de la MIchelena, en el que canta mi socio Braulio. Me entero de cosas muy duras, no quiero que mis hijos peligren. Nadie entiende lo que se vive al recibir confesiones muy privadas de seres humanos muy cercanos. Se abren los closets y emergen los seres màs insòlitos. hay un adoble moral horrible. Cae el Ateneo de Valencia en manos de Josè Napoleòn Oropeza, marcando su condena. El Salòn Nacional de las Artes del Fuego quieren llevàrselo a Caracas, los seguidores de Roberto Guevara, transformado en gay, y se los detalles porque Boris me los cuenta, hasta 1986 se respetaron normas establecidas, despuès depende de los jurados...El arte se convierte en manejo de influencias y desde Letra Inversa en Notitarde, en 1990/92 detenemos decisiones ya tomadas en los premios.

Coincide esa època con Cruising una película policíaca estadounidense del año 1980, dirigida por William Friedkin e interpretada por Al Pacino y Paul Sorvino, que de forma inexplicable mi esposo y yo vimos en el cine Imperio de Valencia, porque el papel que estaba teniendo de consejera de jòvenes estudiantes que debian huir de los embates de poetas y escritores artistas reconocidos que a mi oficina llegaban llorando porque debian pagar un precio muy alto para ser artistas. El título Cruising hace referencia al término del argot gay inglés cruising, que indica la actividad de buscar encuentros sexuales en lugares públicos y a la vez significa patrullar.

Un detective de policía, Steve Burns, se infiltra en el ambiente gay de la ciudad de Nueva York para atrapar a un asesino en serie que mata a homosexuales, tras practicar juegos sexuales sadomasoquistas con ellos. El asesino contacta con sus víctimas en lugares habituales de encuentro sexual, por lo que Steve Burns recibe el encargo de sus superiores de infiltrarse en el sórdido ambiente leather homosexual neoyorquino, donde debe aprender los códigos de conducta que rigen este tipo de garitos para pasar desapercibido y así conseguir información que le lleve a descubrir al responsable de los asesinatos. Durante la investigación, influido por este nuevo mundo, se distancia de su novia.

"Cruising" (1980) Trailer - Al Pacino, William Friedkin

Philip D'Antoni, que había producido la película de Friedkin de 1971 The French Connection, contactó con Friedkin con la idea de que dirigiera una película basada en la novela Cruising del periodista del New York Times Gerald Walker, sobre un asesino en serie que tenía como objetivo la comunidad gay de Nueva York. Friedkin no estuvo particularmente interesado en el proyecto. D'Antino intentó incluir en el proyecto a Steven Spielberg, pero no consiguió interesar al estudio. Unos pocos años después Jerry Weintraubvolvió a presentarle la idea a Friedkin, que siguió sin interesarse. Friedkin cambió de opinión tras una serie de asesinatos sin resolver en los bares gais leather a principios de la década de 1970 y los artículos al respecto del periodista Arthur Bell de la Village Voice. Friedkin además conoció a un oficial de policía llamado Randy Jurgenson que había tenido que infiltrarse de la misma forma que el personaje de Pacino para investigar la primera serie esos asesinatos, y saber que Paul Bateson, un enfermero que había aparecido en la película de Friedkin El exorcista, había confesado alguno de esos crímenes. Todos estos factores influyeron para que Friedkin cambiaria su punto de vista y quisiera hacer la película.1​ Jurgenson y Bateson fueron asesores de la película, al igual que Sonny Grosso, que anteriormente fue asesoró a Friedkin en The French Connection. Jurgenson y Grosso aparecen fugazmente en la película.

En su investigación Friedkin recibió la colaboración de algunos miembros de la mafia, que en aquel tiempo eran dueños de muchos de los bares gais de la ciudad.​ Al Pacino no fue la primera opción de Friedkin para el protagonista, Richard Gere expresó un gran interés en el papel, y Friedkin abrió negociacines con el agente de Gere. Gere era el preferido por Friedkin porque creía que podría darle un toque andrógino al papel que Pacino no podría dar.​

La Asociación Cinematográfica de Estados Unidos inicialmente dio a Cruising la calificación de X. Friedkin afirma que tuvo que llevar la película al consejo de la asociación 50 veces, pagar un coste de $50.000 y borrar 40 minutos del metraje original para que la asociación la clasificara como R.​ Según Friedkin el metraje cortado era en su totalidad lo rodado en los clubs y consistía en «secualidad totalmente gráfica.... que mostraba la más gráfica homosexualidad con Pacino observando, y con la insinuación de que quizá podría haber participado».​ En algunos debates Friedkin alegó que los 40 minutos que faltan no tuvieron ningún efecto en la historia o la caracterización, pero en otros afirmó que ese metraje creaba «misteriosos giros (que [la película] no tomó nunca)», sobre las sospechas del personaje de Pacino de que él mismo podría convertirse en asesino que se hacían más claros que el metraje cortado hacía simultáneamente tanto más como menos ambiguo. Cuando Friedkin intentó restaurar el metraje eliminado para le lanzamiento del la película en DVD descubrió que la United Artists ya no lo tenía. Él cree que UA destruyó este metraje.​ Alguna altividad oculta quedó en la película como fue estrenada, y Friedkin intercaló algunos fotogramas de pornografía gay en la primera escena en la que se describe un asesinato.

Esta película presenta la única banda sonara de la influyente banda de punk rock de Los Ángeles, The Germs. Grabaron seis canciones para la película y solo una de ellas, "Lion's Share", apareció en ella. El tema "Shakedown, Breakdown" fue escrito y grabado especialmente para la película por la banda de culto de Toronto Rough Trade.

Friedkin pidió al escritor gay John Rechy, algunas de cuyas obras estaban ambientadas en los mismos entornos de la película, que revisara Cruising justo antes de su estreno. Rechy había escrito un ensayo defendiendo el derecho de Friedkin a hacer la película, aunque no defendía las películas en sí misma. A sugerencia de Rechy eliminó una escena en la que mostraba un grafiti con el lema de Liberación gay «Nosotros estamos en todas partes antes de que se lanzara el primer cadáver al río» y se añadió el anuncio de descargo de responsabilidad:​

"Esta película no se plantea como una condena al mundo homosexual. Se enmarca en un pequeño segmento de este mundo, y no intenta representarlo en su totalidad."​

Friedkin posteriormente afirmó que la asociación cinematográfica y la United Artists habían solicitado el anuncio, denominándolo «parte de la oscura negociación que se hizo para la película a fin de que se estrenara» y «una concesión a las organizaciones pro derechos gays».​ Friedkin afirmó que nadie involucrado en la realización del film pensó que se consideraría como una representación de toda la comunidad gay, el historiador gay Vito Russodiscrepa alegando que el anuncio es «una admisión de culpa. ¿Qué director haría tal afirmación si realmente creyera que su película no se tomaría como una representación del todo?».​

La película provocó numerosas protestas ante la "estereotipación" del colectivo homosexual, que organizó marchas en contra, aunque dichas protestas fueron ignoradas por el público.Interior. Leather Bar., película estrenada en 2013 que reimagina el proceso de producción de Cruising.

Confieso que el hermoso mundo de la cultura que tanto amaba se va desmoronando ante la humanidad de sus protagonistas .

Una pasiòn siempre he tenido por los hombres muy sensibles, no soporto lo militar, ordinario, soez, sexo de groseria, y chiste vulgares, es parte de mi admirar y disfrutar las pelìculas de Luchino Visconti un personaje inecreible,

Luchino Visconti di Modrone, conde de Lonate Pozzolo (Milán, 2 de noviembre de 1906 – Roma, 17 de marzo de 1976), fue un aristócrata, director de ópera y de cine italiano. Ha sido uno de los cineastas italianos contemporáneos más reconocidos a nivel internacional. Nació en Milán, Lombardía, Italia, en 1906, en el seno de una familia de la más antigua aristocracia lombarda, los Visconti, cuyo linaje se remonta al Renacimiento. Era hijo del duque Giuseppe Visconti di Modrone, y Carla Erba, hija de un poderoso industrial milanés.Todas sus películas dejaron una honda huella en mi sobre todo las películas en las que se dirige hacia un cine de perspectiva histórica, entre ellas “Atavismo impúdico” o Sandra (Vaghe stelle dell'Orsa en el original) en 1965 era una adaptación libre de la Electra de Sófocles y seguía utilizando a Claudia Cardinale como su personaje fetiche —también era un nuevo ensayo de su cine de interioridad— y El extranjero —fiel reproducción de la novela de Albert Camus—, en 1967, sirvieron de antesala a La caída de los dioses, una metáfora sobre el mal y la corrupción moral de una familia alemana vinculada con el nazismo durante la Segunda Guerra Mundial. La caída de los dioses reflejó con realismo y crudeza una etapa negra en la historia de la humanidad, y fue catalogada por los críticos como una película de brillante minuciosidad histórica. Muerte en Venecia fue considerado uno de los films más importantes de la década del 70, siendo su contenido fundamental la contradicción entre el artista —protagonista de la película— y su posición burguesa. Fue una película franco-italiana dirigida por Luchino Visconti, quien adapta la novela corta La muerte en Venecia del escritor alemán Thomas Mann. A principios del siglo XX, el compositor de mediana edad Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), que padece de una depresión severa debido a varios problemas tanto familiares como profesionales, se refugia en Venecia para descansar y huir del agobio de su vida en Múnich. Poco después de instalarse en un lujoso hotel en isla del Lido, se fija en un adolescente polaco, Tadzio (Björn Andrésen, sueco de nacimiento), cliente del hotel con su familia. El interés del protagonista hacia este joven andrógino de belleza sobrecogedora, que encarna un ideal estético, se transformará en amor y obsesión. Visconti lo seleccionó entre centenares de jóvenes candidatos. Los días de Aschenbach discurren en la playa del Lido o en excursiones al centro de Venecia pero, sobre todo, se dedica a seguir, observar y espiar a Tadzio. Paralelamente, Aschenbach va tomando consciencia de unos acontecimientos extraños en la ciudad (muertes repentinas, campañas de desinfección de las calles, explicaciones evasivas de los venecianos, etc.) y consigue descubrir que Venecia está aquejada de una epidemia de cólera, escondida por las autoridades para que los turistas no abandonen la ciudad. Aschenbach piensa irse primero pero, consciente de su amor por Tadzio, prefiere quedarse en el hotel. Piensa en avisar durante un tiempo a la familia de Tadzio pero no lo hace. Como era de esperar, Aschenbach, delicado de salud, enferma. Sale una última vez, maquillado, a la playa para ver a Tadzio (al cual nunca ha hablado) y muere contemplándolo jugar con un amigo en una playa, a orillas del mar. Tadzio se aleja con su amigo sin darse cuenta, mientras unos socorristas vienen a levantar el cuerpo de Aschenbach. ImplicacionesTanto la novela original como la película constituyen, aparte de los sucesos acontecidos a Gustav durante su estancia en Venecia, una ilustración, oda, alegato y homenaje a la belleza perfecta, pura y plena de la que habla Platón en el Fedro y el Banquete. Aquí debo recordar al gran poeta venezolano y humorista Aquiles Nazoa (Caracas, 17 de mayo de 1920 - Maracay, 25 de abril de 1976) escritor, ensayista, periodista, poeta y humorista venezolano1​ . En sus obras se expresan los valores de la cultura popular venezolana. Nació en la barriada caraqueña de El Guarataro (ubicada en la parroquia San Juan), en el seno de una familia de escasos recursos económicos. Fueron sus padres Rafael Nazoa, jardinero y Micaela González. Su hermano fue el también poeta Aníbal Nazoa. Estuvo casado con Estrella Fernández-Viña Martí, sobrina nieta del escritor cubano José Martí. Ella fallecería de tuberculosis poco después del matrimonio. Más tarde, en 1949, contrae nupcias con María Laprea.​ Es padre del cocinero y comediante Claudio Nazoa y abuelo del chef Sumito Estévez. A los 12 años empieza a trabajar para ayudar a su familia, completando su formación a través del estudio autodidacta.

Entre 1932-1934 se desempeñó en múltiples oficios tales como aprendiz de carpintería, telefonista y botones del famoso Hotel Majestic de Caracas y empleado de una bodega, hasta que entra a trabajar en el diario caraqueño El Universal hacia 1935; donde trabaja como empaquetador, luego pasa al archivo de clisés y finalmente aprende tipografía y corrección de pruebas.

Se interesó en la ideología marxista. Aprendió a leer el francés y el inglés, lo que le permitió obtener un puesto como guía turístico en el Museo de Bellas Artes en 1938. Durante este período fue enviado como corresponsal de El Universal a Puerto Cabello, donde colabora en el diario El Verbo Democrático.

Un artículo en el que criticaba la indolencia de las autoridades locales en la erradicación de la malaria, le acarreó una demanda del Concejo Municipal de Puerto Cabello y su posterior encarcelamiento en 1940.

Luego de ser liberado regresa a Caracas, donde ingresa a trabajar en la emisora Radio Tropical y mantiene en El Universal una columna titulada «Por la misma calle». Durante este tiempo es incorporado al diario Últimas Noticias, comenzando a publicar sus poemas humorísticos en la sección «A punta de lanza», firmada con el seudónimo «Lancero». También en este período se incorpora al semanario satírico El Morrocoy Azul donde desarrolla sus dotes como humorista, publicando con el seudónimo de «Jacinto Ven a Veinte», sus poemas Teatro para leer.

A partir de agosto de 1943, empieza a colaborar en el diario El Nacional. En 1945, aparece en Caracas su libro El transeúnte sonreído. Durante estos años, colabora igualmente en las revistas Élite y Fantoches, la segunda de las cuales dirige por cierto tiempo.

En 1948 obtiene el Premio Nacional de Periodismo en la especialidad de escritores humorísticos y costumbristas. Dos años después aparecen sus libros El Ruiseñor de Catuchey Marcos Manaure, idea para una película venezolana, con prólogo de Juan Liscano. En 1953, el Morrocoy Azul pasa al control del gobierno, lo que ocasiona que Aquiles Nazoa y otras periodistas colaboren con la revista humorística El Tocador de las señoras. Al hacerse más evidente la represión dictatorial, decide exiliarse en 1955.

Cuando retorna a Caracas en 1958, colabora en la revista Dominguito, fundada en febrero de 1958 por Gabriel Bracho Montiel y en marzo de 1959, crea junto a su hermano Aníbal la publicación humorística Una señora en apuros,de la cual solo salieron pocos números. Una situación similar aconteció con El fósforo, aparecido en noviembre de 1960, en el cual su nombre encabezaba la lista de los editores; en definitiva tanto ésta última revista como Dominguito fueron clausuradas por las autoridades gubernamentales a fines de 1960. Ese mismo año, aparece en Caracas su libro de poemas Caballo de manteca y, a partir de ese momento, sus obras dentro del género poético (ediciones, reediciones, antologías) se hacen más abundantes y son recogidas en la compilación Humor y amor de Aquiles Nazoa, publicada en 1970.

Además de sus obras poéticas, Nazoa publicó monografías y estudios como Cuba, de Martí a Fidel Castro (1961) y también ensayos como Caracas, física y espiritual (Caracas, 1967), obra que ganó ese mismo año el Premio Municipal de Literatura del Distrito Federal y trabajos de crítica de arte (Mirar un cuadro, Humorismo gráfico en Venezuela); así como numerosas conferencias de divulgación cultural.

También en 1966 publicó una compilación titulada Los humoristas de Caracas. Durante la década de los 70, además de preparar libros como La vida privada de las muñecas de trapo, Raúl Santana con un pueblo en el bolsillo y Leoncio Martínez, genial e ingenioso (publicado después de su muerte), dicta charlas y conferencias, mantiene un programa de televisión titulado Las cosas más sencillas y proyecta la formación de un grupo actoral que pusiera en práctica el «Teatro para leer».

En ese programa Aquiles mostraba un refinamiento gestual muy particular acompañado de su voz inolvidable, que supe después que muchos padres prohibierona sus hijos ver ese programa porque “Aquiles es m….o”, cosa que los “connotados poetas de la Repùblica del Este, de la terrible bohemia de Saban Grandes y los de la Escuela de Letras en la UCV, actores de la famosa Reforma del 1969 que hizo que Rafael casldera cerrara la UCV, actuales jerarcas de la cultura en estos años chavistas, se burlaran de èl, igual que de Andrès Eloy Blanco, como grandes bolsas, y a Aquiles lo de m….o, cuando hubieran querido ellos y los sobrevivientes de esa generación, tener la sensibilidad y talento para reflejar dignamente EL ALMA NACIONAL, el verdadero SENTIR DE LOS VENEZOLANOS Y DIGNIFICAR LA CULTURA POPULAR,Aquiles movia el amor del pueblo, al salir de la Biblioteca Nacional los vendedoores de juguetes en las calles, le ragalaban un juguetico, y el diàlogo era excelente, y cito a Aquiles porque todas las mañanas entre 1970-73 conversaba con èl a las 10 am. En la entrada de la Biblioteca Nacional de Caracas, mientras yo colocaba la cartelera al público, y Aquiles llegaba a preparar en la sala de lectura de la instituciòn su programa “Las cosas màs sencillas”, y un dia le comentè ese tema y èl muy humildemente me contestò, “la belleza se admira en todas las cosas”, esa sensibilidad de Aquiles me hizo recibir una sugerencia para que trabajara a “Alicia en el país de las maravillas”, de Lewis Caroll como un trabajo para la materia Crìtica Literaria que nos daba en la UCAB el profesor Manuel Bermùdez, ya que el poeta decía que yo le recordaba a esa protagonista, Manuel Bermùdez por su parte, tras su imagen de llanero ordinario era también de alma exquisita con altos contenidos estèticos expresados a su manera, originalidad que hace que un hombre de letras como Rafael Arraìz Luca confiese que leer las actas de reuniones de la Academia de la Lengua, mientras Bermùdez fue su Secretario, son unas piezas de alto valor literario, esa ALMA la verìa luego expresada por los monjes benedictinos de la Abadia “San Josè” de Guigue, ante las arremetidas de los comunistas universitarios sobre los costos que como buitres criticaban imaginando que se habían invertido millones y que la obra era alemana, cuando era todo lo contrario, el concepto benedictino era de hacer la obra con materiales nacionales, locales y con artistas venezolanos, fue la época que la Abadia recibiò visitantes y arquitectos asistentes a Congresos realizados en Venezuela, ya que el edificio diseñado por el arquitecto venezolano Jesús Tenreiro Degwitz (Valencia, Venezuela, 9 de abril de 1936 - Caracas, Venezuela, 10 de diciembre de 2007) y realizado por la Constructora Guinand-Brillembourg, recibió el Premio Nacional de Arquitectura 1991, ellos remataron con la idea que “la belleza debe ser cultivaba porque es obra de Dios, manifestación de su amor en el equilibrio y orden de la creación, de la que somos manifestación, por eso la aplicaciòn en la obra de Tenreiro siguiendo el plano ideal de la Abadía de San Galo (en alemán Fürstabtei Sankt Gallen) que fue durante muchos siglos una de las principales abadías de la Orden benedictina en Europa. Está situada en la ciudad de Sankt Gallen, en Suiza. Fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1983. El monasterio fue fundado en el año 613 y adoptó el nombre por San Galo, su fundador, un monje irlandés, compañero de san Columbano de Luxeuil ; Galo murió allí en 646. Y aqui ingreso a otro mundo de hombres exquisitos, los monjes benedictinos que en aquel entonces estaban en la Abadia de Guigue. 7 años de aprendizaje con ellos fue muchìsimo para mi.

Durante el reinado de Pipino el Breve se fundó la famosa escuela de San Galo, en la cual las artes, las letras y las ciencias florecieron. Bajo el gobierno del abad Waldo de Reichenau (740-814) se copiaron numerosísimos manuscritos, formándose así una nutrida biblioteca. Muchos monjes irlandeses y sajones se establecieron en la abadía para dedicarse a la copia de manuscritos.

A petición de Carlomagno, el Papa Adriano I envió gran cantidad de cantores desde Roma, que propagaron el Canto gregoriano.

En el siglo XIII, la abadía y la ciudad, como principado independiente, estaban regidas por los abades, que adoptaron el título de príncipes del Sacro Imperio Romano.

Bajo los auspicios del abad Pío (1630-1674) comenzaron a imprimirse libros en la abadía. En 1712, la abadía sufrió el saqueo y el expolio de gran parte de sus tesoros, siendo llevadas muchas obras a Zúrich y Berna.En la actualidad queda poco del monasterio original medieval. La mayor parte de las edificaciones, incluida la iglesia abacial, se reedificaron en un estilo tardobarroco.

Jesús Tenreiro, una de las figuras emblemáticas de la Arquitectura Venezolana, cultivador de un estilo fuerte, básico y ajeno al despliegue de ornamentos, con una marcada devoción por el concreto como génesis estructural. Su vida profesional ha estado siempre muy ligada a la actividad académica, pues ha sido miembro electo del Consejo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, así como Profesor de Psicología Arquetipal y Arquitectura en esta y otras casas de estudio. Premio Nacional de Arquitectura en varias ocasiones, con obras tan importantes como la Abadía Benedictina de Güigüe y el proyecto del Palacio Municipal de Valencia. Es responsable de la sede de la CVG en Ciudad Guayana, la sede del Consejo Municipal de Barquisimeto y actualmente en construcción tiene un edificio multifamiliar-recreativo en la Urb. Caribe en Caraballeda. Su participación en concursos nacionales e internacionales han armado un portafolio que comprende sus ideas para el Pabellón de Venezuela en la Expo de Sevilla de 1992, una sede para el Colegio de Ingenieros y el diseño para la Opera de la Bastilla en París. También ha tenido tiempo para formar parte de sociedades profesionales y científicas, siendo miembro fundador del Instituto de Arquitectura Urbana, el Colegio de Arquitectos de Venezuela y el Colegio de Ingenieros de Venezuela, así como benefactor de la Fundación La Salle de Ciencias Naturales. Sus trabajos han sido reseñados en publicaciones internacionales, como la revistas Architectural Design (U.K), ARQ Architecture Québec, A & V (España), así como su extensa labor ha sido encerrada en el libro impreso por la Universidad de Texas, bajo la edición de Malcom Quantrill y participación del crítico Kenneth Frampton, de título: “Latin American Architecture Six Voices, De Groote, Dieste, Legorreta, Salmona, Tenreiro-Degwitz, Testa”, año 2000 aplicò en la Abadìa de Guigue el número áureo (también llamado número de oro, razón extrema y media,​ razón áurea, razón dorada, media áurea, proporción áurea y divina proporción2​) es un número irracional,​ representado por la letra griega φ (phi) (en minúscula) o Φ (Phi) (en mayúscula) en honor al escultor griego Fidias.

También se representa con la letra griega Tau (Τ τ),4​ por ser la primera letra de la raíz griega τομή, que significa acortar, aunque es más común encontrarlo representado con la letra fi (phi) (Φ,φ). También se representa con la letra griega alfa minúscula.

Escultura contemporánea en acero elaborada por el escultor y matemático Ibo Bonilla. Basada en un simbolismo basado en el concepto del número áureo en relación a la "Flor de la Vida" y "Geometría Sagrada". Mide 17,8m (11xΦ) de alto y cada uno de los módulos de la espiral mide Φ=1,618m. Es la escultura más alta de Costa Rica.

Se trata de un número algebraico irracional (su representación decimal no tiene período) que posee muchas propiedades interesantes y que fue descubierto en la antigüedad, no como una expresión aritmética, sino como relación o proporción entre dos segmentos de una recta, es decir, una construcción geométrica. Esta proporción se encuentra tanto en algunas figuras geométricas como en la naturaleza: en las nervaduras de las hojas de algunos árboles, en el grosor de las ramas, en el caparazón de un caracol, en los flósculos de los girasoles, etc. Una de sus propiedades aritméticas más curiosas es que su cuadrado (Φ2 = 2,61803398874988...) y su inverso (1/Φ = 0,61803398874988...) tienen las mismas infinitas cifras decimales.

Asimismo, se atribuye un carácter estético a los objetos cuyas medidas guardan la proporción áurea. Algunos incluso creen que posee una importancia mística. A lo largo de la historia, se ha atribuido su inclusión en el diseño de diversas obras de arquitectura y otras artes, aunque algunos de estos casos han sido cuestionados por los estudiosos de las matemáticas y el arte.

Aquiles tenía la gran sensibilidad que demuestra que los venezolanos tenemos esa belleza interior, que los machotes militares y los Diosdados Cabellos del régimen, asi escriban y se autopremien con reconocimientos públicos y discursos lisonjeros, no pueden alcanzar por falta de ALMA…

Nuestro Aquiles Nazoa como Gustav se encuentra frente a la belleza inalcanzable, bella por sí misma y reflejo de la verdad. Tadzio, su objeto de obsesión, no intercambia palabra alguna con él ya que el sentido de perfección no posee carácter mundano, va más allá ("Aquél que ha contemplado la belleza está condenado a seducirla o morir"). Es tan esplèndido el sentir de la belleza en las almas sensibles, que asistì a una conferencia que dio el Ing. Daniel Labarca en la casa de Cristina Araujo en Valencia, donde en la compañía de otro hombre extraordinariamente sensible, el Dr. Josè Enrique Gonzàlez, disfrutamos de una manifestación del genio de Labarca, trasformada en el artista y conocedor del arte a través de la cinematografía, que me hizo dimensionar la grandeza de ese hombre, sencillo y poco dado a shows como otros del secor cultural, como nunca…

El apellido alemán "Aschenbach" puede traducirse por "Arroyo de cenizas".

La trama se desarrolla en Venecia, símbolo del arte y el comercio entre Oriente y Occidente, en el fastuoso y decadente hotel del Lido veneciano (la estación balnearia que tuvo su mayor popularidad a fines del siglo XIX y principios del XX).

La descripción minuciosa y exacta del entorno aristocrático que logra Visconti (un legendario aristócrata milánes) es paradigmática. Incluso la ropa usada es original y fue planchada y almidonada a la manera de la época.LegadoEl personaje está basado vagamente en el compositor Gustav Mahler, el Adagietto de cuya Quinta sinfonía está presente a lo largo de la película, formando una unión indivisible entre imagen y sonido de gran presencia dramática. De hecho, Visconti es en gran medida responsable de la inmensa popularidad que cobró luego la música de Mahler, quien perdió una hija en circunstancias similares a las que se ven en la película, pero no era homosexual. La popularidad de Muerte en Venecia y la obra de Gustav Mahler inspiraron un ballet del coreógrafo John Neumeier y la ópera homónima de Benjamin Britten. Para el papel de Tadzio, Visconti escogió al desconocido Björn Andrésen tras un largo proceso de audiciones que se registraron en el documental Alla ricerca di Tadzio (En busca de Tadzio). Se comentó[¿quién?] que el cantante español Miguel Bosé, entonces un adolescente, fue un candidato a este papel, y que su padre, el torero Luis Miguel Dominguín, se opuso...No obstante, en tiempos recientes, la película ha recibido inumerosas críticas por lo que se considera una "oda a la pedofilia".Visconti coloca delante de mi al profesor Aschenbach" y al rey Ludwig (sobre Luis II de Baviera) significó una coherente continuación de la realización anterior, vale decir, una reflexión acerca de las relaciones de la vida y el arte, entre la estética y la ética. Tan perecidos a Aziz MUci, sobre todo el primero que hasta la mnisma señora Cora Pàez de Topel una vez me comentò que tambièn ese personaje le recordaba a Aziz. En Ludwin Visconti narra la vida de Luis II de Baviera, conocido por su aceptación de la unidad de Alemania, su mecenazgo a Richard Wagner, la construcción de castillos en Baviera, como Neuschwanstein y Herrenchiemsee; y por su muerte en circunstancias oscuras. En ella Visconti narra la obsesión del rey bávaro por la música de Richard Wagner. El título La caída de los dioses alude a la ópera homónima de Wagner, trazando un paralelismo entre Wagner y la Alemania nazi.Aqui debo confesar que cuando visirtè su castillo de donde se inspitò Walt Disney para el que es el sìmbolo de Disneylandia, todo recordaba a Aziz, y fue tanto mi impacto que en Diciembre 2018, cuando buscaba hacia donde orientar mis arquetipos para las redes de cosmobiologìa, brotò en mi el mundo del Anillo de Los Nibelungos y todo lo que es el mundo de mi padre y mis ancestros alemanes.

En 1974 dirigió Confidencias o Retrato de familia en interior (Gruppo di famiglia in uno interno), declarando Visconti que se trataba de un film antifascista en el sentido crítico y en el sentido lato del término. Un retrato crepuscular de la incapacidad del intelectual coherente de hacer frente a su grupo social y de adaptarse a un mundo de valores culturales banales, en el Visconti se veía muy reflejado, aunque el personaje protagonista era un trasunto del crítico de arte Mario Praz.

Poco tiempo antes de su muerte, y en un estado de salud bastante grave, logró concretar su última película, El inocente, adaptación de la novela homónima de Gabriele D'Annunzio.

Su fallecimiento se produjo el 17 de marzo de 1976 en la ciudad de Roma, cuando contaba 69 años de edad.

La colaboración artística entre Visconti y varios colegas (Claudia Cardinale, Alain Delon, Burt Lancaster, Nino Rota, Silvana Mangano, Suso Cecchi D'Amico, Alida Valli, Dirk Bogarde, Anna Magnani, Rina Morelli, Paolo Stoppa, Giorgio Albertazzi, Anna Proclemer y otros) suma prestigio al trabajo de uno de los más importantes directores de cine y ópera del siglo XX que, junto a los directores Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Roberto Rossellini, Mauro Bolognini, y más tarde Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Vittorio de Sica o los hermanos Taviani, situó al cine italiano

La ópera fue el primer amor de Visconti y el género sirve de marco o aparece conspicuamente en varias de sus realizaciones como en Senso, El gatopardo y en Ludwig, película de con Helmut Berger, Trevor Howard, Silvana Mangano y Romy Schneider en los papeles principales. Los exteriores se rodaron en general en la Residencia de Múnich, el Castillo Berg, la Kaiservilla de Bad Ischl (Salzkammergut), Neuschwanstein, Linderhof, el Castillo de Hohenschwangau, el Palacio de Herrenchiemse, y el Lago Starnberg (con su Roseninsel o Isla de las Rosas).

Los interiores se rodaron en general en Cinecittà.

En el escenario operístico milanés llevó al teatro de su ciudad, La Scala, a un nuevo esplendor con sus magníficas puestas en escena de La Traviata, Anna Bolena, Ifigenia en Táuride y La Sonnambula para Maria Callas.

Trabajó en La Scala, la Ópera de París y Covent Garden en Londres en una recordada producción de Don Carlos de Verdi con Jon Vickers. Aparte de Callas, sus máximos colaboradores fueron Leonard Bernstein, Carlo Maria Giulini y Franco Zeffirelli, su más famoso discípulo.

En Muerte en Venecia la música volvió a hacerse presente en la figura del torturado compositor. Al film se debe en gran parte la popularidad actual de la música de Gustav Mahler cuyo Adagietto de la Quinta Sinfonía enmarca cada escena.

En 1996 ante la enfermedad de SIDA de Aldo Ramos Araujo me incorporè como fundadora de la Asociaciòn Luchemos por la vida ALVI, para emprender junto al psicòlogo inolvidable Francisco Pèrez, fallecido tambièn a cuyo lado valorè la nobleza y humildad ante la negativa de ayuda a su familia muy conocida en Valencia, la campaña de Educaciòn preventiva en esta ciudad. Los subregistros del Norte de la ciudad eran altìsimos, pero no pude acceder a los colegios del Opus Dei ni de instituciones privadas, en cambio de la Isabelica para el sur encontramos profesores de Biologia comprometidos y una Maternidad del Sur recièn inaugurada presta a la campaña. Pero mi alma se enfermò, al Padre Otto Lohner osb y a mi nos amenazò un joven muy cercano a mi, con inyectarnos el virus para que dejàramos de hablar pendejadas. Ese acto tan agresivo unido a lo que habia que escuchar entre los afectados y ver hijos de amigas que no sabian el estado de sus hijos, porque todo era ocultado me golpeò demasiado. Una joven mujer muy bella de la sociedad valenciana y su hijo de 2 años se nos acercò una noche y a travès de ella pude medir el dolor del engaño de un marido y lo que es la doble moral y sordidez de la condiciòn humana. ahi renunciè, no aguantè màs herir mi alma sin necesidad, ademàs mi hijo Carlos me habia recriminado mi miedo y aprensiòn a su vida como muchacho. No era miedosa, pero me volvì.

La guinda de la tota fue el caso de la hermosa fotógrafa, Daniela hija de Bernard Chappard y Graziella Lassere Guinand. Estudió serigrafía y grabado en el Cegra y realizó cursos en la Escuela de Artes de la UCV y en la Escuela Cristóbal Rojas (1976-1978). Continuó su formación artística en la Escuela de Arte San Miguel Allende de México (1980-1983) y en la Parsons School of Design de Nueva York (1988-1989), donde estudió fotografía, para luego trabajar como ilustradora de editoriales y empresas publicitarias norteamericanas. En 1988 inauguró su primera muestra individual, "Sueños y memorias", donde combinó cajas y fotogramas para conseguir resultados inusuales. Luego de desarmar las cajas las pintaba de blanco y, tras emulsionar la superficie, procedía a copiar directamente la imagen sobre la madera. A modo de pequeños teatrillos que servían de escenarios para personajes cotidianos y para la memoria, las cajas de Chappard lograron integrar yuxtaposiciones que se metamorfoseaban en recuerdos frágiles: desnudos femeninos o retratos. En 1989 culminó sus estudios de fotografía y expuso "Venezuela alterada", ensayo fotográfico en el que indagó, con imágenes y palabras, la esencia venezolana con una visión fragmentada de su diversidad geográfica, urbana y humana. Este compendio de experiencias fotográficas, en donde la técnica del fotomontaje y la refotografía de transparencias proyectadas tienen un papel relevante, fue realizado en un período de dos años y recopilado posteriormente en el libro Venezuela alterada (Grey's Licores, 1989). Esta serie le valió el primer premio de fotografía Luis Felipe Toro en 1989. Ese año participó en varias exposiciones colectivas: "Images of silence" (Museo de Arte Moderno de América Latina, OEA, Washington), "Arte en dos mitologías" (Galería Siete Siete, Caracas), "Artefactos" (Galería Vía, Caracas) y en la II Bienal de Guayana. En 1990 fue nominada para el Premio de Fotografía a Color Leopold Godowsky Jr., patrocinado por el Photographic Resource Center de la Universidad de Boston (Massachusetts, Estados Unidos). Luego de una breve estadía en Caracas vuelve a Nueva York y continúa su trabajo fotográfico. En este período surge la serie "Naturalezas muertas", en la que abordó el análisis de este género tradicional a través del proceso de reinversión cromática, técnica que dio a estas fotografías un carácter particular. Sobre esta etapa comenta Anne Horton: "pude ver copias de hermosas flores flotando en un espacio misterioso y profundo, pero en aquel momento no tenía idea de cómo engranaban en el contexto de su trabajo artístico. Pensé que tal vez estaría explorando el vocabulario de Robert Mapplethorpe, cuyo trabajo Danielle conocía y admiraba. Sin embargo, no fue sino hasta mucho después, cuando supe de su muerte y del trágico secreto que había guardado durante todos esos años, que entendí que aquellas flores no representaban más que una búsqueda de paz interior" (1996). Luego de estudiar, en la década de los ochenta la manipulación de la imagen y el color, se dedicó en sus últimos trabajos a realizar estudios fotográficos en blanco y negro. Su discurso fotográfico se manejó bajo una estética cargada de acentuado preciosismo de carácter pictórico y experimental. Daniela Chappard murió de sida en 1996, a raíz de este hecho su padre Bernard Chappard crea la Fundación Daniela Chappard, institución benéfica orientada a la prevención del sida y a la promoción de eventos culturales relacionados con la fotografía.

El libro que màs lei en esos años fue EL SIDA : CÓMO ABORDARLO DE FORMA POSITIVA libro está basado en el trabajo de Louise Hay Louise Lynn Hay (Los Ángeles, 8 de octubre de 1926-San Diego, 30 de agosto de 20171​) escritora y oradora estadounidense, considerada una de las figuras más representativas del movimiento del Nuevo Pensamiento y una precursora de los libros de autoayuda con un grupo de apoyo a personas afectadas por el sida. Pero el enfoque, las afirmaciones y los ejercicios que propone pueden ser igualmente útiles para cualquier persona que esté luchando contra el cáncer, una afección cardiaca, diabetes o cualquier otra enfermedad que ponga en peligro su vida. (

Anoche ante la maravillosa pelìcula sobre Freddie Mercury pensè debo dar gracias a Dios publicamente, por todo lo vivido, haber penetrado las sombras y la luz, y salir indemne con el alma nutrida de lo humano y lo divino, llena de comprensiòn ante la naturaleza humana, que es capaz de lo màs sòrdido pero tambièn de los màs excelso. HONRA Y PAZ A LAS ALMAS DE TODOS ESOS HOMBRES MARAVILLOSOS QUE TUVE EL GRAN HONOR DE CONOCER Y AMAR MUCHO; EN RELACIONES QUE SOLO SERES MUY ESPECIALES PUEDEN ENTENDER.